tag:blogger.com,1999:blog-71978655532947182752024-03-12T15:03:48.353-07:00SVIRGOLETTATELe svirgolettate, sono tocchi di colore apportati su un dipinto, pennellate vigorose o delicate, a seconda dello stato d'animo dell'artista.
I miei pensieri, le mie ricerche, le mie idee, sono le mie svirgolettate di ogni giorno ad un dipinto in costante evoluzione: la mia vita. Una tela nata bianca, pura, e disegnata, colorata, ideata, giorno dopo giorno grazie all’apporto di queste mie piccole ma decisive pennellate di pensieri.Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.comBlogger205125tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-87923622513285077182016-06-14T05:15:00.001-07:002016-06-14T05:42:05.490-07:00Eva Amos: cuore e talento di una giovane pittrice russa <div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRxBexp-02OEc7bEWj4hcK2spTryM1KyrPutAxIb5QegKVE98HonZCPMkXKEsD8v7eTSZTTeBoB41zMb3SBpsgV96V9UO7bo-NuJ521ZEOF_8G-r_ivSr3fMGzSwBFZuoVSdu19CCu-GI/s1600/eva+amos+ritratto.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRxBexp-02OEc7bEWj4hcK2spTryM1KyrPutAxIb5QegKVE98HonZCPMkXKEsD8v7eTSZTTeBoB41zMb3SBpsgV96V9UO7bo-NuJ521ZEOF_8G-r_ivSr3fMGzSwBFZuoVSdu19CCu-GI/s400/eva+amos+ritratto.jpg" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Eva Amos </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ho avuto il piacere di
ospitarla a casa per qualche giorno, di poter parlare con lei e capire la sua
visione artistica del mondo e delle persone, guardare alla sua tecnica, conoscere
il suo percorso.</span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">
Ho avuto il tempo di scoprirla, di poter condividere con lei qualche passione
comune e del piacevole tempo libero. Tanto che ho deciso di dedicarle una svirgolettata,
perché in un mondo fatto di cloni e artisti monotoni, lei fa sicuramente la
differenza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Eva Amos</b>, pittrice
russa classe 1986, nasce a Samara, nella Russia ai confini col Kazakistan, figlia
di due artisti locali. Da questi impara tutte le tecniche utili a lasciare il
segno su ogni sua creazione, tecniche che affina frequentando scuole settoriali
sino a conseguire una laurea in Arte con indirizzo artistico artigianale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Inizialmente molto
accademica, ma sempre attenta alle novità provenienti da ogni parte del mondo e
pronta a guardare al passato in maniera analitica per poterlo attualizzare, è
in Italia, dopo il suo trasferimento avvenuto nel 2014, che Eva Amos – il cui
pseudonimo è dato dalla fusione del suo nome e cognome “<b>EvAmos</b>” – acquisisce un
suo stile personale che lei è usuale definire “un mix tra cubismo e pop art”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4V1Q67CE7libEOoiKxdVoVE01XXsdwtPU0NFox4-pw3Ks4GzHeFs54Jr2krck_WyamXgkixP-_tWzPDE7mhdleL3AZm8VKgvNLq6OMQQ2iVui-AP3COleraNlYicDz4I1URfYEiDXYR0/s1600/firma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="234" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4V1Q67CE7libEOoiKxdVoVE01XXsdwtPU0NFox4-pw3Ks4GzHeFs54Jr2krck_WyamXgkixP-_tWzPDE7mhdleL3AZm8VKgvNLq6OMQQ2iVui-AP3COleraNlYicDz4I1URfYEiDXYR0/s640/firma.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Firma della pittrice </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3eVm6g4nYtONtOr0Jl08XUaFfrjMNGIK7LnFoeuVqWMQQkXvsVQXTWzwnrQpZbS2tvov7x1utc3yElJA_RzlwHQldELPz9X1CPKMcorFlFxhazJUyJl-Xp1uui8D8M0VKdilb3gtm4aM/s1600/eva+amos.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3eVm6g4nYtONtOr0Jl08XUaFfrjMNGIK7LnFoeuVqWMQQkXvsVQXTWzwnrQpZbS2tvov7x1utc3yElJA_RzlwHQldELPz9X1CPKMcorFlFxhazJUyJl-Xp1uui8D8M0VKdilb3gtm4aM/s320/eva+amos.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">Eva Amos durante i preparativi </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">dell'evento vernissage Red Art Party</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno stile che non è un
copia-incolla delle due rivoluzionarie correnti artistiche, ma un adattamento
originale di queste ai tempi nostri, in un’esplosione di colori che ricordano
spesso e volentieri il vibrante fauvismo di Matisse e De Vlamink, se non altre
volte, la dolcezza degli oli postimpressionisti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tanto che a meno di 30
anni, Eva Amos può vantare partecipazioni ed esposizioni non indifferenti a
diverse mostre e vernissages dal 2015: nel febbraio dello stesso anno è grande
protagonista della mostra <i>Ritratti d’animo </i>tenutasi allo Spazio Anteprima di
Saronno; ancora nel giugno partecipa alla mostra <i>Colore d’Amore</i> nello Spazio
Creativo Testaccio a Roma; nel settembre espone a Palazzo Cosentini per l’<i>ART
EXPO </i>di Ragusa; ad ottobre al Teatro Centrale di Roma, alla sua personale <i>FUORI
CLICHE’</i>; a dicembre partecipa alla collettiva <i>ARTE e CONFRONTO </i>nella Fondazione
Mazzoleni ad Alzano Lombardo e ancora nel gennaio 2016 alla Collettiva<i> B I A N C A N E R A </i>presso l’Art Actory Cafè. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma non si può capire
Eva Amos se non diamo uno sguardo alle sue opere, che non sono mai dei semplici
oli o acrilici su tela. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dipinti che raccontano
una visione spesso dolce della vita e scevra da malignità, come nel caso della
<b><i>Bella Addormentata al mare</i></b>, schizzo di acquerello del 2015, in cui viene
ritratta una dolcissima bambina addormentata, sul cui corpo e viso riaffiorano
i colori del mare e del paesaggio circostante, in una calda e armoniosa fusione
di tutti gli elementi della composizione. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlSwHo1Yot6iOeV7Av-yKGcSwN9_MP3beC_rGCWJeC6QJo1zdOOR7SiwizbwHdD0fvUH7r5GQ9xeiIdgpwrG9NamOHdlk99XBl3RBGycuZkHK3etTfJUsPEPxvpgVGq_HlUZtYhPvUTUg/s1600/Bella+Addormentata+al+mare%252C+schizzo+con+acquerello%252C+20x30.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="492" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlSwHo1Yot6iOeV7Av-yKGcSwN9_MP3beC_rGCWJeC6QJo1zdOOR7SiwizbwHdD0fvUH7r5GQ9xeiIdgpwrG9NamOHdlk99XBl3RBGycuZkHK3etTfJUsPEPxvpgVGq_HlUZtYhPvUTUg/s640/Bella+Addormentata+al+mare%252C+schizzo+con+acquerello%252C+20x30.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">E. Amos, Bella addormentata al mare, 2015, schizzo con acquerello, Collezione Privata., Milano </span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: right;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy5i2O0_HJbUJW0FyjMML5jfRVaabaM4MYh7PZGy6CgtbM0qRUHMfSVT3Q0bgtGoFrXN9IvNFfBX0Whz3OmOs74Kes8fmcOcpSXTOqpAkjSOfGEPT4v-bJg4gWgzKwn7JvOwJJ0jjADs0/s1600/I+N+F+I+N+I+T+Y+50x40c+acrilico+nero+di+seppia+alluminio+puzzle+su+tela.+2016.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="254" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy5i2O0_HJbUJW0FyjMML5jfRVaabaM4MYh7PZGy6CgtbM0qRUHMfSVT3Q0bgtGoFrXN9IvNFfBX0Whz3OmOs74Kes8fmcOcpSXTOqpAkjSOfGEPT4v-bJg4gWgzKwn7JvOwJJ0jjADs0/s320/I+N+F+I+N+I+T+Y+50x40c+acrilico+nero+di+seppia+alluminio+puzzle+su+tela.+2016.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">E. Amos, Infinity, 2015, acrilico - nero di seppia - puzzle </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">su tela, Collezione Privata, Milano. </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">O ancora <b><i>Infinity</i></b>, la tela collage che raffigura l’unione amorosa di due
persone, in una promessa perenne d’amore, attraverso il tocco delle loro dita a
disegnare il simbolo dell’infinito. Una farfalla si poggia sulla mano di lei a
simboleggiare la bellezza di un rapporto così limpido e i pezzi di puzzle
raccontano concretamente la costruzione di un percorso tutto in divenire. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ancora più
particolarità però dimostrano le opere in cui traspare un occhiata di fondo
alle correnti artistiche del passato: <b><i>Lontano</i></b> ha i colori delle serigrafie di
Warhol e la matericità dei fauvisti più incisivi; <b><i>Diva</i></b> riprende nelle forme e
nelle armonie cromatiche Kandinskij ma con connotazioni molto più naif e
simboliche; <b><i>Mood of the day </i></b>riprende non di rado i colori e le linee spezzate che
riecheggiano gli Espressionisti tedeschi così come i Futuristi italiani, in un
equilibrio sottile di gioia e tristezza, colori vivi e colori cupi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ciPhrl0QG0ibX9wEuRR3JQLfGhK3rB5z4XIvqx0duypnL3c3MIM9Rj9OcCYYhOwIFkx8oksjMHsFJQNd51OMtr701GLhgCYCGoJlGqTQGAkM-GkydIPIUAQttrdNGoOCeRYLgeh1pWU/s1600/DIVA+collezione+privata+acrilico+su+tela+40x50+2016.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="254" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ciPhrl0QG0ibX9wEuRR3JQLfGhK3rB5z4XIvqx0duypnL3c3MIM9Rj9OcCYYhOwIFkx8oksjMHsFJQNd51OMtr701GLhgCYCGoJlGqTQGAkM-GkydIPIUAQttrdNGoOCeRYLgeh1pWU/s320/DIVA+collezione+privata+acrilico+su+tela+40x50+2016.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Amos, Diva, 2016, olio su tela,<br />Collezione Privata, Milano. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZAidSdPgOD0F-XPULKGaNoleW-5-GZnzRlUdHn_JmsQaEDHmoMAgA9xJlZoMDiAGsa49qKYRgTmlYaWo_1kEyEotXIMHd3zjsM2LgNCY5PNGi6pUynSuO-Bdty874W7bQbk3I2Ole_Ic/s1600/Lontano.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZAidSdPgOD0F-XPULKGaNoleW-5-GZnzRlUdHn_JmsQaEDHmoMAgA9xJlZoMDiAGsa49qKYRgTmlYaWo_1kEyEotXIMHd3zjsM2LgNCY5PNGi6pUynSuO-Bdty874W7bQbk3I2Ole_Ic/s200/Lontano.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">E. Amos,Lontano, 2015, olio su tela,<br />Collezione privata, Milano.</span></td></tr>
</tbody></table>
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<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7EMrPE7fXQMRQa7tc4n_SaEVsNWLgpyZ_dvTmKqnZHytu-Vo1TtQCEDxTYmtPKJ0YEUvy7HdDJUdvSqmGMRERf2o1Noe0mhEKu0AAS6aeOIOP0m7wi81gzowaIrfJNnHi5b9av1nLdcc/s1600/mood+of+day+25x25+olio+su+tela.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7EMrPE7fXQMRQa7tc4n_SaEVsNWLgpyZ_dvTmKqnZHytu-Vo1TtQCEDxTYmtPKJ0YEUvy7HdDJUdvSqmGMRERf2o1Noe0mhEKu0AAS6aeOIOP0m7wi81gzowaIrfJNnHi5b9av1nLdcc/s320/mood+of+day+25x25+olio+su+tela.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"><span style="font-size: 12.8px;">E. Amos, Mood of the Day,<br /> 2015, </span></span></span><span style="font-size: 12.8px;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio su tela, Collezione Privata, Milano</span></span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZBZMjGGVPg1w3PcoWxr_wvwvefnzXwl0fvt79KiC-RYGzWCmBpr7BRAB5pIQwPuPq0YOXA-I0_2TvhQdrUg7Xr8a45b_nM3LnzfdMa-b8zWX2483at2q0KHKYW3RYDRnI59gOe519eNM/s1600/ritratto+d%2527amore+25x35.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZBZMjGGVPg1w3PcoWxr_wvwvefnzXwl0fvt79KiC-RYGzWCmBpr7BRAB5pIQwPuPq0YOXA-I0_2TvhQdrUg7Xr8a45b_nM3LnzfdMa-b8zWX2483at2q0KHKYW3RYDRnI59gOe519eNM/s320/ritratto+d%2527amore+25x35.jpg" width="244" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Amos, Ritratto d'amore, 2015, olio su tela,<br />Collezione Privata, Milano.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Per saperne di più di
lei vi allego i suoi contatti social, invitandovi a considerare questa ragazza
che, dalla fredda Russia, è giunta in Italia con un forte desiderio di rivalsa,
portando con sè tutta la sua bravura e il suo talento:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pagina Facebook: <a href="https://www.facebook.com/fineartevaamos/">https://www.facebook.com/fineartevaamos/</a><o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Instagram: <a href="https://www.instagram.com/eva_amos/">https://www.instagram.com/eva_amos/</a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyBul-CZ8p6IYURVwAgqK0Vef3vnUI4g4wsFbEERUTfhURv5mmjpmQzUF5pv6X6Y1AavhL0ZexhMFr0UWa7XWqr3ngxjRlQ0R90XNwi7t-LSO7l0PRuSBOJHk8mu6VVmq_HCihqzkIpms/s1600/eva+amos++cc.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyBul-CZ8p6IYURVwAgqK0Vef3vnUI4g4wsFbEERUTfhURv5mmjpmQzUF5pv6X6Y1AavhL0ZexhMFr0UWa7XWqr3ngxjRlQ0R90XNwi7t-LSO7l0PRuSBOJHk8mu6VVmq_HCihqzkIpms/s640/eva+amos++cc.jpg" width="526" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Amos, Pensieri e mela, olio, 2015, cioccolato e caffè su tela,<br />Collezione Privata, Milano. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-86876141697726672502016-04-30T08:39:00.000-07:002016-04-30T08:39:11.742-07:00Il Castello di Bracciano, tra Orsini ed Odescalchi <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A poche decine di chilometri da Roma, verso nord, sul Lago di Bracciano si affaccia l’omonima
cittadina celebre per essere una delle roccaforti delle nobili famiglie degli
Orsini e degli Odescalchi, entrambe detentrici del titolo nobiliare di duchi di
Bracciano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Svettante sul colle
più alto, si erge quello che è il monumento più caratteristico e importante di
<b>Bracciano</b>, il castello, un vero e proprio esempio di edificio medievale atto alla
vita di corte dei Signori e alla preparazione dell’esercito nell’armeria,
costruito tra il 1470 ed il 1485 per volere di <b>Napoleone Orsini</b> prima e a
seguire di suo figlio <b>Gentil Virginio</b>, su progetto di <b>Francesco di Giorgio
Martini</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Castello che dal 1952
è adibito a polo museale e aperto al pubblico per volere di <b>Livio IV
Odescalchi</b>, - previo ingresso a pagamento, - e altresì anche adibito a location
per matrimoni e ricevimenti.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3G5RiYWoWtFXJt3b6B3yFuYttamNaXcgE-0Jhyphenhyphengr1oz2pJShK87PkMirc1ZqSlNlxs1fNT8EYK4KYMjviZyvU_YsVlbi3AwKHmRDnwdj4lbi8YyLT9fsTChwa2bqWMytq4Cm-mtDZmEc/s1600/Castello+di+Bracciano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3G5RiYWoWtFXJt3b6B3yFuYttamNaXcgE-0Jhyphenhyphengr1oz2pJShK87PkMirc1ZqSlNlxs1fNT8EYK4KYMjviZyvU_YsVlbi3AwKHmRDnwdj4lbi8YyLT9fsTChwa2bqWMytq4Cm-mtDZmEc/s640/Castello+di+Bracciano.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Castello Odescalchi a Bracciano </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJVosGn85sK4IBf43BjIq26qgAB4VdXgivcxDvy9NtShpqtG3Z63jYcm4CqKE8z6KqDPPzD2kyJbWD1O7i0Ib3QpRNYKtONkrU593MAoPuWwvuZBJI7mMJypLgvFgeB8dTcWHGSTE0qAM/s1600/Lago+di+Bracciano+-+Bracciano+-+Castello+Odescalchi+-+interno.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJVosGn85sK4IBf43BjIq26qgAB4VdXgivcxDvy9NtShpqtG3Z63jYcm4CqKE8z6KqDPPzD2kyJbWD1O7i0Ib3QpRNYKtONkrU593MAoPuWwvuZBJI7mMJypLgvFgeB8dTcWHGSTE0qAM/s320/Lago+di+Bracciano+-+Bracciano+-+Castello+Odescalchi+-+interno.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Le armerie, Castello Odescalchi, Bracciano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Visitare il <b>Castello
Odescalchi</b> (la struttura prende il nome dalla famiglia che l’acquisì dagli
Orsini nel XVII secolo) è una vera e propria esperienza extrasensoriale, perché
permette un’autentica full immersion nella vita di corte che fu degli Orsini:
già nelle <b><i>armerie</i></b> si può percepire quella che era l’adunanza alle armi durante
i periodi di guerra. Per quanto infatti le stanze si presentino spoglie di ogni
arredamento, la sensazione di vivere la storia bellica della famiglia è
percepibile, attraverso lo svolgimento delle murature in orizzontale che aprono
a vasti spazi, adibiti per l’appunto all’adunanza delle truppe. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxRj6VtORkH4lCkGDAWg9VlrDwrGmm_X4EcXPJu_0xFRLbSFvoi-PJE-vSiMA9JW4CEv0n7oW0pPcC1q86jRuOF4CQCY6tAghLyEPq4QLm28Hdm_YjR3JGJM4-6yxPgxPWhmg1HLT8kLs/s1600/sala+papalina.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxRj6VtORkH4lCkGDAWg9VlrDwrGmm_X4EcXPJu_0xFRLbSFvoi-PJE-vSiMA9JW4CEv0n7oW0pPcC1q86jRuOF4CQCY6tAghLyEPq4QLm28Hdm_YjR3JGJM4-6yxPgxPWhmg1HLT8kLs/s320/sala+papalina.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala Papalina, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma è nelle stanze del
castello dove si svolgeva la vita di corte che si vive tutta la magia degli
anni di splendore degli Orsini, famiglia potentemente ammanicata con papi e
cardinali, tanto da averne esponenti essa per prima: Niccolò III (papa dal 1277
al 1280) e Benedetto XIII (papa dal 1724 al 1730). Nella prima sala che si
percorre durante il tour museale infatti, è ben visibile la potenza di questa
nobile famiglia, poiché in quella sala fu ospitato Papa Sisto IV Della Rovere,
in fuga dalla Peste che stava mietendo vittime nella capitale (motivo per cui
si chiama <b><i>“Sala Papalina”</i></b>). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La sala in seguito fu
adibita a biblioteca del palazzo (ancor oggi all’interno di grandi biblioteche
in legno con ante vitree sono custoditi manuali e libri molto preziosi) e
presenta sul soffitto un ciclo di affreschi riproducenti l’<b><i>Oroscopo delle
nozze</i></b>, dipinti dai fratelli <b>Taddeo</b> e <b>Federico Zuccari</b> nel 1560, per celebrare
il matrimonio tra <b>Paolo Giordano Orsini</b> e <b>Isabella de’ Medici</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh59tm90RFAWI0Pv4d9KJ-aBRN-Zu31NBkSLHSIMKJeOw3NDUeXgMFyPWOsO4JNvm3bGjLPJZlXXfvgwDyM2n4NiMQRlueWtLzjXL9HPyZ6Vp_4ty0M-AaQCo2MDEJdD0st60y4aAQ1vUo/s1600/ceramiche-odescalchi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh59tm90RFAWI0Pv4d9KJ-aBRN-Zu31NBkSLHSIMKJeOw3NDUeXgMFyPWOsO4JNvm3bGjLPJZlXXfvgwDyM2n4NiMQRlueWtLzjXL9HPyZ6Vp_4ty0M-AaQCo2MDEJdD0st60y4aAQ1vUo/s640/ceramiche-odescalchi.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">F. e T. Zuccari,
L’oroscopo delle nozze, 1560,
affresco, Castello Odescalchi, Bracciano.</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-align: justify;"> </span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzGrAkrx7_BLT1oDQr-K5auROf9h7jUS5GsXuyDLYKfdVzpJtLWNUAIuF1tq7jcS6C7OHrcW7oO4pwpSCZ-xagCKSYr218mQxSh8_I9hupNH9rvWa9GZszofbj0ieX6J5dMk7EtHI4fB4/s1600/odescalchi-bracciano-sala+umberto+I.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzGrAkrx7_BLT1oDQr-K5auROf9h7jUS5GsXuyDLYKfdVzpJtLWNUAIuF1tq7jcS6C7OHrcW7oO4pwpSCZ-xagCKSYr218mQxSh8_I9hupNH9rvWa9GZszofbj0ieX6J5dMk7EtHI4fB4/s320/odescalchi-bracciano-sala+umberto+I.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala Umberto I, Castello Odescalchi, Bracciano</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Seguendo lo stesso
motivo, anche la seconda sala, la <i><b>“Sala Umberto I”</b></i> prende nome dall’importante
personaggio storico che vi fu ospitato, il re d’Italia Umberto I, in visita nel
1900 al figliolo Vittorio Emanuele III impegnato in un addestramento militare
nelle zone circostanti: la sala presenta un interessantissimo soffitto a
cassettoni affrescato dalla bottega di <b>Antoniazzo Romano</b> (braccianese di
origine) e un arredamento molto elaborato probabilmente riconducibile al
XVI-XVII secolo, in legno colorato d’azzurro con intarsi dorati. Sul caminetto invece, un ritratto di Colbert, politico ed economo del XVII secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje6RihvPhutw5XXrpo7uWwx-tAqgE4S0YoX5svb7hOUc1BpXAwG8YjZDHhUmpcyA53bl0adUsL9fxhPKhNEL8BCiNxuErvGV4xEObL6x2ehP_ueuNAC_bTj7tKxjedMOoYYVhYI45laWU/s1600/sala+del+trittico.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje6RihvPhutw5XXrpo7uWwx-tAqgE4S0YoX5svb7hOUc1BpXAwG8YjZDHhUmpcyA53bl0adUsL9fxhPKhNEL8BCiNxuErvGV4xEObL6x2ehP_ueuNAC_bTj7tKxjedMOoYYVhYI45laWU/s320/sala+del+trittico.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala del Trittico, Castello Odescalchi, Bracciano </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A seguire la <b><i>“Sala del
Trittico”</i></b>, così chiamata perché ospita un meraviglioso trittico composto da una
pala del XVI secolo e due ante d’organo probabilmente asseribili ad Antoniazzo
Romano. Le due tavole raffigurano una emozionante <i><b>Annunciazione della Vergine</b></i>:
nella prima è raffigurato l’Arcangelo Gabriele di profilo intento a portare la
buona novella alla Madonna, che, nell’altro pannello, è intenta a leggere le
sacre scritture. Nella pala centrale invece si manifesta la <b><i>Crocifissione di
Cristo</i></b>, che presenta una non poco curiosa personificazione degli astri. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0FoYXweKJmMQES2zTT23hlWWeTsgYDyxcHTU0cCeg8NB1cJfx0F0fe1HCCU-_JfWx28EJSRkr75U4YI-WSrh-6GebMa8c4z0YvTjFbP6ApLeBHrPqk7btlIGhPOp3vGrOHfJfruOQmng/s1600/ante+organo+antoniazzo+romano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="548" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0FoYXweKJmMQES2zTT23hlWWeTsgYDyxcHTU0cCeg8NB1cJfx0F0fe1HCCU-_JfWx28EJSRkr75U4YI-WSrh-6GebMa8c4z0YvTjFbP6ApLeBHrPqk7btlIGhPOp3vGrOHfJfruOQmng/s640/ante+organo+antoniazzo+romano.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Antoniazzo Romano (attr.), Annunciazione, fine XV sec., olio su tavola, Castello Odescalchi, Bracciano </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJDpKKqTVWAQh1l-rH9HfSsYmgFBGsCW_KC7i-Pawit8I1AVM7CWgxD7Rt0E4nPYl-NyDTsogN2HneiYf8EsvAD_fCA6pzWuJnI-oO8Wnq4tpRW_FHG-WWjU2IZVNV_13O4C5ALRHffd0/s1600/cristina+di+svezia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJDpKKqTVWAQh1l-rH9HfSsYmgFBGsCW_KC7i-Pawit8I1AVM7CWgxD7Rt0E4nPYl-NyDTsogN2HneiYf8EsvAD_fCA6pzWuJnI-oO8Wnq4tpRW_FHG-WWjU2IZVNV_13O4C5ALRHffd0/s320/cristina+di+svezia.jpg" width="156" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="background-color: black; color: white;">Anonimo, Cristina di Svezia, <br />1640, olio su tela,
<br />Castello Odescalchi, Bracciano</span>.</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Proseguendo ci si
imbatte nella bellissima <b><i>“Sala del Pisanello”</i></b>, chiamata erroneamente così per
via dell’errata produzione del fregio del soffitto al noto pittore, per quanto
lo stile pittorico non sia molto dissimile. Il fregio raffigura scene di vita
quotidiana vissute dalla donna e ricorda non poco i cicli pittorici dei
castelli del nord Italia (vedasi ad esempio <i>Il ciclo dei mesi</i> nel Castello del
Buon Consiglio di Trento): cosa caratteristica tuttavia è l’associazione delle
figure femminili a nomi di personaggi mitologici e biblici. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dal punto di vista
dell’arredamento e delle collezioni della famiglia Orsini, interessante è
quella delle ceramiche, che si sviluppa all’interno di teche vitree lungo le
murature della stanza: sono ammirabili vasi da farmacia, piatti e bicchieri e
ogni sorta di particolare ceramica dipinta tra XV e XVIII secolo. Alle pareti
invece sono affissi diversi ritratti, tra cui spiccano per bellezza e interesse
storico quello di <i><b>Innocenzo XI </b></i><b><i>Odescalchi</i></b> e quello di <b><i>Cristina di Svezia </i></b></span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.4px;">in un meraviglioso abito regale</span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">, che visse in Italia dopo aver rinunciato al trono abdicando in favore del cugino Carlo X, e aver accolto la religione cattolica.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtkMoGVdzk1xMeOtBCflx_A2sjewF12ul2fr81x1axRQsfZAZhSewbk1Dtgp51PFJjgp5_RgEP9XfOz_BtIM7nNZ8DKox0qZrcrUVd5EIdX-ecA1rw2L-mfMhDWZrXZ4f_ExwKb3sLA5k/s1600/sala+del+pisanello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtkMoGVdzk1xMeOtBCflx_A2sjewF12ul2fr81x1axRQsfZAZhSewbk1Dtgp51PFJjgp5_RgEP9XfOz_BtIM7nNZ8DKox0qZrcrUVd5EIdX-ecA1rw2L-mfMhDWZrXZ4f_ExwKb3sLA5k/s640/sala+del+pisanello.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala di Pisanello, Castello Odescalchi, Bracciano </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzsQC8ByxjthNZlD85SkKAVE1xLZZO-1NlSNzbNP_WaJwY0Ld2DJ0iDDKMYhE3Di7oVuLin3cUJE8Wi9VnRfO23k4dGnyUwZvYBCzUfE-0QuBvoK5QCsG6hV82wnJLPJ7Ry1ifTQCOW7Y/s1600/castello-odescalchi-sala+dei+cesari.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzsQC8ByxjthNZlD85SkKAVE1xLZZO-1NlSNzbNP_WaJwY0Ld2DJ0iDDKMYhE3Di7oVuLin3cUJE8Wi9VnRfO23k4dGnyUwZvYBCzUfE-0QuBvoK5QCsG6hV82wnJLPJ7Ry1ifTQCOW7Y/s320/castello-odescalchi-sala+dei+cesari.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala dei Cesari, Castello Odescalchi, Bracciano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ancora la <b><i>“Sala dei
Cesari”</i></b>, che ospita ad onor del nome che porta, alcuni busti </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.4px;">dei più importanti imperatori romani, </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">in marmo bianco
peperino, databili al XVII secolo, (approfitto di questi, per estendere la critica a tutto il contesto: non sarebbe
male se i curatori pensassero a fornire ogni opera di un talloncino
illustrativo) e dal 1960, l’affresco di Antoniazzo Romano, staccato da un arco
del cortile, raffigurante due imprese di <b>Gentil Virginio Orsini</b>: <b><i>la cavalcata a
capo dell’esercito aragonese verso Bracciano</i></b> – svettante fiero sul suo cavallo
bianco – e <b><i>l’incontro con Piero de’ Medici</i></b> davanti ad una favolosa struttura
architettonica in prospettiva centrale tipica rinascimentale.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8De06HUipB_V9NkcFYc7X_Ti2h_ajC0K0SAqH5HzLgVbIH8vzCk2k-qH1u3c05WzyohqRcnzjkPmcUFhf9PzOEybos5-Cn4nlPAdR_GSfzI4Nk1ES9JyhdcQlqjo9226A1h9B_pLnSFQ/s1600/affresco-antoniazzo-romano_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8De06HUipB_V9NkcFYc7X_Ti2h_ajC0K0SAqH5HzLgVbIH8vzCk2k-qH1u3c05WzyohqRcnzjkPmcUFhf9PzOEybos5-Cn4nlPAdR_GSfzI4Nk1ES9JyhdcQlqjo9226A1h9B_pLnSFQ/s640/affresco-antoniazzo-romano_.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Antoniazzo Romano, Imprese di Gentil Virginio Orsini, fine XV secolo, <br />affresco staccato su tavola, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgVYqiqA7dw9rrJgQAr-7ywPTvO5eghsRMfsWp52ZOxkVPjFzaHmIzB9iHkvToBUfUENK-69qXlyPrW8U5mnO4fZ1vcE0BMS1SjAompa5cLlyNtvXuXyfgAY4UZDqEz-eFv2dd6LgKgMU/s1600/castello-di-bracciano-22-728.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgVYqiqA7dw9rrJgQAr-7ywPTvO5eghsRMfsWp52ZOxkVPjFzaHmIzB9iHkvToBUfUENK-69qXlyPrW8U5mnO4fZ1vcE0BMS1SjAompa5cLlyNtvXuXyfgAY4UZDqEz-eFv2dd6LgKgMU/s320/castello-di-bracciano-22-728.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala degli Orsini, Castello Odescalchi, Bracciano.</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Proseguendo, la <b><i>“Sala
degli Orsini”</i></b>, poiché qui vi erano appesi tra i più importanti ritratti della
casata. Di questi ancor oggi rimangono i due importantissimi ritratti
raffiguranti la celeberrima coppia di sposi Paolo Giordano Orsini e Isabella De’
Medici, divisi dallo stemma incorniciato della famiglia, nelle quali arme predominano
nella parte inferiore bandature argentee e rosse, e in quella superiore una
rosa canina rossa dai cinque petali su sfondo argenteo. A dividere le due arme,
una banda dorata nel quale si sviluppa un’anguilla, che riconduce ai
possedimenti della vicina Anguillara.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Questa ci introduce
direttamente alla caratteristica <b><i>“Sala di Isabella”</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Così chiamata perché
per l’appunto, questa era la stanza in cui la nobildonna dormiva, nel
meraviglioso letto a baldacchino dorato e azzurro in stile veneziano del XVI
secolo, sotto una volta affrescata dalla scuola di Antoniazzo Romano sui cui
fregi, putti sorreggono festoni e ghirlande.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzP8z6wLMQO9dKaoxJ57BjpPTFJhmE4zm51dJtbztEGEIdBNVe4bb2mQdGaj9SI6y6myRv_f-MuLKDrNrTeEc96VR-ZfzDIgwTyMwTyBj8UkoF45SizjDU5kh_kwYBB-T7-zokhSCaGyY/s1600/sala+di+isabella.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzP8z6wLMQO9dKaoxJ57BjpPTFJhmE4zm51dJtbztEGEIdBNVe4bb2mQdGaj9SI6y6myRv_f-MuLKDrNrTeEc96VR-ZfzDIgwTyMwTyBj8UkoF45SizjDU5kh_kwYBB-T7-zokhSCaGyY/s640/sala+di+isabella.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala di Isabella, Castello Odescalchi, Bracciano </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZy8qVlseEoMlb4r_BVOZpsr5l5xFxMl2dzbyCbGyQTXUku428-4jox0fpq8d9KKXOxDQBzi7pTPumdLezzUlL2Ga3XQj20QKjQnuKXybflhkRweBHZTpVD6b1h239iU7vrzr90DZC3qY/s1600/Castello-sala-armi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="193" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZy8qVlseEoMlb4r_BVOZpsr5l5xFxMl2dzbyCbGyQTXUku428-4jox0fpq8d9KKXOxDQBzi7pTPumdLezzUlL2Ga3XQj20QKjQnuKXybflhkRweBHZTpVD6b1h239iU7vrzr90DZC3qY/s320/Castello-sala-armi.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala delle armi, Castello Odescalchi, Bracciano.</span> </td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel piano superiore si
sviluppano in massima parte le collezioni di mobili e di armi degli Odescalchi,
nelle sale che prendono il nome dalla collezione specifica o dalla riconduzione
mitologica degli affreschi. Così è per la <b><i>“Sala delle armi”</i></b>, - ricavata
soppalcando la Sala dei Cesari – in cui, sotto un fregio affrescato con le
<b><i>Storie di Uomini e Donne illustri </i></b>(dove gli uomini sono ritratti entro clipei e
le donne raffigurate a figura intera in pannelli rettangolari), prendono luogo le
collezioni di armi e armature del XV – XVII sec., appartenenti agli Odescalchi.
Tra questi spicca una meravigliosa <b><i>armatura equestre da torneo di scuola
milanese del XV sec</i></b>. e <b><i>due armature di fabbrica tedesca del XVI secolo</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E stessa
considerazione va fatta per la <b><i>“Sala di Ercole”</i></b>, affrescata con storie
mitologiche inneggianti all’eroe greco. Al suo interno continua la collezione
delle armi Odescalchi, in particolare quella iniziata da <b>Ladislao</b> e ultimata da
<b>Innocenzo</b> allo scoppio della I Guerra Mondiale: riguarda in massima parte
cannoni, fucili e armi da sparo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifvmSrc5GGiopDjqWDpxDtempc9KUdkWk-PNHrnx5iWzfMXb4QU0WYk2efdml5a3ACfpXEnOuC8jfNbmDnQNoS6f8GBHiHnoPMi1GAhpHZQV2ZUeYrCHTaiARyW0yE4PGMDgNlnG87t7Y/s1600/sala+di+ercole.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifvmSrc5GGiopDjqWDpxDtempc9KUdkWk-PNHrnx5iWzfMXb4QU0WYk2efdml5a3ACfpXEnOuC8jfNbmDnQNoS6f8GBHiHnoPMi1GAhpHZQV2ZUeYrCHTaiARyW0yE4PGMDgNlnG87t7Y/s640/sala+di+ercole.JPG" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala di Ercole, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b><i>Il ciclo di affreschi
inneggiante alle Scienze e alle Arti</i></b>, dà il nome alla <b><i>“Sala delle Scienze”</i></b>, nel
cui fregio prendono luogo le riproduzioni dei <i>“Tarocchi di Mantegna”</i> all’interno
di pannelli racchiusi da edicole gotiche, probabilmente dipinto dagli allievi
di Antoniazzo Romano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pregiatissima, nell’arredo
della stanza, è la <b><i>Vesperbild</i></b> di scuola tedesca, probabilmente asseribile al XIV-XV
secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtDwJ3NWOF4e8jpqWj8w3Wl1YsUpqFzOJYGpq5Q3gUknHg-GYYNhrhw_a0wd4ZgBo2Z55-gjTpjSfwj-LIsZZKrd2MACoNCJCuv_l4dBpfUcE2hqJ3qdEk16YuFXVxNm0DOKHGu7MAPno/s1600/vesperbild+e+affresco+con+pianeti+e+scienze.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="230" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtDwJ3NWOF4e8jpqWj8w3Wl1YsUpqFzOJYGpq5Q3gUknHg-GYYNhrhw_a0wd4ZgBo2Z55-gjTpjSfwj-LIsZZKrd2MACoNCJCuv_l4dBpfUcE2hqJ3qdEk16YuFXVxNm0DOKHGu7MAPno/s320/vesperbild+e+affresco+con+pianeti+e+scienze.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala delle Scienze, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkYA0EHqF4C0atlR6GiiHgHgx00c39Tb6TL7wAk3c2YrUTA56ifcq0H0OyDxRkm-5JKpNUOm5Fadjy6IFKaQJ_K6PfFeBgWVpkEl9Yje4mglwooBP79oIVUJEziDOMYsxDiG2ZNNgZrU/s1600/vesperbild.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkYA0EHqF4C0atlR6GiiHgHgx00c39Tb6TL7wAk3c2YrUTA56ifcq0H0OyDxRkm-5JKpNUOm5Fadjy6IFKaQJ_K6PfFeBgWVpkEl9Yje4mglwooBP79oIVUJEziDOMYsxDiG2ZNNgZrU/s320/vesperbild.jpg" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Anonimo, Vesperbild, XIV-XV secolo, <br />legno, Castello Odescalchi, Bracciano </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiONJEWDLO5BEXtjGL7YanAxEpNySBRxKcSH6M-q8rSR-AywC6Q5mOjxoXCOBAR9IeIXEb6STh79mACa-qVdp1i0uKwotMht2ix3YCNOcGroaxJYvfrYlzcQdh5tB0OKfW5nVQGBfiBKsw/s1600/letto+siciliano.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiONJEWDLO5BEXtjGL7YanAxEpNySBRxKcSH6M-q8rSR-AywC6Q5mOjxoXCOBAR9IeIXEb6STh79mACa-qVdp1i0uKwotMht2ix3YCNOcGroaxJYvfrYlzcQdh5tB0OKfW5nVQGBfiBKsw/s320/letto+siciliano.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Sala del letto siciliano, Castello Odescalchi, Bracciano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’arredamento
particolare dà il nome a diverse sale, come la <b><i>“Sala del bobolaccio”</i></b>, che
prende il nome dal baule di viaggio in cuoi con intarsi dorati, sito nella
stanza, la <b><i>“Sala del letto siciliano”</i></b> che presenta un sontuoso e meraviglioso
esempio di letto in ferro battuto di scuola siciliana del XVIII secolo; e
ancora la <b><i>“Sala Gotica”</i></b>, che presenta un arredamento in stile neogotico, desiderato
da <b>Baldassarre Odescalchi</b>, grande estimatore del nuovo stile sviluppatosi in
Europa nel XIX secolo, tanto da volerne alcuni mobili per il suo castello.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGg_b-KtWSEs-2hCev_RITKK5E2fkZfiG564CLKGVcVyJmrVvhntlkRz_tw7Ee519h97tS6lKcV4os64059QHa7lN0OML-DIYSDojWfwrBOmyCvKo3fsbS0R-T3WhAphQqDri-xT7s-Co/s1600/Sala+del+bobolaccio.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGg_b-KtWSEs-2hCev_RITKK5E2fkZfiG564CLKGVcVyJmrVvhntlkRz_tw7Ee519h97tS6lKcV4os64059QHa7lN0OML-DIYSDojWfwrBOmyCvKo3fsbS0R-T3WhAphQqDri-xT7s-Co/s640/Sala+del+bobolaccio.JPG" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala del Bobolaccio, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNnm5x106wu7AAKkrlNR_kuJLsklj5T-DbWLyHkdhMvUCmaWOd7ywlflGNX_muksf0NLrrVRmGLGxgCeS-sdwFJpBTr_L4fB-UcJ2FA-obBh7ZBrRTL6RHHLvDwSTmXg_zy-yEtC_fc6U/s1600/Castello+Odescalchi+sala+gotica.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNnm5x106wu7AAKkrlNR_kuJLsklj5T-DbWLyHkdhMvUCmaWOd7ywlflGNX_muksf0NLrrVRmGLGxgCeS-sdwFJpBTr_L4fB-UcJ2FA-obBh7ZBrRTL6RHHLvDwSTmXg_zy-yEtC_fc6U/s320/Castello+Odescalchi+sala+gotica.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Sala Gotica, Castello Odescalchi, Bracciano. </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A concludere l’affascinante
tour, piccola menzione speciale merita la leggenda che aleggia attorno alla
figura della Signora del Castello, Isabella de’ Medici, vista come una sorta di
mantide religiosa dei suoi tempi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fonti storiche e
dicerie, raccontano infatti che la sposa di Paolo Giordano, insoddisfatta e
infelice del rapporto matrimoniale con suo marito, adescasse i suoi amanti per
passare con loro focose nottate d’amore nella sua stanza – chiamata anche <b><i>“Sala
Rossa”</i></b> - e, una volta che questi avevano adempiuto al compito, li trascinasse
verso una porticina che dava ad un piccolo fosso trincerato di lame, dove
questi trovavano la morte in modo cruento, dilaniati dal dolore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tanto che Paolo
Giordano Orsini, esasperato dai suoi continui tradimenti, arrivò ad ucciderla
nella villa di Cerreto Guidi a Firenze. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una leggenda questa,
però, che a distanza di secoli è stata smentita categoricamente da <b>Elisabetta
Mori</b>, ricercatrice e studiosa di Isabella De’ Medici, che attraverso
documentazioni e lettere d’amore è arrivata a poter affermare che la donna morì
a soli 34 anni per un’infezione alle vie urinarie, intestinali e biliari e non
per soffocamento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una donna che, stando
alle lettere pubblicate, amava svisceratamente suo marito e in altrettanto modo
fu amata, tanto che questo ne soffrì della sua morte in modo indescrivibile.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Una rivelazione che a
distanza di quattro secoli ha riconsegnato alla figure di Isabella De’ Medici e
Paolo Giordano l’amore che avevano effettivamente vissuto durante il loro
matrimonio. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-pu5qwEbdmaEWQaqRp05rwE_sA21W61CWa8a5DU5TjUg9eE2WhLQJM-0YsDOkGXhMkYcmy7H0fJiEHhuE3OsxV8JNcgciswwmJG-iOOemXAOQZQXwUQsIo3606ZB2n5ppMS8SpYepSZw/s1600/paolo+giordano+orsini+ritratto.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-pu5qwEbdmaEWQaqRp05rwE_sA21W61CWa8a5DU5TjUg9eE2WhLQJM-0YsDOkGXhMkYcmy7H0fJiEHhuE3OsxV8JNcgciswwmJG-iOOemXAOQZQXwUQsIo3606ZB2n5ppMS8SpYepSZw/s320/paolo+giordano+orsini+ritratto.jpg" width="252" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">Anonimo, Ritratto di Paolo Giordano Orsini,</span><br style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;" /><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8px;">1560, olio su tela, Castello Odescalchi, Bracciano<br /></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbf084A9v9aMnd1WuZUQtsHrBwnkEqIExJ166T6YkDsQDvoQyYss9NiZf1PSKv3z93d-3_OW2E1CLkHbToTRY_WNgtEnPFaaJYhdB8RddBl-Lc7t4hUHNMgntrQtkkvsjRLVoA2BYWCdI/s1600/isabella+de%2527+medici+ritratto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbf084A9v9aMnd1WuZUQtsHrBwnkEqIExJ166T6YkDsQDvoQyYss9NiZf1PSKv3z93d-3_OW2E1CLkHbToTRY_WNgtEnPFaaJYhdB8RddBl-Lc7t4hUHNMgntrQtkkvsjRLVoA2BYWCdI/s320/isabella+de%2527+medici+ritratto.jpg" width="249" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="font-size: medium; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 18.4px;"> <span style="background-color: black; color: white;"> </span></span><span style="background-color: black; font-size: 10pt;"><span style="color: white;">Anonimo, Ritratto di Isabella De'
Medici.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt;"><span style="color: white;"> 1560, olio su
tela, Castello Odescalchi, Bracciano.</span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-82385343423543302852015-09-07T03:24:00.000-07:002015-09-07T03:24:51.903-07:00Wilhelm Von Gloeden. La perfezione statuaria della gens di Taormina <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtbBW1e5rKuDV06tugkWlX2FyAtqu3gXW-QEAV9spFGmmEQ6lG0cu9mnyVUz_oKfJiCXvs_IR1SH_bi3r9epJMPZt9s8mO8I3EuexEgRXOQv7BIRo5NcmckBVhBJ5vi2hVZUGGF7c-hKU/s1600/Gloeden+nel+1891.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtbBW1e5rKuDV06tugkWlX2FyAtqu3gXW-QEAV9spFGmmEQ6lG0cu9mnyVUz_oKfJiCXvs_IR1SH_bi3r9epJMPZt9s8mO8I3EuexEgRXOQv7BIRo5NcmckBVhBJ5vi2hVZUGGF7c-hKU/s400/Gloeden+nel+1891.jpg" width="283" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Ritratto di Wilhelm Von Gloeden nel 1891</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sulla scia dei
fotografi che ho trovato interessanti nella lettura del catalogo della
Collezione Gruber del Ludwig Museum di Colonia (il Taschen Fotografia del XX
secolo), ha destato particolarmente curiosità in me, un fotografo tedesco di
nobili origini, vissuto a cavallo tra ‘800 e ‘900, conosciuto soprattutto per
la sua vocazione al nudo maschile e per la fortuna e allo stesso tempo
disgrazia critica che hanno riguardato i suoi scatti nel corso del tempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il fotografo in questione
è <b>Wilhelm Von Gloeden</b>, il cui vissuto è strettamente correlato al suo percorso
artistico, avendo questo abitato in Italia, per la precisione a Taormina, per
quasi tutta la sua vita: un luogo fortunato per l’artista perché perfetto per
le ambientazioni storiche delle sue fotografie nonché dal punto di vista
antropologico per la tipologia dei modelli adoperati nei suoi scatti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nato a Wismar, nell’estremo
nord della Germania, il 16 settembre 1856, figlio di nobili del luogo, il
giovane Wilhelm crebbe sin da subito seguendo i precetti che confacevano ad un
esponente della nobiltà tedesca, tanto da laurearsi in Storia dell’Arte presso
l’Università di Rostock, per poi specializzarsi in pittura presso la scuola d’arte
di Weimar nel 1877. Un nuovo interesse, quello per la storia dell’arte e per la
pittura, che sicuramente si andava attecchendo già da qualche decennio
addietro, alimentato dalle sempre più nuove scoperte in campo archeologico e
dagli studi più dettagliati verso le personalità artistiche dei secoli
addietro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quindi anche Von
Gloeden si dedicò al mondo storico artistico dal punto di vista formativo, un
mondo che non abbandonò mai anche quando, in seguito al suo trasferimento a
Taormina per motivi di salute – probabilmente una forma atipica di tubercolosi,
- a partire dal 1878 decise di dedicare le sue attenzioni alla fotografia,
inizialmente vedendolo come un passatempo (non pochi nobili se ne interessarono
in quel periodo, d’altronde le macchine fotografiche non erano accessibili a
tutti dato il costo elevato del marchingegno), poi addirittura facendolo
diventare la sua prima fonte redditizia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBaCflH1iPW83mqzioriO8bfmf6mhyphenhyphen4qHJiMOQdCBPDugOFukOJNNOZmWA6AIY5mRfwH-2px3N0ETMHCCGvBX9hV16x2UTVKi2JhvYkYkUejyU6Z-O7JWV6G3k7m8LsUzhwio1FbIIWXo/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._137_grande_formato_-_Chiostro_San_Giovanni_degli_Eremiti_a_Palermo_-_da_-_Amore_ed_arte%252C_pp._140-141.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBaCflH1iPW83mqzioriO8bfmf6mhyphenhyphen4qHJiMOQdCBPDugOFukOJNNOZmWA6AIY5mRfwH-2px3N0ETMHCCGvBX9hV16x2UTVKi2JhvYkYkUejyU6Z-O7JWV6G3k7m8LsUzhwio1FbIIWXo/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._137_grande_formato_-_Chiostro_San_Giovanni_degli_Eremiti_a_Palermo_-_da_-_Amore_ed_arte%252C_pp._140-141.jpg" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, San Giovanni degli Eremiti,
<br />1890, fotografia, Palermo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdi-ooQB6plhJQ2Zsnt_oBzOikutHKWzrND7xUMwHjqU487Ait-BdsXUgmlu81QxoRHtx8XQL90_PC_WGJucc8FEr9RrWrbMrfUxsXhIAp8I_h0mQmYGbdRLm5SlRqibRzmUkO3I7D7o4/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_Sopravvissuti_al_terremoto_di_Messina%252C_1908.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdi-ooQB6plhJQ2Zsnt_oBzOikutHKWzrND7xUMwHjqU487Ait-BdsXUgmlu81QxoRHtx8XQL90_PC_WGJucc8FEr9RrWrbMrfUxsXhIAp8I_h0mQmYGbdRLm5SlRqibRzmUkO3I7D7o4/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_Sopravvissuti_al_terremoto_di_Messina%252C_1908.jpg" width="297" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Sopravvissuti al terremoto <br />di
Messina, 1908, Messina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3y4myJmi9JEgxiF-nr-TLC9INLfxFOXjo4lnYM9N_3DkZvYY1-km5EmeSraUY8zFdoQTTh3ooz9puFCj3g2o8o1p0DzjWbpGGdDwaiDcnN5xRKgjSMuQjSXxmMZJkyKVRo8PkDz9IlMw/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0425_-_da_Et_in_Arcadia%252C_p._90.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3y4myJmi9JEgxiF-nr-TLC9INLfxFOXjo4lnYM9N_3DkZvYY1-km5EmeSraUY8zFdoQTTh3ooz9puFCj3g2o8o1p0DzjWbpGGdDwaiDcnN5xRKgjSMuQjSXxmMZJkyKVRo8PkDz9IlMw/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0425_-_da_Et_in_Arcadia%252C_p._90.jpg" width="306" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Fauno, 1895, fotografia,
Taormina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">D’altronde ne fu
costretto, vedendosi annullato il vitalizio che puntualmente suo padre gli
inviava poiché caduto in disgrazia. Eppure questa necessità impellente di
trasformare il passatempo in professione effettiva fu la sua fortuna perché, a
partire dal 1895, grazie alla macchina fotografica a soffietto regalatogli dal
Granduca Federico Francesco III di Mecklenburg – Schwerin, amico di famiglia e
grande ammiratore dei suoi scatti, poté scattare con ritmi più celeri i suoi
soggetti e perfezionare la qualità delle sue immagini.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fu quindi proprio nei
primi anni ’90 del XIX secolo che Von Gloeden si vide riconosciuto dal mondo
quale grande fotografo: i suoi scatti furono esposti tra il 1897 e il 1911 a Il
Cairo, Berlino, Philadelphia, Budapest, Marsiglia, Nizza, Riga, Dresda e Roma,
attirando la stima e l’ammirazione di studiosi, letterati e personalità di
spicco dell’epoca, che solevano vedere nelle sue fotografie, il ritorno
arcadico a quel mondo meraviglioso ed incontaminato vissuto nell’epoca d’oro
delle civiltà classiche. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSap0LQVZm-xdfM5VeVp3WuZH9SsjEvbd1m1Etvv6Jllqr7I3RXSTfF3_Ayq_NPY_NtGr010vp8UhyphenhyphenrmuZyTrenkhaC8ueMRHz81aVYapobVtHTGLH7fCpraRgIiDhvd8wGnKQReJgukE/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._102_-_Dancing_boys.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="234" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSap0LQVZm-xdfM5VeVp3WuZH9SsjEvbd1m1Etvv6Jllqr7I3RXSTfF3_Ayq_NPY_NtGr010vp8UhyphenhyphenrmuZyTrenkhaC8ueMRHz81aVYapobVtHTGLH7fCpraRgIiDhvd8wGnKQReJgukE/s320/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._102_-_Dancing_boys.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, danzatori sulla terrazza di
Taormina, <br />1895 ca, fotografia, Taormina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-tYh2sGKW784h-cDyqHmlb0rlAai8ODybYTgi9bteYZ-Q6ckq5UHnwcA9zB2IQdjeobuI2U7imAI3AOC_12Q5APwdBhOJ_0_AfHml0uxrivFXDPyh51NJrfpQcrusO6VxIIwa32BRMEM/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm-_Bacco_-_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-tYh2sGKW784h-cDyqHmlb0rlAai8ODybYTgi9bteYZ-Q6ckq5UHnwcA9zB2IQdjeobuI2U7imAI3AOC_12Q5APwdBhOJ_0_AfHml0uxrivFXDPyh51NJrfpQcrusO6VxIIwa32BRMEM/s320/Gloeden%252C_Wilhelm-_Bacco_-_.jpg" width="244" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Bacco, 1890, <br />fotografia,
Taormina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoe3Y_GRZeTbZblgudmK8E8A9rFlDA_GfmIbpdY2cUZDGsoP0EHzWWDxd_6e2x0PCa6TpokOxF28FW-rOjSRodTbl6N97JLy_XpEfDgXPIP1NRa3HWa5xlD-oD-aoUhdtQAmq4DuLDQGM/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0690_-_Ragazzo_con_giara_-_da_-_Paradis_sicilien_p._21.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoe3Y_GRZeTbZblgudmK8E8A9rFlDA_GfmIbpdY2cUZDGsoP0EHzWWDxd_6e2x0PCa6TpokOxF28FW-rOjSRodTbl6N97JLy_XpEfDgXPIP1NRa3HWa5xlD-oD-aoUhdtQAmq4DuLDQGM/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0690_-_Ragazzo_con_giara_-_da_-_Paradis_sicilien_p._21.jpg" width="283" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden,
Ragazzo con giara,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> 1895, fotografia, Taormina.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un sotterfugio che il
fotografo tedesco effettivamente adoperò per tutelare e meglio nascondere l’insito
omoerotismo dei suoi scatti, che immortalavano il più delle volte ragazzetti in
età puberale e adolescenti taorminesi in pose composte piuttosto che lascive,
completamente nudi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A meglio celare la
natura di questi scatti infatti, ci pensavano monumenti, ruderi e oggetti che
permettevano un rimando all’età classica, come colonne, murature in mattoni,
anfore, calzari, toghe e vitigni.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fu per questo che Von
Gloeden riuscì per molto tempo a quietare le invettive bigotte e moraliste
tipiche di un paesello siciliano agli inizi del secolo, alimentate soprattutto
dal parroco Don Marziani: all’atto pratico i suoi scatti volevano essere un tributo
alla gens di Turomenion – l’antica Taormina – di cui si diceva che i suoi
discendenti sarebbero stati sempre fisicamente bellissimi e perfetti. Con la
sua fotografia effettivamente lui dimostrava esattamente questo, scoprendo i
suoi modelli maschili di ogni inutile orpello e lasciandoli nudi nella
perfezione della loro muscolatura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyGlDEM95sTRoXTdSOVJWW0MRBpI1-CJqdJOP7fBTPwxBpKJaq4f3F96JdEgdkGnBi_41I6VjRuSrHRaeUUqL85xQAyDaH2sNCKoTGHJMxCwsbGw86WIhV_j3jkDwitL3aVoyEf7EYgaI/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0941_-_Le_tre_grazie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyGlDEM95sTRoXTdSOVJWW0MRBpI1-CJqdJOP7fBTPwxBpKJaq4f3F96JdEgdkGnBi_41I6VjRuSrHRaeUUqL85xQAyDaH2sNCKoTGHJMxCwsbGw86WIhV_j3jkDwitL3aVoyEf7EYgaI/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0941_-_Le_tre_grazie.jpg" width="286" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Le tre grazie, 1895,<br /> fotografia,
Taormina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtyqmUPIfy9X2sN4iEhKTU14IFr1FJUj8_BftS919QcAObWFLznWOtapyAa_sd2gDE4ktPfWbrsDqkXy5YJlpRUHG1kTaXuH0cfCiFGdxiqckfftO51BkVuLyB92FLL_7QOkVFjoTDXC8/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0769_-_Twelvetrees_p._21.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtyqmUPIfy9X2sN4iEhKTU14IFr1FJUj8_BftS919QcAObWFLznWOtapyAa_sd2gDE4ktPfWbrsDqkXy5YJlpRUHG1kTaXuH0cfCiFGdxiqckfftO51BkVuLyB92FLL_7QOkVFjoTDXC8/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0769_-_Twelvetrees_p._21.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden,
Ragazzo con giara, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1898, fotografia, Taormina.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOjHtzIS4mlxf5olPzC0L8OKpVe6mxX73jb8UwoUvpzohYdqfXL2LjhCTFPqeKItsGHGL2hPwtMM2do0fYLAgXqem33qguuo5sS7DPZDZ16LxLd7MDOXOre3n-kqlPQ1j-ZpPdt0bZ-RI/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529__+ragazzo+con+palma.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOjHtzIS4mlxf5olPzC0L8OKpVe6mxX73jb8UwoUvpzohYdqfXL2LjhCTFPqeKItsGHGL2hPwtMM2do0fYLAgXqem33qguuo5sS7DPZDZ16LxLd7MDOXOre3n-kqlPQ1j-ZpPdt0bZ-RI/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529__+ragazzo+con+palma.jpg" width="286" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Ragazzo con palma, <br />1926,
fotografia, Taormina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un tributo a Omero e a
Teocrito quindi, strettamente legati al territorio siracusano, che non può
essere tale se i modelli non fossero totalmente spogliati della contemporaneità
dei loro usi e costumi e grecizzati attraverso la nudità (gli sportivi
gareggiavano nudi per esempio e la nudità in sé non era un grande tabù). Un tributo
falsificato però dal fine ultimo di quegli scatti sviluppati in serie per adempiere
alle voglie dei committenti provenienti da tutta Europa, desiderosi di
possedere qualche fotografia degli statuari pastori e pescatori siciliani. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un business che non
solo arricchì in qualche modo il fotografo tedesco, ma dette nuovo lustro al paesello
bucolico siciliano, meta “sessuale” di personalità di spicco della letteratura,
dell’arte nonché dell’economia e dell’industria mondiale: tra i tanti curiosi
che visitarono Taormina in quegli anni, configurano infatti Oscar Wilde, - che
mai fece segreto della sua omosessualità – la grande attrice Eleonora Duse con
il suo compagno Gabriele D’Annunzio, i magnati Friedrich Krupp e Richard
Strauss, persino il re d’Inghilterra Edoardo VII, come si evince dai libri dei
visitatori della casa di Von Gloeden. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTArKEaAoBN9RkQRrWXuNLerQtb3EuQ8vABGCqGV_bWdmDnxUYPHoUnC5h6DLNficTVANJvEd-MgrNoOi27L9WsiBt1f_JA3d7aN7Gm8eUN29O89qZFD3zraqaQ091_9-071c5gf6yCno/s1600/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0347_recto_-_Timbrata_a_secco_Gaetano_Pedo%252C_Roma.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTArKEaAoBN9RkQRrWXuNLerQtb3EuQ8vABGCqGV_bWdmDnxUYPHoUnC5h6DLNficTVANJvEd-MgrNoOi27L9WsiBt1f_JA3d7aN7Gm8eUN29O89qZFD3zraqaQ091_9-071c5gf6yCno/s400/Gloeden%252C_Wilhelm_von_%25281856-1931%2529_-_n._0347_recto_-_Timbrata_a_secco_Gaetano_Pedo%252C_Roma.jpg" width="298" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden,
Ragazzo col piffero,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> 1890, fotografia, Taormina. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dal punto di vista
tecnico le fotografie di Wilhelm Von Gloeden erano sicuramente qualitativamente
di spessore, considerando che a differenza di altri fotografi di genere con cui
spesso si confrontava – tra cui il cugino Wilhelm von Pluschow e il suo
assistente Vincenzo Galdi, i suoi scatti godevano di una luce più delicata e di
sfumature più impercettibili rispetto alla durezza degli altri due, nonché la
compostezza dei suoi modelli rivangava notevolmente le pose plastiche della
statuaria greca classica. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La fortuna
professionale di Von Gloeden non fu così duratura mentre era in vita, anzi si
concluse con la sua dipartita in Germania nel 1915, quando con l’entrata dell’Italia
in guerra, la sua presenza sul territorio italiano non era gradita in quanto
cittadino di uno stato rivale. La sua casa e il suo studio furono comunque
tenuti vivi, nei tre anni di guerra, dal suo modello nonché amante Pancrazio
Bucinì, finché nel 1919 il fotografo tedesco non fece ritorno. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma ovviamente la
guerra aveva cambiato le cose. Molti dei suoi modelli morirono al fronte e lui
non riuscì a trovare degni sostituti un po’ perché con la fine della guerra la
società taorminese si era imbigottita più di quanto già non fosse, un po’
perché ormai le sue foto bucoliche e classiche non trovavano più una
collocazione nel nuovo mondo industrializzato e futurista a cui tutti ambivano.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHvcX8U0VDoygTabltUxohTjiXjCKBnr7hEOAueIBX40mf0IXIN_Qi561ZlUAzoxbt5OLbozmHclevIGJ7ii8oVliiXqR_Gs94zrSCl8E1mNDAtIPXmBggkEchNqPflCfqzFc1qR34KKo/s1600/ragazzo+disteso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHvcX8U0VDoygTabltUxohTjiXjCKBnr7hEOAueIBX40mf0IXIN_Qi561ZlUAzoxbt5OLbozmHclevIGJ7ii8oVliiXqR_Gs94zrSCl8E1mNDAtIPXmBggkEchNqPflCfqzFc1qR34KKo/s640/ragazzo+disteso.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="font-size: 12.8px; margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Ragazzo disteso, </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;">1890, fotografia, Taormina</span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Von Gloeden quindi per
poco più di un decennio si dette quasi totalmente alla fotografia di paesaggi e
nature, aiutando ulteriormente lo sviluppo turistico di quei luoghi
meravigliosi che sono le terre siciliane, fino al 16 febbraio 1931, quando all’età
di 74 anni morì, lasciando il suo archivio fotografico considerevole (più di
7000 negativi) al suo preferito Pancrazio Bucinì (grazie al dono della sua
unica ereditiera che non volle ereditare quegli scatti), che continuò a
sviluppare in serie le fotografie del maestro al fine di rivenderle. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pochi anni dopo, in
pieno fascismo, tra il 1933 e il 1934 la casa – studio di Von Gloeden – Bucinì fu
sottoposta a sequestro dalla polizia fascista e i tre quarti dell’archivio
fotografico dell’artista tedesco fu distrutto, con l’accusa di essere materiale
pornografico. Lo stesso Bucinì fu processato a Messina, ma infine assolto. Ad oggi
quindi possiamo comunque godere degli scatti le cui lastre sono andate perdute,
nonché gli originali rimasti da quel disastro inquisitorio, quando l’artisticità
di un grande fotografo tedesco naturalizzato italiano, fu scavalcata dalla sua
tendenza sessuale.</span></div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6nrCxOFB8vccLDDWl0gmB58_8M_at5Q4T1Sr5Mabd2_-6yR7URCXsoIPZ-kSYYyjpcrHiSCwr3Lip9aFXjCON10ZBDeHut0PF_xQFhwUXV3rbkaJ91nG4hX7t4IcGKuSrVbfKdancmdw/s1600/mano+con+brocca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6nrCxOFB8vccLDDWl0gmB58_8M_at5Q4T1Sr5Mabd2_-6yR7URCXsoIPZ-kSYYyjpcrHiSCwr3Lip9aFXjCON10ZBDeHut0PF_xQFhwUXV3rbkaJ91nG4hX7t4IcGKuSrVbfKdancmdw/s400/mano+con+brocca.jpg" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Mani con brocca,<br /> </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;">1890, fotografia, Taormina</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBjTADTWx_VS0vYnYFFOf0t0bR-D8m7RI5_q_xDctBhNvUQ-NxhdgwZlfzhWWPZmM_lI3qFap0YkqanSXNEaUIadPwKSV6os2Jr-YnJ7y_IDaG1HqrYfEX4wyXKiNPKAsolNj5OPperJY/s1600/composizione.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBjTADTWx_VS0vYnYFFOf0t0bR-D8m7RI5_q_xDctBhNvUQ-NxhdgwZlfzhWWPZmM_lI3qFap0YkqanSXNEaUIadPwKSV6os2Jr-YnJ7y_IDaG1HqrYfEX4wyXKiNPKAsolNj5OPperJY/s400/composizione.jpg" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;"><span style="color: white;">W. Von Gloeden, Tre ragazzi in giardino, </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333px;">1890, <br />fotografia, Taormina</span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<o:p></o:p>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-14205026250350810232015-08-30T05:20:00.001-07:002015-08-30T05:22:17.585-07:00La fotografia di Herlinde Koelbl: l'essere umano si racconta.<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4YW5c_iaVMe9jy-L-jTmTfcYXkOlHhDBQvBrdtZYIOIyMHJVdXCMvPQqQO9t2fF_uHcDzHsRgG9DaIGc3UYY48VUbORSxr7hTBax3AIK0m6iw79JauP0hpVXNlOol2mq2beN2Ub9HNM/s1600/fotografia+del+XX+secolo%252C+taschen.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4YW5c_iaVMe9jy-L-jTmTfcYXkOlHhDBQvBrdtZYIOIyMHJVdXCMvPQqQO9t2fF_uHcDzHsRgG9DaIGc3UYY48VUbORSxr7hTBax3AIK0m6iw79JauP0hpVXNlOol2mq2beN2Ub9HNM/s200/fotografia+del+XX+secolo%252C+taschen.jpg" width="148" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 9.5pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Fotografia del XX
secolo, </span></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 12.8000001907349px;">Collezione Gruber, </span></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 12.8000001907349px;">Museum Ludwig,</span><span class="apple-converted-space" style="font-size: 12.8000001907349px;"> </span><span style="font-size: 12.8000001907349px;">Colonia</span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Leggendo con morboso interesse il mio ultimo acquisto in ambito di storia della fotografia – il catalogo Fotografia del XX secolo, edito Taschen – che tratta della collezione Gruber, permanente al Ludwig Museum di Colonia, ho trovato decisamente interessante la biografia ed il percorso artistico di una fotografa tedesca tutt’oggi vivente, <b>Herlinde Koelbl</b>, nata a Lindau il 31 ottobre del 1939 e residente tutt’oggi a Monaco di Baviera. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Particolarmente interessante perché, nel mondo selettivo della fotografia di qualità, le donne hanno sempre avuto un ruolo marginale rispetto agli uomini, per numero e notorietà, per quanto quelle poche dotate di vero talento, caparbietà, intuito e determinazione, ad oggi sono riconosciute quali capisaldi della storia della fotografia – una su tutte Margareth Bourke White, di cui ho trattato <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/margaret-bourke-white-la-fotografia.html">qui</a>. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDakrRSqjr0sYVJIR0mNNOnfk-N85AZE0dJqHh10sgxHME9POCNbDS23ioBV3mROOOqug5knQednh1duyK_9d2Zg8pyHr6VzOdXPKTqsX0y2SkLCoELwb-dIAIk2nFuKBRtaXPZxQ2QQ/s1600/Herlinde-Koelbl.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDakrRSqjr0sYVJIR0mNNOnfk-N85AZE0dJqHh10sgxHME9POCNbDS23ioBV3mROOOqug5knQednh1duyK_9d2Zg8pyHr6VzOdXPKTqsX0y2SkLCoELwb-dIAIk2nFuKBRtaXPZxQ2QQ/s400/Herlinde-Koelbl.jpg" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Herlinde Koelbl</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Da sempre interessata al mondo dello spettacolo dell’arte, il filo intersecabile che lega Herlinde Koelbl alla fotografia si crea nel 1975, quando appassionatasi a questo mondo inizia a studiarla da autodidatta: talento, preparazione e attitudine non mancano, tanto che da allora inizia a collaborare con testate giornalistiche di spessore, quali il <i>Zeit Magazin</i>, lo <i>Stern</i> o il<i> New York Times</i>. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">È presso queste che infatti, come fotoreporter, nel 1987 ha l’occasione di fotografare da vicino il mondo israelita, catturando nei suoi scatti la sacralità di un mondo molto legato alla religione (tant’è vero che non di rado riproduce in quelle sue composizioni, scene che ricordano aneddoti biblici) e la brutalità e la drammaticità della vita quotidiana nella Striscia di Gaza, nel pieno del movimento Intifada. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">La Koelbl dell’Intifada è una fotografa già conosciuta allora, perché la notorietà arriva sin da subito grazie all’intuizione del suo reportage fotografico <b><i>Il soggiorno tedesco</i></b>, le cui fotografie immortalano famiglie tedesche più o meno conosciute, nella stanza più comunicativa della casa. </span><span style="line-height: 18.3999996185303px;">Il soggiorno infatti rivela le sfumature di chi l’ha arredato, quindi di conseguenza per alcuni tratti anche la sua anima. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqqiI1ueCJEsBMNyVTo6BbrYo7TK7rIDWIsdUJRPOQOBmSTPP8w8ww0BmGzAKgppPpFFs9xr6yrWEvx5BLZqFdz5cn7KiYjzFoxRsLiR-fHe3HRFUGWvixMlwkbDt2dStVelG04ocZrwE/s1600/The+german+living+room+bucher%252C+monaco+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqqiI1ueCJEsBMNyVTo6BbrYo7TK7rIDWIsdUJRPOQOBmSTPP8w8ww0BmGzAKgppPpFFs9xr6yrWEvx5BLZqFdz5cn7KiYjzFoxRsLiR-fHe3HRFUGWvixMlwkbDt2dStVelG04ocZrwE/s640/The+german+living+room+bucher%252C+monaco+2.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Hans Heinrich A. (agricoltore) e Maria A. (casalinga), 1980, fotografia, Bucher, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEithCA2AZRIZGWd5m5_7U5w6uFdUS5RUKTiVdmNhEVX2MQNQpANy3Wlvr81frJbi5RmbK2kRLT1UsTxTLQvDMUDVlMg03GU7xh-YA72Z94uVkU-SFWgCCFUgzI0fISYUhVjDZ6vUrfQKtI/s1600/The+german+living+room+bucher%252C+monaco..jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="133" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEithCA2AZRIZGWd5m5_7U5w6uFdUS5RUKTiVdmNhEVX2MQNQpANy3Wlvr81frJbi5RmbK2kRLT1UsTxTLQvDMUDVlMg03GU7xh-YA72Z94uVkU-SFWgCCFUgzI0fISYUhVjDZ6vUrfQKtI/s200/The+german+living+room+bucher%252C+monaco..jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Alois W. (autista di gru) <br />e Katharina W. (casalinga), 1980,<br />fotografia, Bucher, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">E proprio in questi scatti che si può notare quindi la diversità tra le famiglie tedesche dei più disparati ceti sociali, a cavallo tra gli anni ’70 ed ’80: ognuno dei soggetti raffigurati nel proprio soggiorno non viene identificato con il cognome, ma solo col nome, perdendo quindi anche la sua importanza nella società. È così che ci ritroviamo personalità di spicco quali industriali, principesse e magnati, confusi con agricoltori o piccoli imprenditori: l’individuazione del loro gusto, del loro ceto è distinguibile solo guardando ai loro salotti, allestiti seguendo tradizioni culturali e venatorie tedesche o nella più piena modernità avanguardista. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCOWcU3Ef8iBe_SNhl_phG6v4wEOo11r8D7h1oi-qFY1f5cemiGJpUv7G6gD3lGYR6kEGy7WejSVRmMxrHAYUr78qEJTnTdDDEvaNEEKGKVZ8jWlD9nwpd7gRWYuH7JWKBIDMXjaDD3lE/s1600/The+german+living+room+bucher%252C+monaco+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCOWcU3Ef8iBe_SNhl_phG6v4wEOo11r8D7h1oi-qFY1f5cemiGJpUv7G6gD3lGYR6kEGy7WejSVRmMxrHAYUr78qEJTnTdDDEvaNEEKGKVZ8jWlD9nwpd7gRWYuH7JWKBIDMXjaDD3lE/s640/The+german+living+room+bucher%252C+monaco+3.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Dr. Franz F. (consigliere) e Gabriele F. (casalinga), 1980, fotografia, Bucher, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzKSfy9X5fUlG5Vod_ASLjJi39qV56Mi1IbE_2HQKcSRDRvSmOC8Z7FRodIznvFKGuyEiAsZr-CzzvFkNbMagL9FU7fRWZBiYMxer9Za0WJbLw_xUxFcKe2wc7mBts8AGEP7s1qrIskHM/s1600/camera+da+letto+paris.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzKSfy9X5fUlG5Vod_ASLjJi39qV56Mi1IbE_2HQKcSRDRvSmOC8Z7FRodIznvFKGuyEiAsZr-CzzvFkNbMagL9FU7fRWZBiYMxer9Za0WJbLw_xUxFcKe2wc7mBts8AGEP7s1qrIskHM/s320/camera+da+letto+paris.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Tibor Radvanyi (studente) - Parigi, 2002,<br /> fotografia, Knesebeck Verlag, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">La stessa idea sarà ripresa nel 2002, quando riproporrà <b><i>Camere da letto</i></b>. La tipologia d’indagine è pressappoco la stessa, ma le camere da letto prese in considerazione non sono solo tedesche – berlinesi nello specifico, - ma anche londinesi, moscovite, newyorkesi, parigine e romane. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">In un giro del mondo virtuale, in piccole particolarità ogni camera da letto immortalata tradisce l’appartenenza geoculturale di chi la abita. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-TLC7f36IerPgnkFhtwlTgEj-1hRgiP1OuGUSfomVm1eTUfa4UwAXYvmN1eMUCxTZpG54Pfkz4DU67y5XLyfvqFt76RLqaBameTtqLEFD_6idvM9JnZ6rDrzlLO_FXjwWehHYTLcF9e8/s1600/camere+da+letto+londra.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-TLC7f36IerPgnkFhtwlTgEj-1hRgiP1OuGUSfomVm1eTUfa4UwAXYvmN1eMUCxTZpG54Pfkz4DU67y5XLyfvqFt76RLqaBameTtqLEFD_6idvM9JnZ6rDrzlLO_FXjwWehHYTLcF9e8/s320/camere+da+letto+londra.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Peter e Liz Ward (presidente e casalinga) - Londra, <br />2002, fotografia, Knesebeck Verlag, Monaco.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Soggetti che non sono solo parte di arredamento ma che anzi, spiegano attraverso i loro occhi quello che vediamo attorno a loro: malinconica e romantica è la romana Concetta Duranti, la pensionata 85enne seduta sul suo lettone ordinato e rivestito di pizzo, mentre fissa fuori dalla finestra, seduta accanto alla sua bambola di porcellana; rock e cosmopolita è la berlinese Andrea Kummer, distesa seminuda e tatuata sul suo letto rosso, in una stanza che sposa elementi kitsch, musicali e religiosi; dolcissima e tradizionale è la pensionata moscovita Kira Swiridowa, composta sul suo letto e circondata da un arredamento minimal in cui si staglia un televisore con la cassa in legno, stile anni ’80, e così via. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzf7468t9PbnotX_DOY6k9-50v40ENrikYS02_vMmmC-BSDcmW6G1KCNF688wGptp9HJ1zQe9hAVK_8oBlr-W08NPHbUAG_5OBdFL28Okx_QnI9oLu_YIm14g6RlNGW0trJyHmtCdZXzw/s1600/camere+da+letto+berlino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzf7468t9PbnotX_DOY6k9-50v40ENrikYS02_vMmmC-BSDcmW6G1KCNF688wGptp9HJ1zQe9hAVK_8oBlr-W08NPHbUAG_5OBdFL28Okx_QnI9oLu_YIm14g6RlNGW0trJyHmtCdZXzw/s320/camere+da+letto+berlino.jpg" width="213" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Andrea Kummer (studentessa)<br />- Berlino, 2002, fotografia, <br />Knesebeck Verlag, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzU3vRoO7ruFSfW6o-lATNxIaWYgsj-kkyzWdI2vKv5lWunCIZch_vyL3Y7U3-On4fkmsqg7-XpbnUMvslsxjphZm0m-PntK-zlycHxZJ7qcll36k1yzpQ2bFlRvkDB0uOW_IorKujOwQ/s1600/camera+da+letto+roma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzU3vRoO7ruFSfW6o-lATNxIaWYgsj-kkyzWdI2vKv5lWunCIZch_vyL3Y7U3-On4fkmsqg7-XpbnUMvslsxjphZm0m-PntK-zlycHxZJ7qcll36k1yzpQ2bFlRvkDB0uOW_IorKujOwQ/s320/camera+da+letto+roma.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Concetta Duranti (pensionata) - Roma, 2002,<br />fotografia, Knesebeck Verlag, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCJICiTAoO5adcAU-vWQKZKr1rzkSucGrTM8Cq4RwlMqUHr-jrpUxTRiubYxcwTsPlUbf0gz1Q9tZDbZjWLqk_ypPb0eM7WnjUXoy01H9ITGc7ol_NCCi7k2ODKhkhQd4xdVTxMsp1lTs/s1600/camere+da+letto+mosca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCJICiTAoO5adcAU-vWQKZKr1rzkSucGrTM8Cq4RwlMqUHr-jrpUxTRiubYxcwTsPlUbf0gz1Q9tZDbZjWLqk_ypPb0eM7WnjUXoy01H9ITGc7ol_NCCi7k2ODKhkhQd4xdVTxMsp1lTs/s640/camere+da+letto+mosca.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Kira Swiridowa (pensionata) - Mosca, 2002, fotografia, <span style="font-size: 12.8000001907349px;">Knesebeck Verlag, Monaco.</span></span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHHqsK2y9tiVepBV68SAQMrqDBmz92z7xWqASHYZ4bKi-9EZI8dEO4TD-zxacwZl40UUiOCK7bDNOZkMYMjBoB5nrHkriROtGAhgsvgQjM-BSXOfUebCSgyacdLNEcdTCq1fDymHE-u78/s1600/Fancy+People+High+Society+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHHqsK2y9tiVepBV68SAQMrqDBmz92z7xWqASHYZ4bKi-9EZI8dEO4TD-zxacwZl40UUiOCK7bDNOZkMYMjBoB5nrHkriROtGAhgsvgQjM-BSXOfUebCSgyacdLNEcdTCq1fDymHE-u78/s320/Fancy+People+High+Society+2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Gente Elegante, 1986, fotografia,<br />Edition Stemmle, Schaffhausen. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">A I soggiorni tedeschi, segue quindi nell’86 la pubblicazione del suo reportage <b><i>Gente Elegante</i></b>, in cui in modo impietoso Herlinde Koelbl con il suo obbiettivo va a raccontare cosa si nasconde effettivamente dietro la facciata spesso ipocrita dell’elite della società. In un mondo fatto di galà, serate di beneficienza, vernissage e cene super lussuose, le fotografie dell’artista sono uno smacco: il retrogusto kitsch dell’abbigliamento sontuoso e scollato delle commensali, le unghie brillantinate e in pendant con anelli e bracciali che ricoprono le mani di donne intente a fumare, uomini di alto livello che palpano il seno alle loro accompagnatrici in preda a qualche bicchiere di troppo, claque che sostiene la spogliarellista intenta a togliersi le vesti.. tutto ricorda quella società alla deriva, raccontata anche dagli espressionisti tedeschi qualche decennio addietro. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIUqwmplf1zAypF_nrcdKUKQdM9ipVSfRlMm_qQ-lTAF9qMZLXMvBWOQ4mkWFqn_qcCG_WOh-13WGVr0eJ7OgKtd-qv9POgtk-O_Wv3xcqBf_Uh3p6bkHfdsybI2t2cGjb02-j6oc0K9c/s1600/Fancy+People+High+Society+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="133" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIUqwmplf1zAypF_nrcdKUKQdM9ipVSfRlMm_qQ-lTAF9qMZLXMvBWOQ4mkWFqn_qcCG_WOh-13WGVr0eJ7OgKtd-qv9POgtk-O_Wv3xcqBf_Uh3p6bkHfdsybI2t2cGjb02-j6oc0K9c/s200/Fancy+People+High+Society+3.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-size: 12.8000001907349px;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Gente Elegante, 1986, <br />fotografia, </span></span><span style="font-size: 12.8000001907349px;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Edition Stemmle, Schaffhausen.</span></span> </span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMY0JYskVMC6HQjGZKy3I6DmZWXDPrUACHlfEzRIo7fUUI0GjV6TifrCV_aMwMlv8t8yTPVeA3U2Vr38Wan_BXgo8b2PG0Twx_ZmZnky4GkuP2WpybcF2ihTW3bPexjpPQIKTxzc1-LOc/s1600/Fancy+People+High+Society.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="133" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMY0JYskVMC6HQjGZKy3I6DmZWXDPrUACHlfEzRIo7fUUI0GjV6TifrCV_aMwMlv8t8yTPVeA3U2Vr38Wan_BXgo8b2PG0Twx_ZmZnky4GkuP2WpybcF2ihTW3bPexjpPQIKTxzc1-LOc/s200/Fancy+People+High+Society.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Gente Elegante, 1986, <br />fotografia, </span><span style="font-size: 12.8000001907349px;">Edition Stemmle, Schaffhausen. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKO53_rQkxxc9izbE2kpV5lC0OYx7MFJTmM7gNxd40Jxjydb1o7vW27bYe6eH7g-A1zlivrjxzRorS1XpMLwF2AAVzR4nnFdH33k4DBOsrtT2_JC0t8Ef1ZqNgDTl8liaAze6rM0dMEn0/s1600/uomini+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKO53_rQkxxc9izbE2kpV5lC0OYx7MFJTmM7gNxd40Jxjydb1o7vW27bYe6eH7g-A1zlivrjxzRorS1XpMLwF2AAVzR4nnFdH33k4DBOsrtT2_JC0t8Ef1ZqNgDTl8liaAze6rM0dMEn0/s200/uomini+2.jpg" width="170" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelble, Uomini, 1984,<br />fotografia, List Verlag, Monaco</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Ancora di forte impatto è il dittico <b><i>Uomini</i></b> e <b><i>Donne forti</i></b>, due reportage eseguiti con un distacco di poco più di un decennio il primo dal secondo – 1984 e 1996 – che indagano circa la complessità psicofisica dell’essere umano in entrambi i generi. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Gli scatti di Uomini, sono fotografie che non hanno l’intenzione di apparire sterilmente cariche di erotismo e machismo, ma documenti che rivelano da un lato la plasticità e la tensione di linee molto ben definite, che ben si sposano con i chiaroscuri provocati dall’angolazione dello scatto e dalla direzione della luce, dall’altro la dolcezza di attimi di intimità e smascheramento, la consapevolezza dell’età che avanza, ma anche la virilità e il desiderio dell’amore omosessuale.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-DezeSJM7DhJbZI6uGVivebKI0p-FdWmDVXmpyqCZfAR7IBits8bP3Pnblpo_uqDej27XqnDixU-zlJ4NJk5wgLDdIddWPp6Pw4f-Tq-SgZjhIW7DRH1VRTKQEGzJWwYoR8i3oGVIc6Q/s1600/uomini+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-DezeSJM7DhJbZI6uGVivebKI0p-FdWmDVXmpyqCZfAR7IBits8bP3Pnblpo_uqDej27XqnDixU-zlJ4NJk5wgLDdIddWPp6Pw4f-Tq-SgZjhIW7DRH1VRTKQEGzJWwYoR8i3oGVIc6Q/s200/uomini+4.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelble, Uomini, 1984, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, List Verlag, Monaco</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMM9CJUUatOGSk0cHVryi1Q-eMluuK14u_g17WCA51wPiJZHjIBD_M4xLN39_cF0THq41u-8l0hTEhBnl40fsiHNmxgOWR49zAjmqvRZpQfvEwB1L1mHoNSTMpLrCVB5L4dnVztjSKm1Y/s1600/uomini+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMM9CJUUatOGSk0cHVryi1Q-eMluuK14u_g17WCA51wPiJZHjIBD_M4xLN39_cF0THq41u-8l0hTEhBnl40fsiHNmxgOWR49zAjmqvRZpQfvEwB1L1mHoNSTMpLrCVB5L4dnVztjSKm1Y/s200/uomini+1.jpg" width="196" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelble, Uomini, 1984, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, List Verlag, Monaco</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3GDX7luO2-ARi8E_Pg8J9L8ympFku-9zMrq9dAJfHdy7pA254nCVeHhdhOS5267thF5ZUtUww-lj623wGnFCrrn9gEdAGNNfP-ELj2FOZ7g_Zen7nFJuKulBbCjyajwjUF6jxL78fuxY/s1600/uomini+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3GDX7luO2-ARi8E_Pg8J9L8ympFku-9zMrq9dAJfHdy7pA254nCVeHhdhOS5267thF5ZUtUww-lj623wGnFCrrn9gEdAGNNfP-ELj2FOZ7g_Zen7nFJuKulBbCjyajwjUF6jxL78fuxY/s200/uomini+5.jpg" width="192" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelble, Uomini, 1984, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, List Verlag, Monaco</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkZDinEscaIN6Z_hDbS4rx2N1qx1vPVT6l34ULD4gr62n9BVA-MGomAhI2lXaYv3ie7-NjlAzXhowBf7B-pleV6EuZ4O_SOvxktUcl_CG78YlXxt5taqdsqlWxOoM0Bfa7PlkQgD220nk/s1600/uomini+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkZDinEscaIN6Z_hDbS4rx2N1qx1vPVT6l34ULD4gr62n9BVA-MGomAhI2lXaYv3ie7-NjlAzXhowBf7B-pleV6EuZ4O_SOvxktUcl_CG78YlXxt5taqdsqlWxOoM0Bfa7PlkQgD220nk/s200/uomini+3.jpg" width="194" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelble, Uomini, 1984, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, List Verlag, Monaco</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilbIwYUD0GXD6qaubw2R6S1Tp8cIx-Ijcd_i-0xtADHltXqza9xUj0USvN4T-gk2zGR7ruq3MQvw-q6xuznwPgtL1s0RNn9Kwg7J00BxsY9DbeBgodvyd1B5A16cr-tu91lFYAC7iGNXU/s1600/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilbIwYUD0GXD6qaubw2R6S1Tp8cIx-Ijcd_i-0xtADHltXqza9xUj0USvN4T-gk2zGR7ruq3MQvw-q6xuznwPgtL1s0RNn9Kwg7J00BxsY9DbeBgodvyd1B5A16cr-tu91lFYAC7iGNXU/s200/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Donne forti, 1996,</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Knesebeck Verlag</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Con Donne forti fa lo stesso, ma il lavoro si rivela ancor più delicato in questo caso. Gli scatti che compongono il reportage sono emozionalmente forti, perché forti sono anche i pregiudizi verso quelle donne dal fisico muscoloso, prorompente o segnato dall’età che avanza. Le donne delle fotografie di Koelbl sono davvero forti, lo dimostrano sorridendo sinceramente e mostrando le loro nudità burrose e morbide o estremamente rugose, che smorzano la compattezza degli scatti creando un dolce dinamismo sinuoso e veritiero. </span><br />
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFQbb8pSEDr3Js_sJmpFxVUDqFhmnlc0-IxYK43Pz7WvV4ZJKHUHhQk5fP_Nd1vI-I1wCoMIMLxK8PdM08rT7i8Bxbj0O9d-eUqEEv-SQl5Cfmd6x09cxXHriWc8Vi_Mqchr68E10WPTs/s1600/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFQbb8pSEDr3Js_sJmpFxVUDqFhmnlc0-IxYK43Pz7WvV4ZJKHUHhQk5fP_Nd1vI-I1wCoMIMLxK8PdM08rT7i8Bxbj0O9d-eUqEEv-SQl5Cfmd6x09cxXHriWc8Vi_Mqchr68E10WPTs/s200/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+2.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Donne forti, 1996,</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Knesebeck Verlag</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhax1_ZHW3s0oyjxUw5FPkNPRVolofxUBqbiwMs1tPqt7U7fGQCbm9zcb6kXHU_SZocJVHWy9inLoo6gmKKtijQ5AGr1IAFIrEYYPvY0qqeQBRjptnaA43n7MkwbkOeM2JM4rDN2Ru9n5E/s1600/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhax1_ZHW3s0oyjxUw5FPkNPRVolofxUBqbiwMs1tPqt7U7fGQCbm9zcb6kXHU_SZocJVHWy9inLoo6gmKKtijQ5AGr1IAFIrEYYPvY0qqeQBRjptnaA43n7MkwbkOeM2JM4rDN2Ru9n5E/s200/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+3.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Donne forti, 1996,</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Knesebeck Verlag</span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuA45IYgN3ZUsLGBVwskDASVPFIcIJ7VnR4B-IzIfsFpEME4sC9ooQXsLqi6NzqBCmBRF1LJBvXRDTs10sVyAxK1BYzUo52GhkP8bsXl4enuU5k6qxEJnfjmQA7hZRBxwy8P_YU-x1Sh8/s1600/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuA45IYgN3ZUsLGBVwskDASVPFIcIJ7VnR4B-IzIfsFpEME4sC9ooQXsLqi6NzqBCmBRF1LJBvXRDTs10sVyAxK1BYzUo52GhkP8bsXl4enuU5k6qxEJnfjmQA7hZRBxwy8P_YU-x1Sh8/s200/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+4.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Donne forti, 1996,</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Knesebeck Verlag</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH0-5Yy11FG9Ms6m5ScNMR3sBXsdIuFkTvT1R_3hKGc7tYRZ1ujfirx2PhkqUycmrGdRgPkP4B7vf3gIPVnLHIbxSAz7j4ek7gokmHMgw7nGldrR-zBjGVQHBkFI6AFvkD6QH5jG6isa8/s1600/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH0-5Yy11FG9Ms6m5ScNMR3sBXsdIuFkTvT1R_3hKGc7tYRZ1ujfirx2PhkqUycmrGdRgPkP4B7vf3gIPVnLHIbxSAz7j4ek7gokmHMgw7nGldrR-zBjGVQHBkFI6AFvkD6QH5jG6isa8/s200/donne+forti+knesebeck+verlag%252C+monaco+5.jpg" width="176" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Donne forti, 1996,</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Knesebeck Verlag</span></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">D’altronde il percorso artistico della Koelbl segue una linea volta alla denuncia, sia nel senso letterale della parola che nella versione più cruda. È un percorso volto a raccontare e a spiegare quello che spesso non sia ha voglia di guardare, così come è stato per Gente Elegante e Donne forti. Lo fa sempre nel 1996 anche con il suo reportage <b><i>Sacrificio</i></b>, in cui senza prendere parti e difese, semplicemente documenta il macello degli ovini nella crudeltà più veritiera. </span><br />
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwgA8MV__TYyGG8EAxKY_Gi7jJjprDE9FqrLVYivday7XZA3O4Z5Eu6bdMD9XPm9QUQXiB1wRcihRgi7oP1uesoxio8p4RQJ_9GGBU41au-R2XGbDJLh-gpm5eePyPq-X_PPqH-xV_mpA/s1600/Sacrificio%252C+edition+braus+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwgA8MV__TYyGG8EAxKY_Gi7jJjprDE9FqrLVYivday7XZA3O4Z5Eu6bdMD9XPm9QUQXiB1wRcihRgi7oP1uesoxio8p4RQJ_9GGBU41au-R2XGbDJLh-gpm5eePyPq-X_PPqH-xV_mpA/s200/Sacrificio%252C+edition+braus+1.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">H. Koelbl, Sacrificio, 1996,<br />fotografia, Edizione Braus, Heidelberg</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcAJPD-uU3FXCfjQQGsJFXDYlgS9jP6XVWyNgiaQyaFR7Q22WLfpaAAFIXpP4vPf5FHItIJPrTxB7Gue21Jp059KE0Jtck7KGQqH-rGZ9Bsk-0UbYtcxs1qi_9y-8HPbXPomanLhDVADE/s1600/sacrificio+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcAJPD-uU3FXCfjQQGsJFXDYlgS9jP6XVWyNgiaQyaFR7Q22WLfpaAAFIXpP4vPf5FHItIJPrTxB7Gue21Jp059KE0Jtck7KGQqH-rGZ9Bsk-0UbYtcxs1qi_9y-8HPbXPomanLhDVADE/s200/sacrificio+2.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Sacrificio, 1996, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Edizione Braus, Heidelberg</span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Non accentua la Koelbl ma documenta, resta lì a guardare e a dimostrare: le fotografie a colori piuttosto che in bianco e nero rendono il pathos di quanto accade e l’effimera arrendevolezza degli anelli, appesi scuoiati agli alberi o ormai deboli e in fin di vita sgozzati e inondati del loro sangue: sacrificio di esseri viventi per l’alimentazione dell’uomo e chiaro rimando alla religiosità insita dell’atto. </span><br />
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIR9lTCal-5A-WTMtrCM1GW5cWrSWnQO9AEB7WaUnE7BL85CSSrfD7MSG-V7Ne2a6jW4sVvQ3ClVjeW-YxLpkqBEnmTYxFh-xJW_i2NY5axEbgAwUoMfGKsvNln1SQgojU7O3Te2f7giE/s1600/sacrificio+3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIR9lTCal-5A-WTMtrCM1GW5cWrSWnQO9AEB7WaUnE7BL85CSSrfD7MSG-V7Ne2a6jW4sVvQ3ClVjeW-YxLpkqBEnmTYxFh-xJW_i2NY5axEbgAwUoMfGKsvNln1SQgojU7O3Te2f7giE/s200/sacrificio+3.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Sacrificio, 1996, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Edizione Braus, Heidelberg</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG_hfCJ_-gY369L8sBnj8I1d-z0fsCxDK1LDvnSdcRdS7O4I8owoMYciGY_M6iAA5D31-qkhPgc0YNbV5LDLddBsvRZAMidDhyphenhyphen-CGjEXs1lC5PpGahyphenhyphenArz7PjyIZurnCY5tVzIXNJLZ64/s1600/sacrificio+4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG_hfCJ_-gY369L8sBnj8I1d-z0fsCxDK1LDvnSdcRdS7O4I8owoMYciGY_M6iAA5D31-qkhPgc0YNbV5LDLddBsvRZAMidDhyphenhyphen-CGjEXs1lC5PpGahyphenhyphenArz7PjyIZurnCY5tVzIXNJLZ64/s200/sacrificio+4.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Sacrificio, 1996, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">fotografia, Edizione Braus, Heidelberg</span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
</div>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiizMBZ_GEKgRD2qGEpI36LRaQ62xxCh-pLg2ILW5V_MjHl06KvSrubc-KfBS4zVEfE66e1pfkle9jzxAty3NYsbeQVnqLWK9DC-vLaosFGwWMOst9jbCuuM7yWCzComFbrIOyq2LWCzS0/s1600/obiettivi+brasile.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiizMBZ_GEKgRD2qGEpI36LRaQ62xxCh-pLg2ILW5V_MjHl06KvSrubc-KfBS4zVEfE66e1pfkle9jzxAty3NYsbeQVnqLWK9DC-vLaosFGwWMOst9jbCuuM7yWCzComFbrIOyq2LWCzS0/s320/obiettivi+brasile.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: 12.8000001907349px;">H. Koelbl, Obiettivi - Brasile, 2014, fotografia, Prestel</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Stessa politica attuata per il suo ultimo lavoro (2014),</span><b style="line-height: 18.3999996185303px;"><i> Obiettivi</i></b><span style="line-height: 18.3999996185303px;">, reportage che attraverso foto scattate in più di trenta paesi nei sei anni addietro alla pubblicazione, mostra come i soldati vengano addestrati ad uccidere. Dietro ogni scatto c’è l’intenzionalità di raccontare aspetti psicologici legati a chi insegna, a chi impara e alla società di cui fanno parte: un caso per tutti l’esempio americano, per cui il nemico è il sagomato di un terrorista arabo intento a premere il detonatore di una bomba. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRAu5wNbrdAHpQe9yxdniZCMKKWXO2rlISuOdKAwQKGvI9mdXYvxvwz3MhUnsaHcM6xvxH_U2O6qGCWaLVO5PLhRYU5xIc0JSmRQ7eZZwupMiXFZNlQ7BRxpEFKI9w7F1P_XjUIrzn2sE/s1600/obiettivi+usa+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRAu5wNbrdAHpQe9yxdniZCMKKWXO2rlISuOdKAwQKGvI9mdXYvxvwz3MhUnsaHcM6xvxH_U2O6qGCWaLVO5PLhRYU5xIc0JSmRQ7eZZwupMiXFZNlQ7BRxpEFKI9w7F1P_XjUIrzn2sE/s640/obiettivi+usa+2.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-size: 12.8000001907349px;"><span style="color: white;">H. Koelbl, Obiettivi -USA, 2014, fotografia, Prestel</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Ma la sua opera più importante rimane sicuramente <b><i>Tracce di potere</i></b> del 1999, reportage che riprende in più riprese i ritratti dei più importanti politici della Germania degli ultimi decenni. Joschka Fischer, Gerhard Schröder, Angela Merkel, Arnold Vaatz, Frank Schirrmacher, Renate Schmidt, Monika Hohlmeier e Irmgard Schwaetzer sono tra i protagonisti di questo lavoro, esemplare se si ragionasse sul fatto che alcuni di loro sono stati fondamentali per il traino della Germania in Europa, come i cancellieri Gerhard Schröder o Angela Merkel, che tutt’oggi è il perno principale su cui fa leva l’Unione Europea. </span><br />
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigfSNxtYL7jD2FtT3g88WkPgNST0g9TwkYGTT-6hY3_FLHsK1zQ0o_w0g67S3gzix44Z-lLHhewSpC__zKiLajOi5NKh9IdNPOTWKJns_7QzDseQWA7QwZEK1rM1oztSQ-A2PMUEwthJY/s1600/Angela+Merkel+1991.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigfSNxtYL7jD2FtT3g88WkPgNST0g9TwkYGTT-6hY3_FLHsK1zQ0o_w0g67S3gzix44Z-lLHhewSpC__zKiLajOi5NKh9IdNPOTWKJns_7QzDseQWA7QwZEK1rM1oztSQ-A2PMUEwthJY/s640/Angela+Merkel+1991.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelble, Angela Merkel, 1991, fotografia, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyXU9ugHpQSkvE_STeUTpwpYXJPcbXQibMe4eg5vOhRQutXExSTpHMpisZk2mR0xdAvs033TzHACAXw2u1v_nJ319U8m3mddOh07UeyuKZcfL8dXZlKBMz8qfaunYm1gfeWXVzccX61oI/s1600/Angela+Merkel+2006.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyXU9ugHpQSkvE_STeUTpwpYXJPcbXQibMe4eg5vOhRQutXExSTpHMpisZk2mR0xdAvs033TzHACAXw2u1v_nJ319U8m3mddOh07UeyuKZcfL8dXZlKBMz8qfaunYm1gfeWXVzccX61oI/s640/Angela+Merkel+2006.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Koelble, Angela Merkel, 2006, fotografia, Monaco. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-35775480806679149922015-04-26T06:22:00.000-07:002015-04-26T06:22:25.480-07:00L'arte vittima del nazismo tra messa all'indice, trafugamento e distruzione.<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">È indubbio che
storicamente parlando gli anni in cui si sono sviluppati l’avvento dei regimi
totalitari prima e lo sviluppo della Seconda Guerra Mondiale poi, abbiano visto
in prima linea anche la storia dell’arte quale protagonista non solo dell’evoluzione
della società e del pensare comune di quel lasso di tempo, ma anche come
vittima in prima persona degli errori (ed orrori) che questi hanno generato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFz7nynq4QtE7UZ3PAGXe9qEhGak7-htMGE4eRO6VbLeYqxkMH4M7cDQXiErnGZgeRCVGU5yPiXH1edGwDRIN-9arLmQ5KJ0wfLYKkOt8s5G2btIdHWsvo0IpveHWTx4OEgN0hCev5nEE/s1600/Portrait_of_a_Courtesan_by_Caravaggio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFz7nynq4QtE7UZ3PAGXe9qEhGak7-htMGE4eRO6VbLeYqxkMH4M7cDQXiErnGZgeRCVGU5yPiXH1edGwDRIN-9arLmQ5KJ0wfLYKkOt8s5G2btIdHWsvo0IpveHWTx4OEgN0hCev5nEE/s1600/Portrait_of_a_Courtesan_by_Caravaggio.jpg" height="320" width="248" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Caravaggio, Ritratto di cortigiana, 1597,<br />olio su tela, già al Kaiser Friedrich Museum,<br />perso durante l'incendio del 1945 al<br />Flakturm Friedrichshain di Berlino. </span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDi_7sbwvVuZdBn7ij0McryPY76dO-1DxaxVy_KEd1n39-IrC_i1sAiQH2N3QzQmKK8KG46o-XHcFaghj7UFs5vPq35gOVsz80nE5VVJ7h9_6B7OpxTPKAulRRmP0sQbdCeaP2bbQhA3A/s1600/San_Matteo_e_l'angelo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDi_7sbwvVuZdBn7ij0McryPY76dO-1DxaxVy_KEd1n39-IrC_i1sAiQH2N3QzQmKK8KG46o-XHcFaghj7UFs5vPq35gOVsz80nE5VVJ7h9_6B7OpxTPKAulRRmP0sQbdCeaP2bbQhA3A/s1600/San_Matteo_e_l'angelo.jpg" height="320" width="253" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Caravaggio, San Matteo e l'Angelo, 1601,<br />olio du tela, già al Kaiser Friedrich Museum,<br />perso durante l'incendio del 1945 al<br />Flakturm Friedrichshain di Berlino. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E se in Italia non
possiamo parlare di un vero e proprio dolo nei confronti dell’arte, per quanto
questa sotto il fascismo sia diventata meramente propagandista attraverso la
pittura e scultura futuriste e l’architettura di regime, sotto la Germania Nazista
l’arte subisce una vera e propria pugnalata, essendo soggetta a decisioni
derivanti da una politica scellerata a riguardo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEFs1rFc9OTo44AVM7Cpfx3JFIN9KlJktHU4d_IFJfsxREFuhK3DhUrmnRVcu6uyOrwAjJTiOCPN2HkO2iMv0QVDwrmMT8BidkaBoR6_FnNXv_b_6Ffsk1oTSvhTNoRc8kg4cZQTaw6tQ/s1600/polittico+della+rivoluzione+fascista+dottori.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEFs1rFc9OTo44AVM7Cpfx3JFIN9KlJktHU4d_IFJfsxREFuhK3DhUrmnRVcu6uyOrwAjJTiOCPN2HkO2iMv0QVDwrmMT8BidkaBoR6_FnNXv_b_6Ffsk1oTSvhTNoRc8kg4cZQTaw6tQ/s1600/polittico+della+rivoluzione+fascista+dottori.jpg" height="480" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">G. Dottori, Polittico della Rivoluzione Fascista, 1939, tempera su tavola, Galleria Nazionale di Arte Moderna, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">È il caso dell’ideale
nazista dell’arte degenerata, secondo il cui pensiero, ogni opera d’arte
contemporanea che si discostasse dagli ideali e dai canoni di bellezza e
veridicità del passato, non meritava di dover esser contemplata o ricordata: di
qui la messa all’indice delle opere degli artisti contemporanei nelle diverse
mostre sull’arte degenerata, una tra tutte quella di Monaco del 1937, poi
successivamente il rogo pubblico degli stessi dipinti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO2mvtZe-8qQQZ1AdGVTDHl81x1wDAaZgLo6wtOMXINigAPVMzMoOZIbunGYcHA7_TVafRBvuu2yEs9Gz5gvVRqU7yLMiOVGyNlTBwXtfgIMgJ8F87JQqrrPd45sBBddVH169z6JDo3Rk/s1600/993443921-arte-degenerata-espressionismo-mostra-d'arte.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO2mvtZe-8qQQZ1AdGVTDHl81x1wDAaZgLo6wtOMXINigAPVMzMoOZIbunGYcHA7_TVafRBvuu2yEs9Gz5gvVRqU7yLMiOVGyNlTBwXtfgIMgJ8F87JQqrrPd45sBBddVH169z6JDo3Rk/s1600/993443921-arte-degenerata-espressionismo-mostra-d'arte.jpg" height="236" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Spettatori della mostra sull'arte degenerata tenutasi a<br />Monaco nel 1937. Nello specifico le due signore sono<br />intente ad "ammirare" Strada di Berlino di E. L. Kirchner</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dipinti di Mark, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/11/edvard-munch-lurlo-la-morte-il-dolore.html">Munch</a>,
Ernst, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/07/ernst-ludwig-kirchner-e-il-die-bruck.html">Kirchner</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/emil-nolde-la-violenza-del-colore.html">Nolde</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/04/otto-dix-e-lorrore-della-guerra.html">Dix</a>, Chagall, Grosz, Picasso e molti altri artisti
appartenenti alle nuove avanguardie che a inizio secolo si svilupparono in
Francia, Russia e Germania, come il Fauvismo, la Nuova Oggettività, l’Espressionismo
Tedesco, o il Cubismo. Dipinti andati irrimediabilmente, purtroppo perduti,
nonostante ancor oggi capiti che si affacci speranzoso qualche caso di
ritrovamento presso abitazioni private degli ereditari di grandi collezionisti
o funzionari nazisti che preferirono, in una piena visione lungimirante della
cosa, conservare piuttosto che ardere le preziose tele e disegni (si veda <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/11/il-tesoro-di-hitler-ritrovato-monaco.html">il ritrovamento a Monaco di 1500 opere nell’appartamento di Cornelius Gurlitt, figlio del noto collezionista Hildebrand, datato al novembre 2013</a>).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4dtku9xZ07PzTcECyooKNvzu76bH-DfaR52xptS9_KvzGo6qugNdNkxPPFZhubxRuCsvKNiBDYlufiRqzi9erg_q1gJk1Vs6NOgRjfpozUbXPEExz4sGlQQfEI2CphaxdLvoZEQRO-ug/s1600/37_Ausstellung_EntarteteKunst_DadaWand.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4dtku9xZ07PzTcECyooKNvzu76bH-DfaR52xptS9_KvzGo6qugNdNkxPPFZhubxRuCsvKNiBDYlufiRqzi9erg_q1gJk1Vs6NOgRjfpozUbXPEExz4sGlQQfEI2CphaxdLvoZEQRO-ug/s1600/37_Ausstellung_EntarteteKunst_DadaWand.jpg" height="394" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Allestimento di una delle sale della mostra sull'arte degenerata tenutasi a Monaco nel 1937.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA3IuII6vXVW_5uNPdmK2LnCOELA8jTh6_aXsAD-d547xSm5BgnSzVwQKWn5v8i7HgszwT1gNg8qtXbepGjPJfZ9fbXv0y_d-w4ZM7XZRthmtB_4w5J3vwTyOLyRyKxYzhR2BaFupKx0o/s1600/Madonna+di+bruges_michelangelo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA3IuII6vXVW_5uNPdmK2LnCOELA8jTh6_aXsAD-d547xSm5BgnSzVwQKWn5v8i7HgszwT1gNg8qtXbepGjPJfZ9fbXv0y_d-w4ZM7XZRthmtB_4w5J3vwTyOLyRyKxYzhR2BaFupKx0o/s1600/Madonna+di+bruges_michelangelo.jpg" height="200" width="120" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Michelangelo, <br />Madonna di Bruges, <br />1503 – 1505,
marmo, <br />Chiesa di Nostra Signora, <br />Bruges</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">O ancora come nel caso
del trafugamento delle opere dai musei delle città conquistate volta per volta
dall’esercito tedesco, opere che, vittime di una vera e propria requisizione,
furono imballate e inviate nelle miniere di alcune cittadine tedesche per
essere esposte nel grande museo di arte che Hitler avrebbe voluto creare a Linz
una volta finita la guerra. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra queste
configuravano opere provenienti dal Louvre e dai musei francesi e italiani,
dalle cattedrali belga, olandesi e francesi; opere del calibro della <i style="font-weight: bold;">Madonna di
Bruges </i>di<i style="font-weight: bold;"> </i><span style="font-weight: bold;">Michelangelo</span>, trafugata nel 1944 dalla Chiesa di Nostra Signora
presso la città fiamminga e del <b><i>Trittico dell’Agnello Mistico</i></b> – altrimenti<b><i> Pala
di Gand</i></b> – di <b>Jan Van Eyck</b>, inviata preventivamente al Vaticano dai sacerdoti
della cattedrale per evitare che finisse nelle mani dei nazisti, ma
intercettata e trafugata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjfMk7Vm_ktmXhhWD124lBiRB4TTNDyw1yqAklv6bYiQFGuPD_xvCByYLjml5nIHMt34CWYXMlHsCib67i05njtrXXkNRXn96q9DG3CYo7hVp7Ybzvv1LPqEP6rCjZbimEWxItmkBzhzs/s1600/pala+di+gand+di+Van+Eyck.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjfMk7Vm_ktmXhhWD124lBiRB4TTNDyw1yqAklv6bYiQFGuPD_xvCByYLjml5nIHMt34CWYXMlHsCib67i05njtrXXkNRXn96q9DG3CYo7hVp7Ybzvv1LPqEP6rCjZbimEWxItmkBzhzs/s1600/pala+di+gand+di+Van+Eyck.jpg" height="478" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Van Eyck, Trittico dell’Agnello Mistico, 1426
– 1432, olio su tavola, Cattedrale di San Bavone, Gand</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisi0YpbGG8WcEb91-5HecV2wUJWOfnU-LrLv-Z5E09RVwtt1TuJVVGzDGklcq7D9X1vj8nf4vlHkezW4f35V1IF1mdNFOKrkVVdpG_VWLJ1EwQ3TUH2kquPW9QB3-VE4Kjq_Ju3YRc1AI/s1600/Stephen-Kovalyak-George-Stout-and-Thomas-Carr-Howe-transporting-Michelangelos-sculpture-Madonna-and-child-1945-July-9.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisi0YpbGG8WcEb91-5HecV2wUJWOfnU-LrLv-Z5E09RVwtt1TuJVVGzDGklcq7D9X1vj8nf4vlHkezW4f35V1IF1mdNFOKrkVVdpG_VWLJ1EwQ3TUH2kquPW9QB3-VE4Kjq_Ju3YRc1AI/s1600/Stephen-Kovalyak-George-Stout-and-Thomas-Carr-Howe-transporting-Michelangelos-sculpture-Madonna-and-child-1945-July-9.jpg" height="218" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Stephen Kovalyak,
George Stout e Thomas Carr Howe </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">mettono in salvo la Madonna di Bruges di Michelangelo</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">rinvenuta presso una miniera tedesca nel 1945.</span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Opere che sono le
protagoniste del film del 2014 <b>Monuments Men</b>, basato su una storia vera,
secondo cui una troupe di storici dell’arte, direttori di musei, architetti e
collezionisti anglo- franco-americani provvide negli ultimi anni della guerra a
cercare, salvaguardare, catalogare e riconsegnare tutte le opere depredate dai
nazisti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente essendo
alquanto veritiero, il film racconta anche l’orrore derivante dalla bolla
emanata da Hitler di distruggere qualunque cosa sopravvivesse alla sua morte:
infrastrutture, armamenti e non meno opere d’arte. Cosa che effettivamente fu
eseguita dai plotoni nazisti a guerra quasi ultimata, che con la loro decisione
condannarono migliaia di opere d’arte all’oblio e al mancato godimento di un
pubblico futuro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis22p5Zotv8MftcG_73lb-J0wjdIDhSvEif5EVOz_EOKxyirtr45htcmOFzyBM1D77SqmMqHc4lqoz6oQwiBoOrMAbfjTGrqb9YNxXD9nTJ8pLglHTZhVa3OmCiHKA0bT_UsxQLDflSzM/s1600/image-454216-breitwandaufmacher-uony.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis22p5Zotv8MftcG_73lb-J0wjdIDhSvEif5EVOz_EOKxyirtr45htcmOFzyBM1D77SqmMqHc4lqoz6oQwiBoOrMAbfjTGrqb9YNxXD9nTJ8pLglHTZhVa3OmCiHKA0bT_UsxQLDflSzM/s1600/image-454216-breitwandaufmacher-uony.jpg" height="238" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Soldato americano osserva alcune opere trafugate dai nazisti</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Piccolo caso
emblematico del film è dato dall’appicco del fuoco su un’opera ritenuta di<b>
Raffaello</b>, il <b><i>Ritratto di Giovane Uomo</i></b> (che taluni studiosi credono essere un
suo autoritratto giovanile), depredato dai nazisti durante l’invasione della
Polonia nel 1939, dal Museo Czartoryski di Cracovia assieme alla <b><i>Dama con l’ermellino
</i></b>di <b>Leonardo</b>, seconda di un “dittico” acquistato dai conti Czartorysky nel 1798
per la propria collezione. Quest’ultima oggi è sita nel Castello Wawel, dopo
esser stata ritrovata in una miniera di sale, godendo per l’appunto di una
sorte migliore rispetto al primo dipinto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4Zq_5lrVD-CPHYbcuPNUQ5M3OAYJWyR0h-miRlf1UF_uBIJoR4GvHk2W-1HTIATB4afKnTOsCRt3sjtkIhoUVclciD8cw4ATnPX2mQ8L5bu7OqlLWr_XQTc604Dgj2Ca98ZeWSbr5Pd0/s1600/-Dama_con+l'ermellino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4Zq_5lrVD-CPHYbcuPNUQ5M3OAYJWyR0h-miRlf1UF_uBIJoR4GvHk2W-1HTIATB4afKnTOsCRt3sjtkIhoUVclciD8cw4ATnPX2mQ8L5bu7OqlLWr_XQTc604Dgj2Ca98ZeWSbr5Pd0/s1600/-Dama_con+l'ermellino.jpg" height="320" width="232" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Leonardo da Vinci, Dama con l’ermellino,<br /> olio su
tavola, 1490, Castello di Wawel, Cracovia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWONqzaAvNHrFud67O9lShhIRiPi4AvA_ewSp3RcytDycwfwNWQGNL9o59_lwPEpsvdptRm7-Uh07MyyFWjnE6ekK3C2W7Rj2o7oGfCNQJXW2R-HCpsaCuGbrkqxYKg7xraSSAR2KCPaw/s1600/ReturnofLadywithanErmine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWONqzaAvNHrFud67O9lShhIRiPi4AvA_ewSp3RcytDycwfwNWQGNL9o59_lwPEpsvdptRm7-Uh07MyyFWjnE6ekK3C2W7Rj2o7oGfCNQJXW2R-HCpsaCuGbrkqxYKg7xraSSAR2KCPaw/s1600/ReturnofLadywithanErmine.jpg" height="226" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">I Monuments Man ripongono la Dama con l’Ermellino
<br />nella cassa, per rispedirla in Polonia, Aprile 1946</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un dipinto che si credeva
perduto sino al luglio del 2012, quando un portavoce dell’Ufficio per la
Restituzione dei Beni Culturali del Ministero polacco degli Affari Esteri ha
dichiarato alla stampa la lieta notizia secondo cui il ritratto sarebbe stato
ritrovato nel bunker di una banca di una Nazione le cui leggi sono favorevoli
alla restituzione, non specificando però di quale stato si tratti;
dichiarazione che quindi renderebbe del tutto fuorviante la vicenda narrata nel
film hollywoodiano.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Ma la notizia apparsa
su tutti i giornali nei primi di agosto dello stesso anno, ancor oggi non ha
avuto un seguito. Ad onor del vero però è molto probabile che, essendo il caso
molto delicato dato che si parla di un dipinto di inestimabile valore, le
trattative per riaverlo in Polonia non siano ancora concluse e che quindi a
riguardo viga il silenzio stampa più assoluto. Di sicuro attendiamo fiduciosi l’evoluzione
della vicenda, sperando che il ritratto dell’artista urbinate torni a brillare
di luce propria nel castello di Wawel accanto alla Dama con l’ermellino, dopo
70 anni di riposo in un bunker.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1hee0ohYPIX-EY28clueMKwbGChXJn9sJLomla9VS2iY2EhbPzr_KQ9pOyUnJI_gR6iw_7uM8yDs1nxLxrfWlXMloZRsUmUGZrLD3Ts82peEk10WNjsFER5Xkq8JBz8-SF8Ksf2Amuc4/s1600/Raphael_missing.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1hee0ohYPIX-EY28clueMKwbGChXJn9sJLomla9VS2iY2EhbPzr_KQ9pOyUnJI_gR6iw_7uM8yDs1nxLxrfWlXMloZRsUmUGZrLD3Ts82peEk10WNjsFER5Xkq8JBz8-SF8Ksf2Amuc4/s1600/Raphael_missing.jpg" height="640" width="514" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Raffaello, Ritratto di giovane, 1516 – 1517,
olio su tavola, già nel Museo Czartoryski, Cracovia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-14228896343689530372015-03-22T12:02:00.000-07:002015-04-24T08:35:47.018-07:00Il cibo e l'arte del mangiare nella storia dell'arte, all'ombra dell'EXPO<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In occasione dell’<b>Expo</b>
che si terrà a <b>Milano</b> dal <b>1 maggio al 31 ottobre 2015</b>, anche <i>Svirgolettate</i> ha
voluto onorare l’evento approfondendo alcune tematiche legate al cibo, in un
post appositamente dedicato. <br />
In fondo l’Italia, esulando da qualsiasi luogo comune, è rinomata in tutto il
mondo proprio per essere un’eccellenza sia nel campo della cucina e del cibo
più in generale, sia in quello dell’arte: due mondi che, quando si incontrano,
danno adito a qualcosa di molto vicino alla perfezione.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicwrEaPFotaMy7MiNT5e7B2DHVKLrptvTvrhUru7IsjpMnFxhy9ry_b53QV3yXmGnAvFZZTaQFqx4ZV9lnEsgCi5XEHydNROFpogCvCbn8nP17OJTUVeldq4JtClgD1xpGxuTdDDSoXjM/s1600/expo2015.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicwrEaPFotaMy7MiNT5e7B2DHVKLrptvTvrhUru7IsjpMnFxhy9ry_b53QV3yXmGnAvFZZTaQFqx4ZV9lnEsgCi5XEHydNROFpogCvCbn8nP17OJTUVeldq4JtClgD1xpGxuTdDDSoXjM/s1600/expo2015.png" height="228" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Logo EXPO MILANO 2015 </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Diverse sono le
tematiche riguardanti il mondo del cibo, nella storia dell’arte: molti artisti
si sono cimentati in più occasioni, dipingendo nature morte, pranzi luculliani
o cene bibliche e neotestamentarie – o scolpendole, si veda ad esempio l’architrave
del portale della Chiesa di San Giovanni Fuorcivitas a Pistoia, in cui <b>Maestro
Gruamonte </b>nel 1166 raffigurò l’<b><i>Ultima Cena</i></b>; – pochi sono invece quelli che
hanno fatto proprio del cibo il loro tratto di riconoscimento, come l’<b>Arcimboldo</b>
verso la fine del XVI secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0EZpR2IGWdl9dcqMNOgmS0Ubb6cCrJ3fRyL7I4swLPIR5H-vofyrGhwLXDnaYuRAlzzMtGeKdQv55q5H9EiA6_HbsjsuwQMnK55jv555RUL0ds8UxynsM9Ftr0X6WjiYf55Rr55Ddla8/s1600/Pistoia+SGiovanni+Foricivitas+ULTIMA+CENA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0EZpR2IGWdl9dcqMNOgmS0Ubb6cCrJ3fRyL7I4swLPIR5H-vofyrGhwLXDnaYuRAlzzMtGeKdQv55q5H9EiA6_HbsjsuwQMnK55jv555RUL0ds8UxynsM9Ftr0X6WjiYf55Rr55Ddla8/s1600/Pistoia+SGiovanni+Foricivitas+ULTIMA+CENA.jpg" height="178" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Maestro Gruamonte, Ultima Cena, 1166, Portale
della Chiesa San Giovanni Fuorcivitas, Pistoia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’artista lombardo, noto
per il suo modo di creare figure assemblando elementi comuni tra loro, usò
infatti proprio alcuni frutti e vegetali per creare alcuni ritratti, dalla
forte connotazione angosciante: l’<b><i>Ortolano</i></b> del 1590, custodito al Museo Civico
Ala Ponzone di Cremona è infatti una tela che ha come soggetto una composizione
di frutta e verdura disposte in una ciotola nera. Ma ruotando la stessa natura
morta di 180°, quel che ne esce è il ritratto di un uomo paffuto, che ha come
cappello la ciotola scura, e come tratti fisiognomici le cipolle in qualità di
gote, la rapa bianca come naso, noce e ghiande come occhi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmWN0He_pGxqCZiEZ8uIA4ywvZT07Tb4_lYeAvxWRwixhEedYetFp9lnzAzIQ4tr4WYGtr51R-4G6EeMPu6Ju5XTnOiw-4rOHTB4Tr79TJDqASWKJYPE73bbk-SJ-3Po41hec9gfZuohQ/s1600/Arcimboldo_l'ortolano%2B-%2BCopia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmWN0He_pGxqCZiEZ8uIA4ywvZT07Tb4_lYeAvxWRwixhEedYetFp9lnzAzIQ4tr4WYGtr51R-4G6EeMPu6Ju5XTnOiw-4rOHTB4Tr79TJDqASWKJYPE73bbk-SJ-3Po41hec9gfZuohQ/s1600/Arcimboldo_l'ortolano%2B-%2BCopia.jpg" height="320" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Arcimboldo, L’ortolano, 1590, olio su tela,
<br />Museo Civico Ala Ponzone, Cremona</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvAORppy8RbQYrZE4cAsVIivoNY0akqDfyPAMyRIcYoP3C7juChsr9gdOc7aNPZotWyOM9sIIfTdQsLYH5aMwFr6lDlHnICeI4NI2fStuZ0n2_MmX9Sc9xIDus4tCEtPfI4zkbbD7n3GU/s1600/Arcimboldo_l'ortolano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvAORppy8RbQYrZE4cAsVIivoNY0akqDfyPAMyRIcYoP3C7juChsr9gdOc7aNPZotWyOM9sIIfTdQsLYH5aMwFr6lDlHnICeI4NI2fStuZ0n2_MmX9Sc9xIDus4tCEtPfI4zkbbD7n3GU/s1600/Arcimboldo_l'ortolano.jpg" height="320" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">G. Arcimboldo, L’ortolano, 1590, olio su tela, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Museo Civico Ala Ponzone, Cremona</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella storia dell’arte,
ad ogni modo, solitamente il cibo è sempre stato raccontato pressappoco
attraverso due grandi punti di vista: la rappresentazione - dal vero o figurata
- degli alimenti e il rapporto dell’uomo con esso. Un rapporto non solo di dipendenza,
ma proprio di necessità impellente, perché proprio il cibo è linfa vitale sin
dalla nascita di ogni essere umano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il latte che
scaturisce dal seno della mamma nella bocca del bambino infatti, non solo è
simbolo di legame tra genitore e figlio, ma risulta anche essere elemento di
continuità tra le due figure: un passaggio di testimone dell’amore materno
verso il figlio, un dono naturale portatore di vita. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Le madonne del latte,
soggetti raccontati in più riprese dagli artisti di tutti i tempi, ben
testimoniano questo legame non solo sacro, ma proprio affettivo tra la Vergine
e il Salvatore, che prima di tutto sono mamma e figlio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Molto espressiva è a
tal punto la scultura in marmo dipinto della <b><i>Madonna del latte</i></b> di <b>Nino Pisano</b>,
scultura della metà del XIV secolo, conservata presso il Museo Nazionale di San
Matteo a Pisa: il Bambino, cullato dalle
amorevoli braccia della mamma, si aggrappa con le due mani al seno della donna,
tirandole il capezzolo con la bocca per poter bere il suo latte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una visione tanto
realistica quanto audace quella del Pisano, che non si riflette per esempio nel
dipinto di <b>Marco Zoppo</b>, in cui il Bambino si fionda sulla tetta della mamma
girata di tre quarti, nascondendole il capezzolo ma lasciando visibile il seno,
così da rendere l’idea dell’abbeveramento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUqlaA7v7T_dIUOKe6WVooIGhK15FumhJG2CsR9d68rR5z_gJnHg_YsW6VW358_95D6jcxgR4kkTDYgKtuqXVIpivnSTs0RpiTWSWAM0hWNBQHsNC6Y8rTS854_sYwCZYo4aLordFzW-U/s1600/madonna+del+latte+pisano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUqlaA7v7T_dIUOKe6WVooIGhK15FumhJG2CsR9d68rR5z_gJnHg_YsW6VW358_95D6jcxgR4kkTDYgKtuqXVIpivnSTs0RpiTWSWAM0hWNBQHsNC6Y8rTS854_sYwCZYo4aLordFzW-U/s1600/madonna+del+latte+pisano.jpg" height="320" width="221" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">N. Pisano, Madonna del latte, <br />1347 – 1348, marmo dipinto, <br />Museo Nazionale di San Matteo,
Pisa</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnPjPme3I1_SD835yfxKA02erNvGbgZJwTEe4kciXr0We6GWeYweVa4BNc7PIEUFRCwxgFMky8mvRecBdAZ9jRd-ZRgyDwTNXalvHeZo38UUC4QoMBZpwvS1Mk_zBZtEqTJbic65O9IDI/s1600/Marco_zoppo,_madonna_col_bambino,_louvre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnPjPme3I1_SD835yfxKA02erNvGbgZJwTEe4kciXr0We6GWeYweVa4BNc7PIEUFRCwxgFMky8mvRecBdAZ9jRd-ZRgyDwTNXalvHeZo38UUC4QoMBZpwvS1Mk_zBZtEqTJbic65O9IDI/s1600/Marco_zoppo,_madonna_col_bambino,_louvre.jpg" height="320" width="260" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Zoppo, Madonna del latte, <br />1453 – 1455, olio
su tavola (poi su tela),<br /> Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ2Tz0410mLdZrchq2PP40M6br2P6EpICVkQPyG75NtfDeYMQhObsZorTMtyDR2kJupuCclMTpCToZTeoxm8UKxyVFqx0_Cm3B0xIIBkFpbcs6LLn1vmCvePzKM40QK1kZsXp7u7V8j7c/s1600/Carracci+il+mangiafagioli.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ2Tz0410mLdZrchq2PP40M6br2P6EpICVkQPyG75NtfDeYMQhObsZorTMtyDR2kJupuCclMTpCToZTeoxm8UKxyVFqx0_Cm3B0xIIBkFpbcs6LLn1vmCvePzKM40QK1kZsXp7u7V8j7c/s1600/Carracci+il+mangiafagioli.jpeg" height="266" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Carracci, Il
mangiafagioli, 1584, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">olio su tela, Galleria Colonna, Roma. </span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una necessità che, con
l’avanzamento dell’età, connubia con l’abitudine, trasformando quello che è il
bisogno utile alla sopravvivenza, in un vero e proprio rito, molto spesso di
piacere. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">È quanto appare in
generale nei dipinti che illustrano il momento in cui l’uomo incontra il cibo;
un momento di sollievo e appagamento, come nel caso de’ <b><i>Il mangiafagioli </i></b>di
<b>Annibale Carracci</b>, nella cui tela si intravede tutta la foga del contadinotto
che si appresta a trangugiare la sua zuppa di legumi con voracità, evidente
nella bocca spalancata pronta a ricevere la cucchiaiata sbrodolante, e nella
presa ferma del panino con la mano sinistra.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj7OZYvapy9q2m87U0xhOdvMQkseBoIAP1EvPk2nFp-aU4Eu1q6ERaDv6ytHYl9XHJf7zTkMjxtmP5i3rMeR-TxTK_x_Y-POj4P-m79403mz1EiAaljLhpK_JLEpycCxp8Fb_jBSoohQo/s1600/Tavern+Scene,+Diego+Vel%C3%A1zquez+Oil+on+canvas+108.5+x+102cm,+Ca.+1617.+The+State+Hermitage+Museum,+St.+Peterburg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj7OZYvapy9q2m87U0xhOdvMQkseBoIAP1EvPk2nFp-aU4Eu1q6ERaDv6ytHYl9XHJf7zTkMjxtmP5i3rMeR-TxTK_x_Y-POj4P-m79403mz1EiAaljLhpK_JLEpycCxp8Fb_jBSoohQo/s1600/Tavern+Scene,+Diego+Vel%C3%A1zquez+Oil+on+canvas+108.5+x+102cm,+Ca.+1617.+The+State+Hermitage+Museum,+St.+Peterburg.jpg" height="200" width="187" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Velázquez, Scena di una taverna,<br /> 1617, olio
su tela, Ermitage<br /> Museum, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quando poi il singolo
elemento incontra la comunità, il piacere di mangiare diventa condivisione. Una
condivisione sociale quando avviene negli spazi adibiti alla consumazione del
cibo come osterie, ristoranti e taverne. Luoghi che, molto spesso, si
dimostrano essere la culla della vita del paese, aprendo a nuovi incontri e
piacevoli conversazioni come nel caso della <b><i>Scena di una taverna </i></b>di <b>Diego
Velazquez</b>, o fomentando discussioni e vere e proprie prese di posizione come nella
divertente tela di <b>Jan Steen</b> <b><i>Litigio per delle scommesse</i></b>, nella cui taverna
tipica dei paesi nordici, un gruppo di persone inizia a litigare in seguito
alla vincita al gioco di alcuni a discapito di altri. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyNwQb0TiF3NZ-tp48WGshI8iWX4l7tYoHH2isGvC33XdPbMpn257GFyXWKH59x3OELCBEWTHlQo4jk0zqieGpNm1xfPW8M_pkCP_trQOyoj1i_mPoaFkM9Z2SY6sD4sWp3TDfEQlLvSI/s1600/Havicksz_Gamblers_Quarreling_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyNwQb0TiF3NZ-tp48WGshI8iWX4l7tYoHH2isGvC33XdPbMpn257GFyXWKH59x3OELCBEWTHlQo4jk0zqieGpNm1xfPW8M_pkCP_trQOyoj1i_mPoaFkM9Z2SY6sD4sWp3TDfEQlLvSI/s1600/Havicksz_Gamblers_Quarreling_.jpg" height="504" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Steen, Litigio per delle scommesse, 1665,
olio su tela, Art Institute of Detroit, Detroit</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Non manca poi il tocco
di classe, che arriva quando la tavola imbandita, il clima che si respira, i
personaggi al tavolo e tutto il contesto, trasudano la tipicità di un luogo
particolare. Un caso su tutti è la tela di <b>Carl Heinrich Bloch</b>, che illustra il
convivio di tre ragazzi <i style="font-weight: bold;">in un’osteria romana</i>: gli abiti tradizionali dei tre
giovani, lo sguardo seducente e ammiccante delle due fanciulle, in contrasto
con quello intriso di gelosia e scontroso del giovanotto baffuto, la bottiglia
di vetro contenente del vino rosso, i panini spezzati, l’insalata nel piatto
centrale, il coltello nella tasca del pantalone di lui, il modo di tenere le
posate della ragazza a sinistra, il modo di tener il bicchiere di quella a
destra, sono indizi che riconducono ad un unico comune denominatore, la loro
italianità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgrrgka5DMNnegFVqEYAmwc1XjjW-STgTYAip3vDa1r3jZMGSoB_iLj6VteWz33HWbInShwuEeTEPwMypM-Uc7HPbNFmdHlIh0vGkIv4d0JBGovh6di_GqdiFUHl5Y4NDEnyMxgaFj0WU/s1600/In_a_Roman_Osteria_by_Carl_Bloch_-_Statens_Museum_for_Kunst_-_.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgrrgka5DMNnegFVqEYAmwc1XjjW-STgTYAip3vDa1r3jZMGSoB_iLj6VteWz33HWbInShwuEeTEPwMypM-Uc7HPbNFmdHlIh0vGkIv4d0JBGovh6di_GqdiFUHl5Y4NDEnyMxgaFj0WU/s1600/In_a_Roman_Osteria_by_Carl_Bloch_-_Statens_Museum_for_Kunst_-_.JPG" height="516" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">C. H. Bloch, In un’osteria romana, 1866, olio su
tela, Statens Museum for Kunst, Copenhagen</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPAs7OWK7AwgeEWaPeZicWAocc9IO9apvW8PQvoFCwh42-MfGvvEX-vakSUqCDTW2v0ekTX3Me-L6j4OayZHlcHhcWGQJB5QZs6BVI_M-S_Nw4lVloexXPCbxXGk5mJHbG0Q1SO4JGuCE/s1600/De+Nittis+Pranzo+a+Posillipo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPAs7OWK7AwgeEWaPeZicWAocc9IO9apvW8PQvoFCwh42-MfGvvEX-vakSUqCDTW2v0ekTX3Me-L6j4OayZHlcHhcWGQJB5QZs6BVI_M-S_Nw4lVloexXPCbxXGk5mJHbG0Q1SO4JGuCE/s1600/De+Nittis+Pranzo+a+Posillipo.jpg" height="192" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giuseppe De Nittis,
Colazione a Posillipo, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1883, olio su tela, Galleria d'Arte Moderna, Milano </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un’idea che negli
stessi decenni si respira anche in una tela di un artista meridionale, il
barlettano <b>Giuseppe De Nittis</b>, che nel 1883 dipinge un momento privato vissuto
a Napoli con sua moglie ed alcuni amici. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il dipinto immortala una
<b><i>colazione a Posillipo</i></b>, avvenuta nel noto quartiere napoletano. La tavola è imbandita
delle stoviglie, dei flute di spumante e di un rigoglioso bouquet di fiori
rossi e bianchi, ma non vi è ancora nessuna traccia di cibo nei piatti che
appaiono vuoti, il che lascia presagire che la colazione debba ancora avvenire.
Sullo sfondo intanto, a rendere più magica l’atmosfera ci pensa l’avvento dell’alba,
mentre il tocco caratteristico viene dato dai chitarristi neomelodici sulla
destra. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDmTUVY2uc3o6aghyphenhyphenyqoQ-YdFqwmXc9iokRpkqR8RIZoiJc52-AkkYCdAM3YdQlPNwB2zUP-Tn98E-HzDvAYAd8LUFv0nIj25mo1iRSrKTaSiYN7y6BqlXMFKPtKiW2HsLFjD58qeMkWI/s1600/%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l'herbe.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDmTUVY2uc3o6aghyphenhyphenyqoQ-YdFqwmXc9iokRpkqR8RIZoiJc52-AkkYCdAM3YdQlPNwB2zUP-Tn98E-HzDvAYAd8LUFv0nIj25mo1iRSrKTaSiYN7y6BqlXMFKPtKiW2HsLFjD58qeMkWI/s1600/%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l'herbe.jpg" height="252" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Manet, Colazione
sull’erba, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1863, olio su tela, Musèe d’Orsay, Parigi.</span></span><span style="background: lime; mso-highlight: lime;"><o:p></o:p></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una colazione che
senza dubbi viene molto citata nelle lezioni di storia dell’arte, perché punto
cardine della corrente impressionista, è <b><i>La colazione sull’erba</i></b> di <b>Edouard Manet</b>.
La tela, che destò molto scalpore perché in qualche modo sembrava sbeffeggiare
l’idea di arte quale materia nobile, attraverso
l’utilizzo di colori contrastanti tra loro e dell’introduzione di un soggetto
diseducativo quale una donna nuda tra giovani borghesi, dal punto di vista che
interessa l’argomento di questo post, raffigura tre giovani ragazzi che hanno
appena ultimato la loro colazione, di cui rimangono resti di pane e frutta, su
un panno azzurro ed in un cesto di vimini in primo piano sulla sinistra,
secondo un’impostazione copiata da un’incisione di Raimondi del Giudizio di
Paride di Raffaello. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT6iutQ_GxyoKn2EGpwWs7SQIr1xNXA1ATtQCiuWC_9A0PvcacqmYbOYOtmifpUMb-iEF26VYI5LHFI2vzwVUPu9esI-15rPNIvVjN-Pq86wcvmREuV_hGPgmkbMlKJ92-xI4AHWoIFe0/s1600/il+pranzo+monet.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT6iutQ_GxyoKn2EGpwWs7SQIr1xNXA1ATtQCiuWC_9A0PvcacqmYbOYOtmifpUMb-iEF26VYI5LHFI2vzwVUPu9esI-15rPNIvVjN-Pq86wcvmREuV_hGPgmkbMlKJ92-xI4AHWoIFe0/s1600/il+pranzo+monet.jpg" height="400" width="251" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">C. Monet, Il pranzo, 1868, olio su
tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Städelsches Kunstinstitut, Francoforte</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Colazioni molto
lontane dall’idea tipicamente italiana del latte con biscotti e dolcetti di
ogni tipo, molto più tendente alla visione nordica di piatti cucinati e ricchi
di proteine e carboidrati, accompagnati con frutta di stagione. Quella che
appare nella tela di un <b>Henri Matisse </b>ancora molto giovane e accademico,
raffigurante una<b><i> tavola imbandita</i></b>. Il dipinto del 1896, dal chiaro tocco
impressionista, apre infatti ad una tavola ricca di alzatine piene dei più variegati
frutti freschi, accompagnati da alcune pagnottelle. È evidente nel dipinto però
come, il chiaro intento del pittore francese non fosse quello di documentare le
pietanze tipiche della colazione (o pranzo) in questione, ma quello di
dimostrare la sua maestria nella resa dell’effetto vitreo di bottiglie e
bicchieri, che paiono riflettere la luce del giorno proveniente dalle diverse
aperture della stanza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche l’intento di
<b>Claude Monet</b> ne’ <b><i>Il pranzo</i></b> non è di certo quello di documentare le pietanze
consumate dai suoi familiari seduti a tavola, bensì quello di raccontare un
momento di vita privato; ciò nonostante però è lodevole l’accuratezza con cui
il pittore si appropinquia al cibo in tavola: due uova fresche sul piatto di
cui uno nel portauovo, pagnotte di pane di grano, uva a grappoli, un vasetto di marmellata coperta da un panno, un piatto
centrale con la pietanza del giorno, l’oliera e l’acetiera, la bottiglia del
vino rosso. Tutti elementi che connotano non solo la qualità del pranzo del
pittore ma anche il suo stile di vita medio borghese. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8LbZluA-tXPZWVNZCIu7yA9Yd9THE82W6cFhsugwGJDQyqK1TT1jm4q9bVd00j0fuFWOIdSzfqYHf_ZVRU0RShyphenhyphenvhQd8J6WAsqWvbASvNFmXAIjztneB77XwSn2ZFteydBxDhg_5PDyo/s1600/1896_henri_matisse_la_tavola_imbandita.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8LbZluA-tXPZWVNZCIu7yA9Yd9THE82W6cFhsugwGJDQyqK1TT1jm4q9bVd00j0fuFWOIdSzfqYHf_ZVRU0RShyphenhyphenvhQd8J6WAsqWvbASvNFmXAIjztneB77XwSn2ZFteydBxDhg_5PDyo/s1600/1896_henri_matisse_la_tavola_imbandita.jpg" height="466" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Matisse, La tavola imbandita, 1896, olio su
tela, Stavros S. Niarcos Foundation, Atene</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBthqclknjNNh5HI4B_03hqq1hJbHN6asJ2UKYbYeKhtITyewqC6baBW3V87S4t6ujKsA2cIos2AmugOQzX_HyM-Z2M8BmT-2UAdaeWUMvuPwDVI3bmldKYXH-JnunzlHNMOyVst1UqJk/s1600/un-dopo-pranzo-alla-pergola.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBthqclknjNNh5HI4B_03hqq1hJbHN6asJ2UKYbYeKhtITyewqC6baBW3V87S4t6ujKsA2cIos2AmugOQzX_HyM-Z2M8BmT-2UAdaeWUMvuPwDVI3bmldKYXH-JnunzlHNMOyVst1UqJk/s1600/un-dopo-pranzo-alla-pergola.jpg" height="320" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Lega, Un dopopranzo alla pergola, 1868, olio
su tela, <br />Pinacoteca di Brera, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E nel racconto delle
diverse fasi giornaliere dell’incontro tra uomo e cibo, dopo il pranzo
sopraggiunge il dopopranzo, quel momento in cui avviene la digestione, con l’aiuto
del caffè o del digestivo secondo la buona tradizione mediterranea. Nel <b><i>un
dopopranzo alla pergola</i></b>, il dipinto di <b>Silvestro Lega</b> custodito alla Pinacoteca
di Brera a Milano, si respira tutta l’aria della primavera mediterranea: la
presenza di un’atmosfera soleggiata ma non invasiva, l’ombreggiatura data dal
pergolato e il prato in fiore, sono degli ottimi coadiuvanti al caffè portato
sul vassoio dalla serva. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi77Tp7EFBm3bN5CfX6P9uhKdA5X1Lrg5x7_vn17borA7hEO-bY9a-1O23Tn_fLD0hktZ7C-XFaED5Tanv61Zr2KbWdMwjEdP7cYKaUHD5IVMLjqZYAiJxkvqLTD3C_WQRGfqG0mFCNGQU/s1600/Leonardo_da_Vinci_-_ultima+cena.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi77Tp7EFBm3bN5CfX6P9uhKdA5X1Lrg5x7_vn17borA7hEO-bY9a-1O23Tn_fLD0hktZ7C-XFaED5Tanv61Zr2KbWdMwjEdP7cYKaUHD5IVMLjqZYAiJxkvqLTD3C_WQRGfqG0mFCNGQU/s1600/Leonardo_da_Vinci_-_ultima+cena.jpg" height="174" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Leonardo da Vinci,
Ultima Cena, 1494 – 1498, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">tempera grassa su intonaco, Refettorio</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> Santa Maria
delle Grazie, Milano.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente così come
la colazione ed il pranzo, anche la cena viene raffigurata sovente dagli
artisti nel corso dei secoli. Ne sono chiare dimostrazioni gli innumerevoli dipinti
raffiguranti l’Ultima cena o la Cena in Emmaus, due degli episodi
neotestamentari più conosciuti dal popolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno degli esempi più
lampanti di quanto detto è proprio il <b><i>Cenacolo</i></b> <b><i>leonardesco</i></b> sito nel Refettorio
di Santa Maria delle Grazie, che sarà sicuramente uno dei punti di forza della
città di Milano in pieno Expo: un’opera conosciuta al mondo per la drammaticità
derivante dalla disgregazione dovuta all’inefficacia della tecnica pittorica adoperata
dal grande maestro, che volle sperimentare la tempera grassa sull’intonaco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra le raffigurazioni
dell’<b><i>Ultima Cena</i></b> più riuscite vi è però senza dubbi quella di <b>Alessandro
Allori</b>, attualmente all’Accademia Carrara di Bergamo, olio su tela del 1582. La
tavola imbandita dove cenano Cristo e i discepoli è un tripudio di prelibatezze
di campagna e di mare: olive, frutti di mare, limoni, pere, pane; tutto è
pronto per la grande celebrazione di cui protagonista è il piatto centrale
gigantesco che contiene il pane spezzato con cui Gesù farà l’eucarestia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una rappresentazione
notevole quella dell’Allori, che non si discosta molto da quella presente sulle
pareti interne della Basilica di Santa Maria Maggiore sempre a Bergamo, opera
trecentesca di una maestranza locale, forse riscontrabile in <b>Pacino da Nova</b>,
luculliana nelle portate, magniloquente nella dislocazione dei soggetti che
avvolgono la lunga tavolata, lasciando però l’apertura adeguata a rendere la
scena di stampo teatrale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5HadNWekpZH2CNc9JvoEb9Hsv1NUGAdWVRUW5QFybRKubRjNSjFeYJKgjh8NeBggHCKnAHhywkMkOGiD_ExNTfweqpHGTnniRwvSx_G3wFiFy7yeOXNzHd4H4tecoH3UgFA3bWMffexI/s1600/Alessandro+Allori,+Ultima+Cena,olio+su+tela,.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5HadNWekpZH2CNc9JvoEb9Hsv1NUGAdWVRUW5QFybRKubRjNSjFeYJKgjh8NeBggHCKnAHhywkMkOGiD_ExNTfweqpHGTnniRwvSx_G3wFiFy7yeOXNzHd4H4tecoH3UgFA3bWMffexI/s1600/Alessandro+Allori,+Ultima+Cena,olio+su+tela,.jpg" height="182" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Allori, Ultima Cena, 1582, olio su tela, Accademia
Carrara, Bergamo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBCHnnQNHw4lB_mTTG5Amp9BiYsBu07AcKqyonVDNx6puJg24DMT9y7dGfYA0NY5X6e2wZINDZFYaGiEBhLTpeG-LNbOMgPN9TgV6QnXJrgWdOGN4Jjzn317q1uk9BwyeyhY80vsSugFU/s1600/ultima+cena+bergamo+santa+maria+maggiore.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBCHnnQNHw4lB_mTTG5Amp9BiYsBu07AcKqyonVDNx6puJg24DMT9y7dGfYA0NY5X6e2wZINDZFYaGiEBhLTpeG-LNbOMgPN9TgV6QnXJrgWdOGN4Jjzn317q1uk9BwyeyhY80vsSugFU/s1600/ultima+cena+bergamo+santa+maria+maggiore.jpg" height="170" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Pacino da Nova (?), Ultima Cena, 1375 – 1390,
affresco, Basilica di Santa Maria Maggiore, Bergamo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nulla a che vedere con
la <b><i>Cena in Emmaus</i></b> sita alla National Gallery di Londra che il <b>Caravaggio</b> dipinse
circa vent’anni dopo: quella del pittore lombardo è una cena più intima, meno
studiata perché meno studiate sono le pose dei personaggi, più dinamica perché gli
sguardi vengono attratti dalle mani di Gesù e del discepolo esterrefatto alla
sua sinistra, piuttosto che dalle pietanze sul tavolo. Pietanze tra le quali, campeggia
la canestra di vimini dipinta dal pittore un paio di anni prima.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8JQ_pIZExBCgQ0eh4R7fAXOuDSXvbzuHMRro1EeFLJaFJU4rMjYnUy0mEc6SZvACAtwDNgLKQ-XtElXe8mP8JMQokhbMBwKz50kIYuhUO0yCIlDoDWRM92sNHuYs3m2L-BaU1_mRy_YM/s1600/-Caravaggio_-_Cena_in_Emmaus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8JQ_pIZExBCgQ0eh4R7fAXOuDSXvbzuHMRro1EeFLJaFJU4rMjYnUy0mEc6SZvACAtwDNgLKQ-XtElXe8mP8JMQokhbMBwKz50kIYuhUO0yCIlDoDWRM92sNHuYs3m2L-BaU1_mRy_YM/s1600/-Caravaggio_-_Cena_in_Emmaus.jpg" height="532" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, Cena in Emmaus, 1601 – 1602, olio su
tela, National Gallery, Londra</span></span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-align: justify;"> </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9GmNfJOi8xWURyET6KKmCHK_MRIfnoZC7NzKmAZczCk9h8kO5RL-SK-nxKbqbpYcMYc63VaNUnFcM0PnPqfF5Lpqj93LczXmV1smJYOI3FvRvGDoI-fFNulDckTOgSzpTUb2ESppRzLw/s1600/Canestra_di_frutta_(Caravaggio).jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9GmNfJOi8xWURyET6KKmCHK_MRIfnoZC7NzKmAZczCk9h8kO5RL-SK-nxKbqbpYcMYc63VaNUnFcM0PnPqfF5Lpqj93LczXmV1smJYOI3FvRvGDoI-fFNulDckTOgSzpTUb2ESppRzLw/s1600/Canestra_di_frutta_(Caravaggio).jpg" height="253" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, La canestra di frutta, 1599, <br />olio su
tela, Pinacoteca Ambrosiana, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ed è proprio la <b><i>Canestra
di frutta</i></b> del Caravaggio, che ci conduce al secondo blocco argomentativo
riguardante il modo in cui è stato raccontato il cibo nella storia dell’arte:
la raffigurazione del cibo quale soggetto protagonista di un’opera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In realtà non c’è
molto da dire a riguardo, dato che sino all’avvento dell’arte contemporanea il
cibo è quasi sempre stato raffigurato in maniera verosimile e inteso nel pieno
dell’importanza ad esso relegato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente la
Canestra di frutta del 1599 simboleggia un vero e proprio punto di rottura con
il passato e, quindi, un punto di inizio per quella che sarà la concezione
della natura morta quale protagonista unica di un’opera d’arte. Prima di allora
infatti nessun artista si era dilettato nella raffigurazione di una natura
morta a discapito di paesaggi o soggetti mitologici e religiosi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma la Canestra di
frutta del Caravaggio non è solo questo, è anche una spugna di riconduzioni
simboliche e iconografiche: da un lato è evidente il richiamo alla Vanitas, della
caducità della vita attraverso la resa di frutti colpiti da malattie e insetti,
dall’altro i diversi frutti presenti sono un richiamo alla Passione di Cristo,
come ad esempio l’uva da cui si ottiene il vino o la mela simbolo di salvezza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcJY2urE9PsIPexkvraoDN9elGMDi5ugW0pwlpN4XIlMLcsE0GADgEkc2IuEiwb0YUsM5Ue6D4YlueeijH5mC-MLTO1zYZalDBGV92V7V0hlQi_samZVqRcxCEIAxUSuXD9EBy403R8YQ/s1600/-Paul_C%C3%A9zanne_natura+morta+con+mele+e+arance.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcJY2urE9PsIPexkvraoDN9elGMDi5ugW0pwlpN4XIlMLcsE0GADgEkc2IuEiwb0YUsM5Ue6D4YlueeijH5mC-MLTO1zYZalDBGV92V7V0hlQi_samZVqRcxCEIAxUSuXD9EBy403R8YQ/s1600/-Paul_C%C3%A9zanne_natura+morta+con+mele+e+arance.jpg" height="247" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Cezanne, Natura morta con mele e arance, <br />1899,
olio su tela, Musèe d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tre secoli più tardi
anche le nature morte di <b>Paul Cezanne</b> saranno connotate da un significato
tecnico stilistico più che raffigurativo. Infatti le sue sei composizioni
aventi per protagoniste frutti per lo più invernali, dipinte nel 1899 - una su
tutte la <b><i>Natura morta con mele ed arance</i></b> – sono un modo concreto per ritornare
all’idea di composizione fiamminga del XVII secolo, mantenendo però una nuova
concezione plastica e dinamica d’insieme dato dalle arance sferiche e dalle
mele piene e caratterizzate dalle mille sfaccettature cromatiche, che ben fanno
da contrasto al panno bianco che a sua volta fa da contrasto al panno violaceo
sullo sfondo, aprendo a quello che sarà il suo stile fatto di volumi e cromie
contrapposte tra loro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAE_1JfmVfaqWV_so560wRwTXVRUJxPI6-bGEkrhb9NiQiBIOXEN1Q_TWeFtKYo250f2UfrJB62NeYz9EpvB-eZ9G7akE6CzNUqOTHuJgUUVN8QTLYF1xDPDgl0Anu_c5xZczinDqSMQs/s1600/Warhol.-Soup-Cans-.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAE_1JfmVfaqWV_so560wRwTXVRUJxPI6-bGEkrhb9NiQiBIOXEN1Q_TWeFtKYo250f2UfrJB62NeYz9EpvB-eZ9G7akE6CzNUqOTHuJgUUVN8QTLYF1xDPDgl0Anu_c5xZczinDqSMQs/s1600/Warhol.-Soup-Cans-.jpg" height="199" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Warhol, Campbell’s soup cans, 1962, <br />pittura
polimerica sintetica su tela, MoMA, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Saltando di qualche
decennio, negli anni ’60 del Novecento, il cibo viene investito di una nuova
etichetta più filosofica, divenendo ambasciatore di una visione dissacratoria
dell’arte. È quanto fa <b>Andy Warhol</b> nel considerare la minestra in scatola come
bandiera del nuovo modo di concepire l’arte. Agli inizi del nuovo decennio rivoluzionario
infatti, l’artista americano riprodurrà stampe, disegni e dipinti seriali della
<b><i>Campbell’s soup</i></b>, una minestra preconfezionata distribuita nei supermarket
oltreoceano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXFxdmyqNF1JjJbFhdSpOD3tksC8KbtxvbEiV_CtNMiL4wh1k1dQ15kXuG25zm4tOfzIwhUX8vLjJnA-9n_eH9QJSdbYIYEBOOxP6Uu3Ko5N3HK1JDeZZNn_DywLEUEKyDVFvLa7gBaOo/s1600/merda+d'artista.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXFxdmyqNF1JjJbFhdSpOD3tksC8KbtxvbEiV_CtNMiL4wh1k1dQ15kXuG25zm4tOfzIwhUX8vLjJnA-9n_eH9QJSdbYIYEBOOxP6Uu3Ko5N3HK1JDeZZNn_DywLEUEKyDVFvLa7gBaOo/s1600/merda+d'artista.jpg" height="278" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Manzoni, Merda d'artista (47), 1961,
<br />Scatoletta di latta e carta stampata,<br /> collezione Codognato, Venezia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’intento di Warhol
ovviamente non tende a riguardare la sfera estetica dell’opera in questione, - limitandosi
a riprodurre una mera e sciapa scatoletta, - ma è quello di spingere il fruitore
a considerare la nuova società a cui l’arte stessa si riferisce, una società
ormai così omologata ed omogenea che, appunto, in barba a qualunque convenzione
sociale, consuma la stessa scatoletta di minestra a prescindere dal ceto
sociale d’appartenenza: un po’ quanto accade quindi pure nell’arte, che Warhol
ripulisce del suo carattere aulico, rendendola riferibile a tutti, indistintamente,
da quel punto in poi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche in Italia, negli
stessi anni, un artista milanese, <b>Piero Manzoni</b>, era alle prese con scatolette
prodotte in modo seriale; scatolette che però non contenevano affatto zuppa di
pomodoro o altri alimenti, bensì le feci dell’artista, sempre secondo una
visione volta a cercare altre visioni dell'arte oltre e quella nobile. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio1_yyShveYvsO27S0O5M6OTfUxYzwHihjMszE2D-I96nwCM-mNPlykgkk727ckQ26V5PUSRJgQJhWjl9VL25DMDgcLFL3RbSrGRvSUQLKIYPeGeSzlMEIYB8VveWqqp6FcOHniFGOAeg/s1600/uovo-con-impronta-1960-.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio1_yyShveYvsO27S0O5M6OTfUxYzwHihjMszE2D-I96nwCM-mNPlykgkk727ckQ26V5PUSRJgQJhWjl9VL25DMDgcLFL3RbSrGRvSUQLKIYPeGeSzlMEIYB8VveWqqp6FcOHniFGOAeg/s1600/uovo-con-impronta-1960-.jpg" height="276" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Manzoni, Consumazione dell'arte dinamica<br /> del
pubblico divorare l'arte - esemplare n. 34, <br />1960, uovo - legno, Collezione
Boschi di Stefano, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Proprio allo stesso, è
ascrivibile nel 1960, la performance <b><i>“Consumazione dell’arte dinamica del
pubblico divorare l’arte”</i></b>, tenutasi a Milano presso la Galleria Azimut,
consistente nell’ingerimento da parte degli spettatori, di uova lesse che l’artista
aveva marchiato con il suo pollice imbevuto di inchiostro: il fine della
performance era quello di dimostrare come, la tangibilità di quell’evento, si
perdesse nell’esatto momento in cui veniva ingerito l’uovo, simbolo concreto
dell’avvenimento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma non solo: l’uovo
ingerito diveniva simbolo di un legame figurato tra artista e fruitore, legame
simboleggiato dall’impronta del pollice marchiata sull’uovo lesso. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente però, con
l’avvento della tecnologia ed il perfezionamento dello stile pittorico
attraverso il matrimonio di questo con la fotografia, è con il fotorealismo che
si è ottenuta un visione del cibo identica nel dettaglio all’originale da cui è
copiato, quasi come se fosse un’istantanea scattata.</span></div>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnwdxfYExA2GTOoyIoLyvy6-uEyCDVB1tXBrNNfMuRVHLb6plpvgyx6KoQGzoU08i03t0vfco2YDmszHtSquSG6qfRb6iX0ZMPr5wdObXSmFzZh_ZHUnkxEZyPBrgG-kLHQvv-deDLBRE/s1600/DONUT-1995-OIL.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnwdxfYExA2GTOoyIoLyvy6-uEyCDVB1tXBrNNfMuRVHLb6plpvgyx6KoQGzoU08i03t0vfco2YDmszHtSquSG6qfRb6iX0ZMPr5wdObXSmFzZh_ZHUnkxEZyPBrgG-kLHQvv-deDLBRE/s1600/DONUT-1995-OIL.jpg" height="273" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: #eeeeee; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">R. Goings, Ciambella, 1995, olio su tela</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno degli esponenti di
questa corrente, <b>Ralph Goings</b>, nelle sue tele ben rende l’accuratezza e la
precisione delle nature morte raffigurate; nature morte che molto spesso
raccontano nel suo caso, il mondo underground delle metropoli americane a
cavallo tra gli anni ’70 e gli ’80, connotati dalle salse ketchup e maionese
sui tavoli delle rosticcerie dei quartieri malfamati e dalle ciambelle
semifredde accanto a volgari caffè spacciati per espresso, nelle anonime tavole
calde dei ghetti più malfidati: realtà geograficamente e qualitativamente molto lontane da quella che molto probabilmente sarà la politica dell'EXPO. <o:p></o:p></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-76570714331994727892015-01-18T10:54:00.000-08:002015-01-18T10:54:36.129-08:00Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ERA / GIUNONE<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggsjgNrSLXcvcDuy8ZNB0NjrgGz7egbT5wzRBTON5P2jO5_ut-C91WsJibZZYQPni5v58WFCuLT5G_Tw_rqZsnkyalEkDTKFOriHubpQ7XLdrYeXdcFf80NQjcROw4VLtAXTWT-2c-3MM/s1600/hera+barberini.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggsjgNrSLXcvcDuy8ZNB0NjrgGz7egbT5wzRBTON5P2jO5_ut-C91WsJibZZYQPni5v58WFCuLT5G_Tw_rqZsnkyalEkDTKFOriHubpQ7XLdrYeXdcFf80NQjcROw4VLtAXTWT-2c-3MM/s1600/hera+barberini.jpg" height="400" width="276" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Era Barberini, copia romana II sec. d.C. </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">di </span><br style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;" /><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">un’originale</span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;"> del V sec. a.C. attribuito</span><br style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;" /><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;"> a Agorakritos, Musei Vaticani, Città del Vaticano.</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Era</b> per i greci,
<b>Giunone </b>per i romani, era la dea del matrimonio e della fedeltà coniugale,
essendo regina dell’Olimpo, in quanto moglie fedele di Zeus, che a differenza
di lei era fedifrago sino al limite immaginabile. Dea anche del parto, la sua
figura incarnava i valori che dovevano appartenere ad ogni moglie e madre greca
e romana, essendo anch’ella tale: per questo non di rado nelle statue
classiche, veniva rappresentata con il polos, un copricapo cilindrico tipico delle
matrone.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’Era Barberini e
l’Era Campana, due statue marmoree del II sec. d.C. riproducenti le fattezze di
Era – Giunone, ripropongono nell’abbigliamento proprio il polos, a
dimostrazione dello status sociale della dea quale matrona e moglie del capofamiglia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’<b><i>Era Barberini</i></b>, così
chiamata perché appartenente alla famiglia Barberini, che se ne impossessò dopo
il suo ritrovo nella campagna romana durante il XVI secolo, è una copia romana
di un’originale greca attribuita ad <b><i>Agorakritos</i></b> (o più genericamente parlando,
ad uno scultore fidiaco del V sec.): le sue sinuosità elegantemente nascoste da
un arricciato peplo, il polos a coronare l’acconciatura raccolta e lo scettro,
riconducono la statua marmorea proprio alla dea della famiglia, protagonista
qui di rituali dedicati a lei, avendo in mano la patera, il tipico vasetto
utilizzato durante sacrifici e riti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1aNRzo06KEk1ykK8aDw_OHbnP_9dQw-bScKFrK8x2bai0IPq2wPfhzylM9i2CMX-1cfNkl1IKVB9m39zhqUC91P1l483i-m3IBRpcaTknhv9p97f1E-6kmQHeXwMXsWaerRCwZOAMAEo/s1600/Hera_Campana_Louvre_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1aNRzo06KEk1ykK8aDw_OHbnP_9dQw-bScKFrK8x2bai0IPq2wPfhzylM9i2CMX-1cfNkl1IKVB9m39zhqUC91P1l483i-m3IBRpcaTknhv9p97f1E-6kmQHeXwMXsWaerRCwZOAMAEo/s1600/Hera_Campana_Louvre_.jpg" height="320" width="191" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Era Campana, II sec. d.C copia di </span><br style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;" /><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">un’originale greco ellenistica, </span><br style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;" /><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">marmo, Musèe du Louvre, Parigi</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Gli stessi elementi e
caratteristiche, sono riproposti nella <b><i>Era Campana</i></b> sita al Louvre, copia marmorea
romana di un’originale greco ellenistica, così chiamata perché appartenuta al
marchese Giampietro Campana, tra i più noti e invidiati collezionisti di
antichità del XIX secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche la Era Campana
ha tra le mani lo scettro e la patera, ma a differenza della Era Barberini, la
sua figura è intrisa di un’aria più sacra, per via del lungo peplo che le
avvolge il corpo e le copre il capo, incorniciato dall’immancabile polos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una figura che, a
partire dal XV secolo, fu presa da diversi artisti quale modello di donna
virtuosa a cui ambire nella ritrattistica di nobili donne, o quale
personificazione della benevolenza, in senso più astratto. Nel primo caso si
veda il <b><i>ritratto delle tre nipoti del cardinale Mazzarino</i></b>, nel cui olio su rame
del 1669, le tre ragazze – Maria, Olympia ed Hortensia – vengono ritratte nelle
vesti di tre delle divinità più influenti dell’Olimpo: Venere (riconoscibile
per via della rosa tra le mani), Diana (dea della caccia, avendo tra le mani un
arco) e giustappunto Giunone, elegante nelle nobili vesti violecee e nella
candida pelle.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj80CWluEr4HEaeZpItvXqA62veOi7ZRufq9Tg9Zh53MSZBGIZqyAMJJ0L2U5TawT6nIYD5u5gqpMyYRGELFMqD5audFMgTeOSBYhLrzp7grUN8FGFVowIbQzKwPT9Y1WdlDGCHjQBwGPU/s1600/Three_Nieces_of_Cardinal_Mazarin_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj80CWluEr4HEaeZpItvXqA62veOi7ZRufq9Tg9Zh53MSZBGIZqyAMJJ0L2U5TawT6nIYD5u5gqpMyYRGELFMqD5audFMgTeOSBYhLrzp7grUN8FGFVowIbQzKwPT9Y1WdlDGCHjQBwGPU/s1600/Three_Nieces_of_Cardinal_Mazarin_.jpg" height="478" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Scuola francese,
Ritratto di tre nipoti di Mazzarino, come Venere, Giunone e Diana, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1660, olio
su rame, Musèe du Petit Palais, Parigi. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">D’altronde questa
introduzione delle divinità all’interno dei dipinti a carattere allegorico
contemplativo fu molto in voga nell’Europa del Cinquecento e Seicento, a
cavallo tra Barocco, Rococò e
Classicismo fiammingo, come dimostra un olio su tela di Rubens sito al
Louvre, composto tra il 1622 – 1625, su commissione di Maria de’Medici, moglie
di Enrico IV e madre di Luigi XIII e regina di Francia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSMmXh6TyL9odPAFNAIncve3W4V4ZQZCzPPRaKCa-e3Gqts9jXETEGai7WBPe6QnGg1OTHHehJc34je82PTt5xuXHttMdt2emhgQkjfiXQoumhMX5UkoXvfkCjwqRKWTgDCtgvgnGZUQA/s1600/Peter_Paul_Rubens+presentazione+del+ritratto+di+maria+de+medici.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSMmXh6TyL9odPAFNAIncve3W4V4ZQZCzPPRaKCa-e3Gqts9jXETEGai7WBPe6QnGg1OTHHehJc34je82PTt5xuXHttMdt2emhgQkjfiXQoumhMX5UkoXvfkCjwqRKWTgDCtgvgnGZUQA/s1600/Peter_Paul_Rubens+presentazione+del+ritratto+di+maria+de+medici.jpg" height="400" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Rubens, La
presentazione del ritratto di </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Maria de’Medici, 1622 – 1625, olio su tela,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> Musèe
du Louvre, Parigi </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Pieter Paul Rubens</b>,
infatti essendo stato designato dalla regina dal 1621 al 1626 quale ritrattista
di corte e essendosi visto conferito il ruolo di abbellire la galleria di
Palazzo del Luxembourg con dipinti riconducenti alla politica attuata dalla
sovrana, eseguì tra i dodici pannelli anche la <b><i>presentazione del ritratto di
Maria de’ Medici ad Enrico IV</i></b>, che, affascinato dalla bellezza della donna, si
lascia disarmare da Marte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’opera è
un’aggregazione di figure allegoriche, mitologiche ed episodi reali, secondo lo
stile attuato dal pittore per il ciclo pittorico: ad un Enrico IV adulto –
sposò infatti la donna a 47 anni, nel 1600, in seconde nozze – due amorini
mostrano il bellissimo ritratto della donna vestita ed ingioiellata dei suoi
monili più belli, mentre altri due assieme a Marte, svestono il re ammaliato
dello scudo e dell’elmo. Dall’alto di una vaporosa nuvola, tutta la scena viene
quindi benedetta dalle divinità sovrane delle civiltà classiche, Giove e
Giunone, che, avvolta da un manto dorato, si accompagna ai pavoni simbolo di
riconoscimento della sua persona e dal carro d’oro con cui soleva spostarsi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E si veda quindi anche
il dipinto encomiastico raffigurante la <b><i>Regina Elisabetta con Venere, Giunone e
Minerva</i></b>, dipinto dal pittore di corte <b>Joris Hoefnagel</b> nel 1569 e sito nel
Castello di Windsor, in cui la candida regina si appresta ad uscire dal palazzo
reale con damigelle a seguito per incontrare le tre dee in cui il popolo la
riconosce: Venere, per via della sua verginità e del suo candore, Minerva,
perché dea della guerra benefica ma anche delle arti e della sapienza, e infine
Giunone, dea del matrimonio – a suggellare il suo matrimonio con il popolo – e,
rappresentata con una corona, regina degli dei così come Elisabetta lo è del
popolo inglese, nonché dea dell’abbondanza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6Tr3BNJ0Hjqa9XRGXeMLPxNvbtgeCWq6ye_MWri0Aht7KycksQvVVutTTzv91Q9VUyE5fRRrhoMRyK4KYafhmmPoMXdabAwGUD0aerDtLZ8RuJMNvC4ECkUriCha7EPaCpuDF1HKPM6g/s1600/Elizabeth-I-and-the-Three-Goddesses-Hans-Eworth-trad-re-attributed-to-Joris-Hoefnagel-1569.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6Tr3BNJ0Hjqa9XRGXeMLPxNvbtgeCWq6ye_MWri0Aht7KycksQvVVutTTzv91Q9VUyE5fRRrhoMRyK4KYafhmmPoMXdabAwGUD0aerDtLZ8RuJMNvC4ECkUriCha7EPaCpuDF1HKPM6g/s1600/Elizabeth-I-and-the-Three-Goddesses-Hans-Eworth-trad-re-attributed-to-Joris-Hoefnagel-1569.jpg" height="482" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">J. Hoefnagel, La
Regina Elisabetta con Venere, Giunone e Minerva, 1569, Castello di Windsor,
Londra. </span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un aspetto preso in
considerazione da <b>Paolo Veronese</b>, sempre nella seconda metà del XVI secolo, nel
pannello incorniciato sul soffitto di Palazzo Ducale a Venezia, raffigurante
<b><i>Giunone che versa i suoi gioielli su Venezia. </i></b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In quanto dea
dell’abbondanza infatti, Giunone dall’alto di una nuvola, fuoriuscendo da
un’atmosfera divina dorata, lancia i suoi gioielli su una dama pronta ad
accoglierli, personificazione di Venezia: a dimostrarlo il leone, simbolo della
città e il globo alle spalle della donna, simbolo delle terre lontane soggette
al potere della ricca città marinara, sicura della benedizione di Giunone.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tutto è luce e colore
nell’opera del pittore veneto, che trascura le tonalità più scure – salvo nella
rappresentazione del leone, in un gioco dato da contrasti cangianti e d’effetto
per cui alla dorata e regale Giunone si contrappone la celestiale e pura
Venezia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqq3SHKnSgtuh_AqkkjhLylu7Nwi8PuP-dMnuigh3vbQuIgy7DyLsEqCpTSABkR5EVMvtRP8DK57MFeez9DIx0ppgk2Wq5Dzq5s3Fgu7bAGFe13TMeQqVxpK1FhMD7wkBqAPQi0lb40So/s1600/giunone+fa+piovere+gioielli+come+regali+su+venezia+veronese.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqq3SHKnSgtuh_AqkkjhLylu7Nwi8PuP-dMnuigh3vbQuIgy7DyLsEqCpTSABkR5EVMvtRP8DK57MFeez9DIx0ppgk2Wq5Dzq5s3Fgu7bAGFe13TMeQqVxpK1FhMD7wkBqAPQi0lb40So/s1600/giunone+fa+piovere+gioielli+come+regali+su+venezia+veronese.jpg" height="260" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">P. Veronese, Giunone versa i suoi gioielli su
Venezia, 1556, olio su tela, Palazzo Ducale, Venezia</span></span> </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb-UrS-lLna2ZpxWVfMxzNrLkGx-DEwM6CJvKFjNVC55GvegZ2MUjF7seymhDllCO6ePq4iL9m1xxdEoZU3PD7JBrpC6606T4mR0_alxqjkHdPE_uDRl8WOCRy2ONVzazgAhTY-yBBnME/s1600/le+sueur+giunone+diffonde+i+benefici+su+cartagine.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb-UrS-lLna2ZpxWVfMxzNrLkGx-DEwM6CJvKFjNVC55GvegZ2MUjF7seymhDllCO6ePq4iL9m1xxdEoZU3PD7JBrpC6606T4mR0_alxqjkHdPE_uDRl8WOCRy2ONVzazgAhTY-yBBnME/s1600/le+sueur+giunone+diffonde+i+benefici+su+cartagine.jpg" height="267" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Le
Sueur, Giunone diffonde i suoi benefici su Cartagine, <br />1645, olio su tela,
Pinacoteca Manfrediana, Venezia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quasi un secolo dopo
anche <b>Eustache Le Sueur</b> riproporrà la stessa tipologia di benedizione, in una
tela dal carattere puramente mitologico: <i><b>Giunone che diffonde i suoi benefici
su Cartagine</b></i>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La regina degli dei,
avvolta in un abito di un arancio quasi fluorescente e vivo ed in una toga blu,
attraverso la cornucopia sorretta da un amorino, elargisce la sua benedizione
sulla città che l’ha voluta come protettrice, dedicandole un tempio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche l’Eneide narra del
dicotomico rapporto di Giunone di affetto verso Didone, la regina della sua
Cartagine e di odio verso Enea, che fondando Roma con la sua progenie, avrebbe
permesso la distruzione della città africana: più di un’opera, nel corso dei
secoli, ha avuto come soggetto questo rapporto discutibile, una su tutte la
tavola dipinta da <b>Filippo Falciatore </b>nel 1765, oggi sita a West Palm Beach in
Florida. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEglwQG34H0OEc78BVKeWABKKjQ9paa4utMa96jNtWEh4I5BXyVRxo7O75MWULueM0rU6SU4iQETEZgtPSgAIWNCfRwj0-ErZ6vG8i9MORJwAlM-2ICQdcGNA8OUyQX36rA1VQaUuCmv8/s1600/enea+e+didone.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEglwQG34H0OEc78BVKeWABKKjQ9paa4utMa96jNtWEh4I5BXyVRxo7O75MWULueM0rU6SU4iQETEZgtPSgAIWNCfRwj0-ErZ6vG8i9MORJwAlM-2ICQdcGNA8OUyQX36rA1VQaUuCmv8/s1600/enea+e+didone.jpg" height="256" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F.
Falciatore, La caccia reale di Enea e Didone, 1765, <br />olio su tavola, Norton
Museum of Art, West Palm Beach</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il dipinto riporta
nello specifico l’aneddoto della caccia reale di cui furono protagonisti Enea e
Didone, riportato nel IV libro del poema scritto da Virgilio, secondo cui
Venere preoccupata per le sorti del figlio inviso a Giunone, e questa
preoccupata del fatto che l’eroe lasciando le sponde cartaginesi si dirigesse a
Roma, stipularono un accordo per far sì che i due ragazzi si sposassero:
durante la caccia quindi, scatenando un temporale imprevisto, Giunone creò i
presupposti di un incontro forzato tra i due, che caddero in tentazione e si
unirono in matrimonio. Ma la dedizione di Enea e il ragguaglio di Mercurio a
proseguire, scombussoleranno i piani delle due dee, irritando in modo ancor più
evidente la regina degli dei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ-G8_43lBKivnqaC51tLvRPDS5-V5lKjdZajCr8NT1YQSY3YBMOQwI3fV6_2TcavCRfcrT9SQfO5aIoZ5fPaGp5XzUZL8nnktt-OHcRmE13t3gU-chUpOlM-GuTYsDB5gcvQAFuYyrxk/s1600/giunone+brucia+troia+le+sueur.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ-G8_43lBKivnqaC51tLvRPDS5-V5lKjdZajCr8NT1YQSY3YBMOQwI3fV6_2TcavCRfcrT9SQfO5aIoZ5fPaGp5XzUZL8nnktt-OHcRmE13t3gU-chUpOlM-GuTYsDB5gcvQAFuYyrxk/s1600/giunone+brucia+troia+le+sueur.jpg" height="271" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Le
Sueur, Giunone appicca il fuoco su Troia, 1645, <br />olio su tela, Pinacoteca
Manfrediana, Venezia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sempre a Le Sueur è
ascrivibile con certezza anche l’altro pannello presente nella Pinacoteca
Manfrediana di Venezia assieme alla Giunone che elargisce i suoi benefici
Cartagine: <b><i>Giunone appicca il fuoco su Troia</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La modella che
personifica Giunone è sempre la stessa, gli abiti e la tiara da regina pure,
così come gli amorini e l’atmosfera ovattata creata dalle nuvole su cui è
adagiata la dea: cambia solo il suo ruolo, non più di benefattrice, ma di
nefasta nemica. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una storia che vede i
suoi preamboli in due radici mitologiche, una romana e una greca: secondo
Virgilio infatti, Giunone era nemica di Troia perché consapevole del fatto che
un suo discendente avrebbe distrutto la sua Cartagine; secondo il mito greco,
lo era perché rancorosa verso Paride di non averla scelta nel famoso giudizio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Diverse sono state le
rappresentazioni del <i><b>Giudizio di Paride</b></i>, in cui compare la regina dell’Olimpo,
alcune intente a mettere in risalto l’aneddoto, altre più incentrate alla
fisicità seducente e perfetta delle tre bellissime dee. Ad ogni modo
protagoniste dell’aneddoto rimangono comunque le tre donne, nonostante siano queste
le giudicate e non i giudici: la tela di <b>Enrique Simonet Lombardo</b> del 1904,
concentra tutte le attenzioni proprio sulle tre bellissime dee, due delle quali
– Venere e Minerva, - appaiono denudate, seppur riconoscibili dai loro elementi
e simboli; Giunone invece appare vestita del tipico abbigliamento che le confà
da sempre, col polos, il peplo da matrona, ed accompagnata da uno splendido
pavone che aprendo al massimo la sua coda, la confonde col paesaggio
circostante. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWi_h_cCe3tw2ACYuhfUnqdjF9imi4JxLZ29HabT9fwBmsT3-1skaETgOXdN2EkcHrID5ueQhOu3lJ7A6mcKUgBTtyysEHpTWhDAIDOHqcLmnBvjv_jwBgixOPKC2e-7kX12QOJrcMGr4/s1600/Enrique_Simonet_-_El_Juicio_de_Paris_-_1904.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWi_h_cCe3tw2ACYuhfUnqdjF9imi4JxLZ29HabT9fwBmsT3-1skaETgOXdN2EkcHrID5ueQhOu3lJ7A6mcKUgBTtyysEHpTWhDAIDOHqcLmnBvjv_jwBgixOPKC2e-7kX12QOJrcMGr4/s1600/Enrique_Simonet_-_El_Juicio_de_Paris_-_1904.jpg" height="442" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E.
Simonet Lombardo, Il giudizio di Paride, 1904, olio su tela, Museo de Bellas Artes
de Malaga, Malaga</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Hans Von Aachen</b>,
pittore fiammingo operante a cavallo tra XVI e XVII secolo appartiene invece
alla seconda categoria, raffigurando in una tela, i primi piani di
rinascimentali <b><i>Pallade Atena, Venere e Giunone</i></b>, che ingioiellate ed incipriate
di tutto punto, si confrontano sul giudizio del pastore, ormai giunto a
conclusione: Venere, al centro e con il seno scoperto – indice di sensualità –
tiene trionfante il pomo tra le mani; Minerva, incorniciata nello spettacolare
elmo guarda oltre, mentre Giunone, con il velo del matrimonio – ne era la
protettrice – guarda Venere con aria diffidente e invidiosa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiilvHglhDr2xXBMubqCfoQDWxn_rU0fWIbEcopYLUKydxueRYS56dt_DcPTbsVwvwdaov105dRJd2-qSVk_W-hwn_1807fkbZNv0vGNcDAQwfNDLWYfrezHdARN6e_wfNraaoTZ628Lfw/s1600/Hans_von_Aachen.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiilvHglhDr2xXBMubqCfoQDWxn_rU0fWIbEcopYLUKydxueRYS56dt_DcPTbsVwvwdaov105dRJd2-qSVk_W-hwn_1807fkbZNv0vGNcDAQwfNDLWYfrezHdARN6e_wfNraaoTZ628Lfw/s1600/Hans_von_Aachen.jpg" height="524" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. von Aachen, Pallade Atena, Venere e Giunone,
1593, olio su tela, Museum of Fine Arts, Boston</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga9_IKGnTdUULUOM7sRH9rHOYRU_4knjrbtRAfEKl3MTx4g2TePY2_YAZldT-uMhc52Dt3w8fA6oGs1FAhnKzTNYvZwuDqg4N3B03C3LxXxN9PTrvoOEmolrzFcXiveiLoZXYF5GIw3Fc/s1600/giunone+favorisce+i+rotuli.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga9_IKGnTdUULUOM7sRH9rHOYRU_4knjrbtRAfEKl3MTx4g2TePY2_YAZldT-uMhc52Dt3w8fA6oGs1FAhnKzTNYvZwuDqg4N3B03C3LxXxN9PTrvoOEmolrzFcXiveiLoZXYF5GIw3Fc/s1600/giunone+favorisce+i+rotuli.jpg" height="244" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Anonimo XVII sec.,
Giunone favorisce i Rotuli,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> seconda metà del XVII
sec., olio su tela,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> collezione privata, Parma. Da foto di Alberto Tosi. </span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E non avrà la meglio
neanche quando spronerà i Rotuli a far guerra ad Enea, per aver preso in sposa
Lavinia, già promessa al loro re, Turno. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti, come per
altro raccontato nella tela di un <b>artista anonimo del XVII secolo</b>, <b><i>Giunone
cercò di favorire i Rotuli contro Enea</i></b>, prima aizzando la madre di Lavinia
contro il padre, affinché mantenesse la promessa fatta a Turno e gliela desse
in sposa, poi fomentando i Rotuli a combattere contro Enea, il cui prologo però
sarà ovviamente favorevole all’eroe virgiliano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma l’Eneide non è
l’unico libro di carattere epico – mitologico ripreso dagli artisti
rinascimentali in poi, in cui si evince il protagonismo divino di Giunone;
anche alcuni episodi de’ Le Metamorfosi di Ovidio vengono infatti rappresentate
da questi, in più occasioni.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">È il caso, come
narrato nel IV libro delle Metamorfosi di Ovidio, della discesa di Giunone
negli Inferi, in seguito all’onta subita dalla decisione di Atamante, figlio di
Eolo, di crescere assieme alla sua compagna Ino il piccolo Bacco, nato dal
rapporto tra la sorella di lei, Semele, ed il dio Giove marito adultero di
Giunone.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja2R5YeXboesaXlN3wTolpPm1y088vVf-QwCmwfgKwA0WIHsDVfEslmB2rilwgd2eo1yylN7TFTGn8gYdO0ImI11kZZws3-WkRI6t6DmcFu-zhpwpis9GMgikZhyTwkwRGHndr4-n_ldI/s1600/brueghel,+giunone+scende+negli+inferi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja2R5YeXboesaXlN3wTolpPm1y088vVf-QwCmwfgKwA0WIHsDVfEslmB2rilwgd2eo1yylN7TFTGn8gYdO0ImI11kZZws3-WkRI6t6DmcFu-zhpwpis9GMgikZhyTwkwRGHndr4-n_ldI/s1600/brueghel,+giunone+scende+negli+inferi.jpg" height="226" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Brueghel, Giunone negli inferi, 1598, <br />olio su
rame, Staatliche Kunstammlungen, Dresda</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel dipinto del 1598,
di <b>Jan Brueghel</b>, sito allo Staatliche Kunstammlungen di Dresda, la regina degli
dei, raffigurata come una donna burrosa vestita di un abito turchese acceso in
contrasto con i toni caldi degli Inferi, è intenta a percorrere l’oltretomba
per chiedere alle Furie di aiutare a vendicarla: il finale è presto detto, dato
che Atamante fu colpito da pazzia e uccise il figlio Learco, avuto con Ino,
mentre la donna decise quindi di gettarsi in mare con l’altra figlia avuto dall’uomo,
Melicerte, favorendo così la sua trasformazione in divinità marine. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una donna molto
vendicativa e attenta, Giunone, quando in gioco vi era l’onore del suo
matrimonio con Giove: la dea infatti poco digeriva tutte le scappatelle del
marito, ma innamorata del suo uomo ogni volta che ne scopriva qualcuna, finiva
puntualmente per incolpare la sventurata di turno, o per ostacolare i figli
nati da quei rapporti, come nel caso del citato Bacco, o di Ercole, figlio di
Giove e di Alcmena. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivyNJnJCwWEm0xLehmZAxxsZsL8ozMBHOIDIq4sfIGMrgi3iPhOHAuoQ0NpezwzHQYBQfTtkQfpLDfT48lXs0ObK9UUjc5Tw4VmvO8ONjeB6tODgy5RFEh7rqIJlVGYYokMo5xmJ9B-jY/s1600/rubens+la+nascita+della+via+lattea+madrid+prado.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivyNJnJCwWEm0xLehmZAxxsZsL8ozMBHOIDIq4sfIGMrgi3iPhOHAuoQ0NpezwzHQYBQfTtkQfpLDfT48lXs0ObK9UUjc5Tw4VmvO8ONjeB6tODgy5RFEh7rqIJlVGYYokMo5xmJ9B-jY/s1600/rubens+la+nascita+della+via+lattea+madrid+prado.jpg" height="296" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P.
Rubens, La nascita della Via Lattea, olio su tela, <br />1635 – 1638, Museo del
Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Proprio a quest’ultimo
mito è legata la spiegazione della <b><i>nascita della Via Lattea</i></b>, secondo cui
infatti Giove, per fare in modo che il suo diletto Ercole potesse ambire all’immortalità,
lo spinse a fare l’unica cosa possibile per ambirvi: bere il latte dal seno di
Giunone.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Rubens</b> in una tela del
1635, illustra l’episodio in modo molto poetico e mistico, ambientandolo in
piena notte in modo da poter spiegare visivamente come il getto del latte del
seno della dea potesse trasformarsi in tante piccole stelle pronte ad adornare
la volta celeste. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tutto contribuisce a
riconoscere i personaggi illustrati nel dipinto a carattere mitologico: in
primo piano la dea, dalle carni perlacee, il velo da sposa e la tiara
splendente; accanto a lei, tra le sue ginocchia, il forzutissimo Ercole che
tanto ricorda i putti dipinti da Michelangelo e Giulio Romano in diverse opere;
dietro di Giunone il suo carro d’oro trainato dai bellissimi pavoni e a seguire
Giove, accompagnato dall’acquila con la saetta tra gli artigli, che attende
impaziente che Ercole abbia bevuto il siero dell’immortalità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzii81NHkt_4iZRklVJCl-VHE2Tr0CRc7Ckewi8Aob9DKZ_QtfyjIcL8QQKuWUOSSRcn7pWNAM5g4NDjDSj7AO45FhLjw8bLnho0RXcdOR4rYvXKwwqzGcD6u4HFNfcoSK1oyCw5QoCyY/s1600/Rubens_Juno-und-Argus_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzii81NHkt_4iZRklVJCl-VHE2Tr0CRc7Ckewi8Aob9DKZ_QtfyjIcL8QQKuWUOSSRcn7pWNAM5g4NDjDSj7AO45FhLjw8bLnho0RXcdOR4rYvXKwwqzGcD6u4HFNfcoSK1oyCw5QoCyY/s1600/Rubens_Juno-und-Argus_.jpg" height="258" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Rubens, Giunone ed Argo, 1610, olio su tela, <br /><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;">Wallraf-Richartz Museum, Colonia</span></span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Già il pittore, circa
vent’anni prima di dipingere la nascita della Via Lattea, aveva avuto a che
fare con la stessa dea, ritraendola mentre, afflitta, contempla il corpo di
Argo e ne stacca gli occhi per adornare le code dei suoi pavoni, con l’aiuto
della fedele serva Iride. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela ovviamente,
ricalca l’epilogo dell’episodio mitologico di Argo, Io e Mercurio, secondo cui
Giove, sgamato dalla moglie mentre tentava di accoppiarsi con Io, fece in tempo
a trasformarla in una giovenca affinché questa non potesse rivelare a sua
moglie il misfatto e a lei la regalò.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per cui la dea, dubbiosa
di quanto accaduto, mise un suo servo, il gigante Argo dai cento occhi, a fare
da guardiano alla giovenga, così che, se le sue intuizioni fossero state
fondate, Giove non potesse avvicinarvisi. Ma il dio dal canto suo, invece, mandò
Mercurio ad uccidere Argo, il quale, per adempiere al volere di Giove, recise
la testa del gigante,uccidendolo. Sicché a Giunone non toccò che piangere la
morte del suo servo e incastonare i suoi cento occhi nelle code dei suoi
pavoni, a ricordo indelebile del suo servizio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcNAPGL8LOTaWeEQWCotygrOA97829FKlDybm_ntYUdf_g0gZo_vdl50nm3Ou94_IVC3EGtDB9jg4nRCOva8jpGkmHzZcxcSKxsuN5NJ-1HHmj7wOiNHxEnHgQU_pZ-HZPCmZJaUq1qCo/s1600/giunone+scopre+giove+con+io+lastman.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcNAPGL8LOTaWeEQWCotygrOA97829FKlDybm_ntYUdf_g0gZo_vdl50nm3Ou94_IVC3EGtDB9jg4nRCOva8jpGkmHzZcxcSKxsuN5NJ-1HHmj7wOiNHxEnHgQU_pZ-HZPCmZJaUq1qCo/s1600/giunone+scopre+giove+con+io+lastman.jpg" height="223" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P.
Lastman, Giunone scopre Giove con Io, <br />1618, olio su tela, National Gallery,
Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Se Rubens scelse di
illustrare l’episodio dell’incastonatura degli occhi di Argo sulla coda dei
volatili, altri artisti illustrarono altre scene dell’aneddoto, comunque
emotivamente forti. Ne è la prova il dipinto di <b>Pieter Lastman</b>, in cui Giunone
appunto scopre l’adulterio del marito, che fa in tempo a trasformare Io in una
giovenca: la drammaticità della scena è evidente e aiutata dalle espressioni
delle due divinità, sconvolte per i due motivi opposti, nonché dalla dinamicità
della sorpresa della dea che giunge a bordo del suo carro d’oro trainato dai
pavoni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoQRp3FOOiBMDbq98Ws7R3JSn-QqR54dqML7F87TC7K8XuoBZlhOVNtR4LRItKtclsEokv_aCHlA0u1wtTiz5joG-3UvXk0-9qCukv1oCXNdVPmEi40mV9QmqZIdP_MvSXH_Qg0bobpH0/s1600/G.+Doyen,+Giove+e+Giunone+ricevono+il+nettare+da+Ebe.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoQRp3FOOiBMDbq98Ws7R3JSn-QqR54dqML7F87TC7K8XuoBZlhOVNtR4LRItKtclsEokv_aCHlA0u1wtTiz5joG-3UvXk0-9qCukv1oCXNdVPmEi40mV9QmqZIdP_MvSXH_Qg0bobpH0/s1600/G.+Doyen,+Giove+e+Giunone+ricevono+il+nettare+da+Ebe.jpg" height="400" width="302" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">G.F. Doyen, Giove e
Giunone ricevono il nettare</span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">da Ebe,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;"> 1759, olio su tela, Musèe d’art et </span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">histoire</span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">, Langres. </span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma lontana dagli amori
clandestini e adulteri del marito, i due sono sempre disposti a riscoprire l’intimità
o a vivere pacificamente il loro rapporto di coniugi e regnanti, momenti di
idillio illustrati da diversi artisti in modo più o meno più o meno conviviale –
si veda ad esempio il dipinto di <b>Gabriel Francois Doyen</b> in cui <b><i>Giove e Giunone
ricevono il nettare degli dei da Ebe</i></b>, - piuttosto che più o meno erotico: ne
sono esempio l’incisione altamente erotica di Agostino Carracci che ha le due
divinità come protagonisti, o l’affresco di Annibale Carracci nella Galleria
Farnese, che riprende un approccio amoroso più soft dei due coniugi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa atmosfera,
quest’ultima, che si respira nel dipinto di fine XVIII secolo di <b>James Barry</b>,
sito nello Sheffield City Museum, raffigurante <b><i>Giove e Giunone sul Monte Ida</i></b>,
che si scrutano e si cercano attraverso i loro sguardi. Una complicità unica,
che ben palesa le doti di cui andava fiera la dea del matrimonio, che seducente
per alcuni versi, gelosa per altri e accondiscendente nel giusto poteva ritenersi
la migliore delle mogli. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRSTZ8HIVMjjYxLFcOwe_6VKEszqAudXtQ6KfTWKqzWnLVtVvf2EYdIya3ZoSv_B0TnJ1aRedF4JEE9HjC70z1F_6MpbMgR2l5OWfFKyR-O-nelJ2bWNGChoydcX_UORhCJ-1f8SkbKZk/s1600/James_Barry+giove+e+giunone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRSTZ8HIVMjjYxLFcOwe_6VKEszqAudXtQ6KfTWKqzWnLVtVvf2EYdIya3ZoSv_B0TnJ1aRedF4JEE9HjC70z1F_6MpbMgR2l5OWfFKyR-O-nelJ2bWNGChoydcX_UORhCJ-1f8SkbKZk/s1600/James_Barry+giove+e+giunone.jpg" height="506" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">J. Barry, Giove e
Giunone sul monte Ida, 1790 - 1799, olio su tela, Sheffield City Museum,
Sheffield </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">POST CORRELATI:</span></span></div>
<ul>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-9000564383712701152015-01-11T08:02:00.000-08:002015-01-18T11:00:46.631-08:00Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: EROS / CUPIDO - AMORE <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Eros</b> per i greci, <b>Cupido</b>
o <b>Amore</b> per i romani, era il dio che personificava l’amore carnale, il
desiderio irrefrenabile, la passione e la voglia. Raffigurato il più delle
volte come un bambino, il figlio di Venere e Vulcano era un dio molto discolo –
una caratteristica spesso riscontrabile tra gli abitanti dell’Olimpo – il cui potere era quello di far innamorare o allontanare dall’amore chiunque
colpisse con arco e frecce. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEGJDapJMESHCnG7C8PnU_SSI7fHVn0BBowRd9OnUDhBKiuOWnnRoKAbQJBRZ8PXk8lzvtOLQhxjyc1u4kMMczTeZ7A2244zpQf9JSQ61-5YPiKiBJuz1sEGwCTtrkRZB2i0LUiZofyxQ/s1600/tintoretto+venere+vulcano+e+cupido.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEGJDapJMESHCnG7C8PnU_SSI7fHVn0BBowRd9OnUDhBKiuOWnnRoKAbQJBRZ8PXk8lzvtOLQhxjyc1u4kMMczTeZ7A2244zpQf9JSQ61-5YPiKiBJuz1sEGwCTtrkRZB2i0LUiZofyxQ/s1600/tintoretto+venere+vulcano+e+cupido.jpg" height="278" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">Tintoretto, Venere,
Vulcano e Cupido, 1560, olio su tela, Galleria Palatina Palazzo Pitti, Firenze </span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUauLk04ytkpqu38PvVsrZkHAklAH9mD9WWGAQiI6CUAcbp4rRWeiyIFBO0zXV0lv2BtVFeegR4IS7E9dJeJNSbEgOujsOsDjKTYm5cyygNoRtTAEOprsYzF0MztRUitt1d1rS5c-hid8/s1600/cupido+romano.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUauLk04ytkpqu38PvVsrZkHAklAH9mD9WWGAQiI6CUAcbp4rRWeiyIFBO0zXV0lv2BtVFeegR4IS7E9dJeJNSbEgOujsOsDjKTYm5cyygNoRtTAEOprsYzF0MztRUitt1d1rS5c-hid8/s1600/cupido+romano.jpg" height="258" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Cupido e il coniglio, I sec. d.C.,
affresco,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;"> Museo Archeologico Nazionale, Napoli</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Iconograficamente
parlando, gli antichi greci e romani non raffigurarono sempre il dio come un
fanciullino, immortalandolo in affreschi e statue anche durante la sua
adolescenza, soprattutto nelle opere finalizzate a raccontare alcuni aneddoti
mitologici in cui il dio si rese protagonista sul piano amoroso.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Due esempi di quanto
detto sono dati da un affresco del I sec. d.C., rinvenuto in un edificio di
Pompei ed attualmente conservato al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, ed
una statua di epoca romana imperiale, copia di un’originale dello scultore
greco Lisippo del IV sec. a.C.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’affresco citato
infatti raffigura un <b><i>Cupido bambino, incuriosito da un coniglio</i></b> intento a
brucare l’erba, munito come da iconografia di ali piumate, semi avvolto in un
velo candido e sorpreso in una posizione dinamica, quasi fosse in procinto di
voler acciuffare l’animale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEj3AwcpKVZTuvwgCeVmddHNkDEI9KR0MsMWInJy2bKPrNQnAXEmfAk3L18lAwJUtsraS9IADLvr2fjsuJRfNkSdJYDpr2RoLmoTvoAmq8KzKtYjogzxawAxtaeYqDuK2Gc8Hi2ug5KSo/s1600/Eros__Musei_Capitolini_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEj3AwcpKVZTuvwgCeVmddHNkDEI9KR0MsMWInJy2bKPrNQnAXEmfAk3L18lAwJUtsraS9IADLvr2fjsuJRfNkSdJYDpr2RoLmoTvoAmq8KzKtYjogzxawAxtaeYqDuK2Gc8Hi2ug5KSo/s1600/Eros__Musei_Capitolini_.jpg" height="400" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Eros che incorda l’arco, I-III sec. d.C. (copia
romana <br />di un’originale di Lisippo del IV sec. a.C.),<br /> marmo, Musei Capitolini,
Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La copia romana invece
ripropone un Cupido più adulto di quello raffigurato nell’affresco,
adolescente, più consapevole della sua fisicità nella muscolatura perfetta e
nelle proporzioni anatomiche. Il Cupido, o meglio, trattandosi di un’originale
greco il dio raffigurato </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">in questa scultura </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">è un <b><i>Eros, è intento ad incordare
l’arco</i></b>, secondo un aneddoto raccontato da Pausania il Periegeta nella sua opera
letteraria, per cui il ragazzino ponendo forza su un ginocchio e facendo leva
con le braccia, cercava di dare forma curvilinea al suo arco. </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Un gesto ben riuscito
nella scultura marmorea, dinamico ed armonico allo stesso tempo, che fa
brillare la figura del dio dell’amore in tutto il suo splendore, completamente
nudo e munito di ali scolpite sin nel dettaglio, spoglio della sua faretra,
abilmente riposta appesa al tronco.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A distanza di un
millennio in cui l’avvento del Cristianesimo oscurò per ovvi motivi il
politeismo delle civiltà classiche, gli artisti umanisti e rinascimentali
riscoprirono il mondo letterario e figurativo degli dei, per cui anche Eros /
Amore rientrò nelle figure mitologiche che interessarono maggiormente pittori e
scultori del XV e XVI secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinnFuPUopLcNFWnVl0QXYY35zBD2oNa1u_wTDJ4xmIQFn5rIyVUzD_MvUorj8tKRFZ5t4UCGwlJveSQRmIY64pQPLYipPNnC9rFHX_3qv2HSZPrLNySgvo4G7niRJD9V2lDnWJlu7JuB0/s1600/Piero+della+francesca_arezzo,_cupido.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinnFuPUopLcNFWnVl0QXYY35zBD2oNa1u_wTDJ4xmIQFn5rIyVUzD_MvUorj8tKRFZ5t4UCGwlJveSQRmIY64pQPLYipPNnC9rFHX_3qv2HSZPrLNySgvo4G7niRJD9V2lDnWJlu7JuB0/s1600/Piero+della+francesca_arezzo,_cupido.jpg" height="400" width="253" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. della Francesca, Cupido bendato, <br />1452 – 1466,
affresco, <br />Basilica di San Francesco, Arezzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno fra tutti <b>Piero
della Francesca</b>, che illustrò <b><i>Cupido</i></b> nell’affresco attestante le Storie della
Vera Croce nella Basilica di San Francesco ad Arezzo. Il dio, “riesumato” dopo
tanti secoli di assopimento, qui viene rappresentato nell’esatto momento in
cui, rassegnato, ripone le frecce nella faretra perché soppiantato dalla venuta
di Cristo, nuovo portatore di amore; ancora i suoi occhi sono celati da una
benda, simbolo – in questo caso, ma non sarà sempre così – della cecità
inconsapevole degli antichi, impossibilitati a poter vedere e sentire
l’infinito amore di Dio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Sandro Botticelli</b>
invece, qualche decennio dopo darà un significato diverso alla cecità di
cupido, studiando bene il concetto di amore rapportato al dio. Nella sua
<b><i>Primavera</i></b> infatti, lo raffigurò come un fanciullino che, svolazzando sul capo
di Venere, mira una delle tre grazie con l’intento di colpirla con una delle
sue frecce, sicuro di sé nonostante una benda sugli occhi gli annulli la vista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una visione filosofica
incentrata sul famoso detto <i>“l’amore è cieco”</i> quindi, per cui il massimo
esponente di questo non è interessato allo status sociale, alla razza, all’età
o al sesso dei colpiti: la benda diviene quindi l’evidente simbolo di questa casualità,
che non risparmia nessuno e a sua volta rende cieco chi ne è colpito, poiché
spesso preso dall’irrefrenabile desiderio, non riesce a guardare la realtà
delle cose.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6PX4AFmbkKg79maZw0r3ZNvDMGffcNQ31HYNA7iH9sEy37k1RbrfCdquVB4jnh4MzCMhkNdZFRwjA5m0iQ_ULIqm7TPOOyS0sniDcLsYWo8V3Cz-mcjQrhB99M4lSytRcCeHw9fj35Fk/s1600/botticelli+primavera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6PX4AFmbkKg79maZw0r3ZNvDMGffcNQ31HYNA7iH9sEy37k1RbrfCdquVB4jnh4MzCMhkNdZFRwjA5m0iQ_ULIqm7TPOOyS0sniDcLsYWo8V3Cz-mcjQrhB99M4lSytRcCeHw9fj35Fk/s1600/botticelli+primavera.jpg" height="454" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Botticelli, Primavera, 1477 – 1482, tempera
su tavola, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqDpAXWIuD1J80lkHDomsCo37hwCUllriD5iRO5aDMAzfD9Ir8xC0CWzfGTOfaE9tOc6OEVJXuRkbkErJPxu1CJ5efn9_sMIpSsN6bmi5HO7Vr91IWPfAfrE5rgkbvPYJc9kpRP9NL5IM/s1600/1520_tiziano_vecellio_cupido_con_la_ruota_della_fortuna.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqDpAXWIuD1J80lkHDomsCo37hwCUllriD5iRO5aDMAzfD9Ir8xC0CWzfGTOfaE9tOc6OEVJXuRkbkErJPxu1CJ5efn9_sMIpSsN6bmi5HO7Vr91IWPfAfrE5rgkbvPYJc9kpRP9NL5IM/s1600/1520_tiziano_vecellio_cupido_con_la_ruota_della_fortuna.jpg" height="400" width="331" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Allegoria
della Morte, dell’Amore</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> e della Fortuna, 1520, dipinto su tela,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;"> National
Gallery of Art, Washington</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">D’altronde la cecità
procurata dalla benda fu un concetto filosofico molto in voga durante tutto il
medioevo, tant’è che oltre all’amore anche le personificazioni della Morte, la
Notte, l’Infedeltà e la Fortuna furono rappresentate in questo modo e
accomunate non così di rado. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Quest’ultima cosa fu all’attenzione anche di
</span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Tiziano</b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">, che nella sua </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><i>Allegoria della Fortuna, Amore e Morte,</i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> raffigurò non le
personificazioni bendate, bensì però i simboli delle tre entità, creando un
quadro angoscioso nelle figure chiare in contrasto con gli sfondi scuri, per
cui un Amore provato, aggrappandosi alla ruota della Fortuna, assiste
all’arrivo del macabro cavallo della Morte.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un Cupido – quello di
Tiziano - che guarda, che non indossa bende, quindi, così come accadrà dal XVI
secolo in poi: a tal punto diventa interessante per capire il processo
filosofico che colpisce la nuova figura di Cupido, far riferimento alla tavola
di Cranach il Vecchio, sita alla National Gallery of Art di Washington. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEYTBw1fKXQGOJADcA9C8DiMnmd5jxaFAqa3GRyuR1wdB-izKei9R9xbd5N7JYKNRgC4sIpvMR9hEq8TXDOQdMG5_k9OEEDiTYtkb3Q47ykRDn7xVWV7mK2d5UITMBIf3d33rHDdo7oQA/s1600/Lucas_Cranach__cupido.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEYTBw1fKXQGOJADcA9C8DiMnmd5jxaFAqa3GRyuR1wdB-izKei9R9xbd5N7JYKNRgC4sIpvMR9hEq8TXDOQdMG5_k9OEEDiTYtkb3Q47ykRDn7xVWV7mK2d5UITMBIf3d33rHDdo7oQA/s1600/Lucas_Cranach__cupido.jpg" height="400" width="173" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Cranach il Vecchio,
Cupido,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> 1530, olio su tavola, Philadelphia</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> Museum of Art, Philadelphia </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il grassottello ed
addolcito <b><i>Cupido</i></b> di <b>Lucas Cranach il Vecchio</b> infatti, è intento a togliersi la
benda per “poter finalmente vedere” il vero senso dell’amore, che non è più
quello sensuale e cieco, pieno di passione e spinto dal desiderio, ma quello
più spirituale e platonico che coincide con il matrimonio cristiano, in netta
rivalità col primo. Una lotta vinta senza dubbio dalla seconda visione, perché
supportata e voluta da Dio: si veda a tal punto <b><i>Amor Sacro e Amor Profano</i></b> di
<b>Giovanni Baglione</b>, che racconta la dualità in modo ancor più convincente,
relegando al primo le fattezze dell’Arcangelo Gabriele ed al secondo, vinto e
sottomesso, le sembianze del dio pagano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Interessante è notare
come a differenza degli altri Cupido citati, quest’ultimo di Baglione sia
raffigurato come un adolescente in età puberale, soggetto ripreso nello stesso
anno anche dal suo collega da lui tanto odiato <b>Caravaggio</b> nell’<b><i>Amor Vincit
Omnia</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Così come ricorda la
locuzione latina per cui l’amore vince su ogni cosa, il malizioso e irriverente
Amore di Caravaggio è ritratto nella maestosità e nella consapevolezza della
sua vittoria su ogni forma di arte raffigurata sul pavimento – quindi vinta –
mentre impugnando la sua freccia e spiegando le sue ali dal lungo piumaggio, si
apre in un’espressione di giubilo ed in un’impostazione vittoriosa degli arti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDjzD-GuABKQV4dJNDkQURYUoW3BaOaVa4Cesg-9B_UCBy5esLQk9rjsBEDi4DTdD47TzrPy2IiOqRrASbJ0xoRlWDtDGUP9CfdmHu-_ikUSgrWt8wTvgDzttdsPP7PUBRzNQHEmhkHys/s1600/Baglione+amor+sacro+e+amor+profano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDjzD-GuABKQV4dJNDkQURYUoW3BaOaVa4Cesg-9B_UCBy5esLQk9rjsBEDi4DTdD47TzrPy2IiOqRrASbJ0xoRlWDtDGUP9CfdmHu-_ikUSgrWt8wTvgDzttdsPP7PUBRzNQHEmhkHys/s1600/Baglione+amor+sacro+e+amor+profano.jpg" height="400" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Baglione, Amor Sacro e Amor Profano, 1602,<br /> olio su tela, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCHNNGsCbqKKxz9GU-7EVG_E4RMQU2qOFAg4jBM2GmcdEAeWX0miyCoBCX6RHd-YBKV2YvdtE2973GvazR7IPbHQ6dz8YOXg5UZnI_bAiFyRDc1sZbWRRwrg4rdwToE809-brEzziT0-A/s1600/Caravaggio_-_Amor_vincit_omnia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCHNNGsCbqKKxz9GU-7EVG_E4RMQU2qOFAg4jBM2GmcdEAeWX0miyCoBCX6RHd-YBKV2YvdtE2973GvazR7IPbHQ6dz8YOXg5UZnI_bAiFyRDc1sZbWRRwrg4rdwToE809-brEzziT0-A/s1600/Caravaggio_-_Amor_vincit_omnia.jpg" height="400" width="285" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, Amor Vincit Omnia, 1602, <br />olio su
tela, Staatliche Museen, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWw9shYeFQgUD-S6F3dqwzKu1PQqUpVnFpzclCHkkG4tB6tLU9b_HuLxid4xvDR3fzjbK79BVijDH0WnVQTVXsERdWhvIqPTl1rEZDcxNtuD-Qo1OxaVcAILtszDmP81FNcR3kSdRnh4E/s1600/hayez+-+cupido.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWw9shYeFQgUD-S6F3dqwzKu1PQqUpVnFpzclCHkkG4tB6tLU9b_HuLxid4xvDR3fzjbK79BVijDH0WnVQTVXsERdWhvIqPTl1rEZDcxNtuD-Qo1OxaVcAILtszDmP81FNcR3kSdRnh4E/s1600/hayez+-+cupido.jpg" height="320" width="253" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Hayez, Cupido, 1813 – 1818, <br />olio su tela,
Pinacoteca di Brera, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche il <b><i>Cupido</i></b> di
<b>Francisco Hayez</b>, di due secoli più tardo, è un ragazzo cresciuto così come
quello di Caravaggio. Ma a differenza del primo, più canzonatore e peperino,
quest’ultimo è più composto e impostato, venendo immortalato quasi come se
stesse posando per il pittore, consapevole del suo ruolo di dio dell’amore
nella ferma impugnatura dell’arco. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un ruolo che gli
procurò problemi sin da piccolo, secondo quanto narra la mitologia greca: Zeus,
una volta saputo dall’oracolo che Afrodite avrebbe partorito un bambino che
sarebbe stato fonte di guai per tutti gli dei, impose alla dea di ucciderlo
seduta stante. Ma la dea impossibilitata a fare ciò al suo figlioletto, all’insaputa
di suo padre e di tutti gli dei, lo abbandonò in un bosco, dove, una volta cresciuto,
iniziò a fabbricarsi il suo arco e le sue frecce, per poter finalmente
adempiere al suo lavoro di dio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCNfL9YGtma4hXn9v81JurVYq6H4xdw7T5C7a3BMB-IJ8o0XZ-B98VuxViXowwlmmrskVWscDgxJjAjDljGtAgv_rylr1NXmX76dk-37z9zGscLFJzQANhOPoxr79t5y7d2nSseDEOevw/s1600/Parmigianino_-_Cupido+che+fabbrica+l'arco.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCNfL9YGtma4hXn9v81JurVYq6H4xdw7T5C7a3BMB-IJ8o0XZ-B98VuxViXowwlmmrskVWscDgxJjAjDljGtAgv_rylr1NXmX76dk-37z9zGscLFJzQANhOPoxr79t5y7d2nSseDEOevw/s1600/Parmigianino_-_Cupido+che+fabbrica+l'arco.jpg" height="400" width="192" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Parmigianino, Eros che
fabbrica</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> l’arco, 1535, olio su tela,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> Kunsthistorische Museum, Vienna</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una ricostruzione
riportata su tela dal <b>Parmigianino</b> nel dipinto del 1535, che raffigura il bellissimo
ragazzetto girato di spalle, intento a fabbricarsi un arco da un ramo di legno.
Oltre a <b><i>Cupido</i></b>, dipinto secondo un’attenzione ai particolari fisiognomici
tipica del pittore parmense, ritratto con sguardo fiero e determinato tipico di
chi è consapevole di quale sarà il suo compito, nella parte inferiore trovano
posto anche le raffigurazioni di due fanciulli, che taluni studiosi riconducono
alle personificazioni di Anteros e Liseros (la potenza dell’amore e la forza necessaria per
respingerlo, o l’Amor Profano e l’Amor Sacro), ripresi mentre il primo cerca di
sopraffare la seconda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E non è un caso che
Anteros sia presente nella tela del Parmigianino, considerando che
mitologicamente parlando il dio dell’amore corrisposto è fratello di Eros e sua
parte vitale. Infatti il mito narra che, Afrodite preoccupata del fatto che il
figlioletto non crescesse, chiese aiuto alla titanide Temi che, le consigliò di
generare assieme all’amante Ares un fratellino per suo figlio. Così nacque
Anteros, che permise ad Eros di poter crescere in modo sano potendo godere dell’affetto
di un fratello: unica pecca, non appena Antenos si allontanava da Eros, quest’ultimo
tornava bambino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5GVXe47TkBSqmamIFDWfjDVqWHP7nVQhjodMqtZfbihFkjvm2UQ88bRK0U1UgJjZeYRDS9kDENTcNchT2KWfeYtw0DOtHcq_fYmNFinUNVT_V9qhuPBKHQKAUBtSNfc8T5x826bSGluQ/s1600/Eros+accompagnato+da+Pehito+affresco+romano.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5GVXe47TkBSqmamIFDWfjDVqWHP7nVQhjodMqtZfbihFkjvm2UQ88bRK0U1UgJjZeYRDS9kDENTcNchT2KWfeYtw0DOtHcq_fYmNFinUNVT_V9qhuPBKHQKAUBtSNfc8T5x826bSGluQ/s1600/Eros+accompagnato+da+Pehito+affresco+romano.jpg" height="256" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Eros accompagnato da Peito, I sec. d.C., affresco, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Museo Archeologico Nazionale, Napoli</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Già un affresco del I
sec. d.C. rinvenuto in una casa pompeiana ed attualmente conservato al Museo
Archeologico Nazionale di Napoli, testimonia la compresenza dei due dei, ritratti
come piccoli fanciulli. Nel dipinto murale, il piccolo <b><i>Eros viene accompagnato
da Peito</i></b>,<b><i> la personificazione della persuasione, che lo lascia a sua madre
Afrodite in compagnia di Anteros</i></b>: con la presenza della Persuasione infatti il
dio dell’amore spera di ottenere dalla madre una punizione più clemente, per
ottemperare alla colpa di aver scagliato dardi d’amore alla rinfusa e a
casaccio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiNn0XpZrQqTKq1v19bxPQfdXiR9gSUnfe5N2xvEKWkPl73FTPNZ86YppbiHwKFrT790rp9uUuYLFMefp9mUJSSAu9VHMAn5fK7H5mV-WBTUqiygWXrMUvJlV7Z1rH8ITlAvYUjHo1woc/s1600/Camillo_Procaccini_-_Eros_e_Anteros.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiNn0XpZrQqTKq1v19bxPQfdXiR9gSUnfe5N2xvEKWkPl73FTPNZ86YppbiHwKFrT790rp9uUuYLFMefp9mUJSSAu9VHMAn5fK7H5mV-WBTUqiygWXrMUvJlV7Z1rH8ITlAvYUjHo1woc/s1600/Camillo_Procaccini_-_Eros_e_Anteros.jpg" height="320" width="267" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">C. Procaccini, Eros e Anteros, inizi XVII sec.,</span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">su</span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;"> tela, Museu Nacional de </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Belas Artes, Rio de Janeiro</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un rapporto fraterno e
propedeutico che però viene messo in discussione e addirittura invertito dal
Rinascimento in poi, quando in Anteros si volle vedere la figura </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">dell’Amore Sacro, </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">più
accondiscendente ai canoni neoplatonici in vigore nelle corti, in contrapposizione per l’appunto alla visione dell’Amor Profano –
desiderio, carnalità, seduzione – rappresentato come anzidetto da Eros.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una rivalità che sul
piano artistico si tramuta in una lotta continua tra i due fratelli, dove ad
avere la meglio sarà sempre ovviamente l’Amor Sacro: si vedano su tutti il dipinto
di <b>Camillo Procaccini</b> sito al Museu Nacional de Belas Artes di Rio de Janeiro –
inizi XVII sec. – ed il gruppo scultoreo di <b>Antonio Raggi</b> del 1645 ca, esposto nella
Galleria Estense di Modena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9QBsFdIsML0nBhwIlQuYiqOM5WMpU4lOyFUeYLdCGBd_ERQEDiFxi_uora_Afzy1Si5s-wlqZvQV6k_BFKMoPM0HLQ1q2_fKhVu5ZdhJ4KgFwGudNPdBon2bDh91OW9Kklimm6-PRfpg/s1600/Raggi_Amore+sacro+Amor+profano,+Modena,+Galleria+Estense.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9QBsFdIsML0nBhwIlQuYiqOM5WMpU4lOyFUeYLdCGBd_ERQEDiFxi_uora_Afzy1Si5s-wlqZvQV6k_BFKMoPM0HLQ1q2_fKhVu5ZdhJ4KgFwGudNPdBon2bDh91OW9Kklimm6-PRfpg/s1600/Raggi_Amore+sacro+Amor+profano,+Modena,+Galleria+Estense.jpg" height="320" width="263" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">A. Raggi, Amor Sacro e Amor Profano, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">1645 ca, marmo, Galleria Estense, Modena</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I due fratelli ritratti
dal Procaccini sono intenti a litigare forzatamente tra loro stringendo una
palma: le espressioni sono di sforzo immane – compensandosi in forza i due fratelli,
nessuno dei due riesce a sopraffare l’altro – l’aria è tesa, aiutata da un
panorama angosciante in cui nuvoloni preannunciano un temporale; nulla di più
diverso dall’armonico e celestiale affresco raffigurante <b><i>Eros e Antenos</i></b> di
<b>Annibale Carracci</b> alla Galleria Farnese, che però richiama perfettamente le
pose dei due fratellini, e dal quale forse il Procaccini ha preso spunto per la
sua tela.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La scultura del Raggi,
di impostazione berniniana è tutta un crescendo di tensione muscolare e volumi,
dato dalla rotante torsione del fanciullo in piedi e dalla sfinita forza con
cui il fanciullo cascato tenta di opporre resistenza: il primo trionfante è l’Amor
Sacro nelle sembianze di Antanos, il secondo vinto è l’Amor Profano nella
figura di Eros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3NWDC1oaG55fIj4062i4fHTtmgdT18HK9WVBaKmyGWzVuJ79xSOGT-mLVGEjeMX8Ph8S-B0E-77cETQdpOEmYTRELXHeKCjn5uzzmFFXxyfV_hmv1adoJ0UQvWT-zmfaSSOnz8VWPt7o/s1600/Annibale_Carracci,_Eros_e_Anteros.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3NWDC1oaG55fIj4062i4fHTtmgdT18HK9WVBaKmyGWzVuJ79xSOGT-mLVGEjeMX8Ph8S-B0E-77cETQdpOEmYTRELXHeKCjn5uzzmFFXxyfV_hmv1adoJ0UQvWT-zmfaSSOnz8VWPt7o/s1600/Annibale_Carracci,_Eros_e_Anteros.jpg" height="410" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Carracci, Eros e Anteros, 1597 – 1600,
affresco, Galleria Farnese, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Mentre quando è in
compagnia di sua madre Venere, Cupido viene ritratto dagli artisti del XV – XIX
sec. in più situazioni, alcune intimistiche altre giocose, altre ancora dense
di simbolismi e significati più nascosti. Come nel caso della tela di <b>Lorenzo
Lotto</b> al Metropolitan Museum, raffigurante <b><i>Cupido e Venere,</i></b> del 1530 ca.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nell’opera di chiara
impostazione rinascimentale – si vedano gioielli, tendaggi ed ornamenti a
testimonianza di ciò – la Venere vestita solo di un velo trasparente, di una
tiara tempestata di pietre preziose, di orecchini ed un bracciale, si diletta a
stuzzicare con un Cupido irriverente che gioca a centrare una ghirlanda di
mirto col getto della pipì. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tutto qui, riconduce al matrimonio ed alla fecondità:
la tiara ed il velo di Venere, tipica acconciature delle nozze; la conchiglia
appesa sul suo capo, che indica la femminilità; la cornucopia sull’attaccatura
del drappo rosso, che simboleggia abbondanza e fecondità; l’orecchino di perla
della Venere, a dimostrazione della purezza della donna; la ghirlanda di mirto,
sempreverde come l’amore e il matrimonio, ed infine il getto di urina che cade
sulla donna, un piccolo gioco allusivo alla fertilità augurante. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0PEnnh0jen-THWKdEdKENSaI4XMaq_ohzDdbPYX7k6QRWU-Yv0dFht8qBNtG4e2KcUOOShV4RiBMKSE3K6iln6gtjl6JsI94CKj2AZIrm02xqNjedoF7tC8GY8jZ-al_krIGNUZGlmfI/s1600/cupido+e+venere+lorenzo+lotto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0PEnnh0jen-THWKdEdKENSaI4XMaq_ohzDdbPYX7k6QRWU-Yv0dFht8qBNtG4e2KcUOOShV4RiBMKSE3K6iln6gtjl6JsI94CKj2AZIrm02xqNjedoF7tC8GY8jZ-al_krIGNUZGlmfI/s1600/cupido+e+venere+lorenzo+lotto.jpg" height="530" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Lotto, Cupido e Venere, 1530 ca, olio su
tela, Metropolitan Museum of Art, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio4G9RXKtgJLcr_r5vhZ5TDl69mbml0XzfiP7SAUVrMy16L6ACmwL_fnLZixBV7vrrhifGHGIEvQ8DmLsAU0nVugDTBu-2AA5azHwVVXQ83EFtZm_oE8H_Q7BDL4cg_f8AE5laOP2AjqI/s1600/Luca_Giordano_-_Venus,_Cupid_and_Mars.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio4G9RXKtgJLcr_r5vhZ5TDl69mbml0XzfiP7SAUVrMy16L6ACmwL_fnLZixBV7vrrhifGHGIEvQ8DmLsAU0nVugDTBu-2AA5azHwVVXQ83EFtZm_oE8H_Q7BDL4cg_f8AE5laOP2AjqI/s1600/Luca_Giordano_-_Venus,_Cupid_and_Mars.jpg" height="400" width="337" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Giordano, Venere Cupido e Marte, 1663, <br />olio
su tela, Museo di Capodimonte, Napoli</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’idea del getto viene
in seguito riproposto circa vent’anni dopo anche da <b>Luca Giordano</b> nel suo
dipinto con <b><i>Venere, Marte e Cupido</i></b>, in cui i due amanti sono intenti a chiacchierare
tra di loro, mentre la sontuosa, ingioiellata e sensuale Venere allatta il
piccolo Cupido che scalpita e si dimena: dal seno della dea escono schizzi di
latte diretti alla bocca del bambino, a simboleggiare la fertilità e la
fecondità, così come lo era il getto di urina nell’opera del Lotto. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ancora altri temi
inerenti al rapporto di Cupido con Venere sono dati dal disarmo del suo arco da
parte della madre, che spesso soleva indispettirlo in questo modo. <b>Paolo
Veronese</b> nella sua tela che raffigura appunto <b><i>Cupido disarmato da Venere</i></b>,
raffigura proprio quest’ultimo passaggio attraverso le espressioni dei due
protagonisti, dove la mamma è divertita dal fatto di aver privato dei poteri il
piccolo figlioletto, ed il dio è infastidito e irritato dalla cosa, tanto da
cercare di aggrapparsi a lei cercando di riprendersi la sua arma. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivKIH51xtIe3kXReVrXolJmMX3XVbGOFXMLDxuHooh-4VWs9CUdNBvmkKDUvaSciPiS_o05T_04PLkK_LBJxQANEgKZxj2giVfL4y9yqKnjouqJNtVoZXx5CQuECetyQ777W4mAJ5gKIc/s1600/Paolo_Veronese_Venus_Disarming_Cupid,_Worcester_Art_Museum,_c._1560.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivKIH51xtIe3kXReVrXolJmMX3XVbGOFXMLDxuHooh-4VWs9CUdNBvmkKDUvaSciPiS_o05T_04PLkK_LBJxQANEgKZxj2giVfL4y9yqKnjouqJNtVoZXx5CQuECetyQ777W4mAJ5gKIc/s1600/Paolo_Veronese_Venus_Disarming_Cupid,_Worcester_Art_Museum,_c._1560.jpg" height="640" width="564" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Veronese, Cupido disarmato da Venere, 1560
ca, olio su tela, Worcester Art Museum, Worcester</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwPnvucLwhQAjOETGrg6Nw7pZA-8KpOY0uye3bHF4lETolsqrECPJXWERWh6A6dGTu6vcnIvHfNph3SQoh6aKlRW5LcYnuBsWu9hJwSPGjefYlSsWw3KGnUBKv0WBpCxxJk9TM-Bd3SWw/s1600/pompeo+batoni+diana_rompe_l_arco_di_cupido.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwPnvucLwhQAjOETGrg6Nw7pZA-8KpOY0uye3bHF4lETolsqrECPJXWERWh6A6dGTu6vcnIvHfNph3SQoh6aKlRW5LcYnuBsWu9hJwSPGjefYlSsWw3KGnUBKv0WBpCxxJk9TM-Bd3SWw/s1600/pompeo+batoni+diana_rompe_l_arco_di_cupido.jpg" height="228" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Batoni, Diana rompe l’arco di Cupido, 1761,
<br />olio su tela, Metropolitan Museum of Art, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa preoccupazione
che si legge nel dipinto di <b>Pompeo Batoni </b>sito al Metropolitan Museum, di due
secoli più tardo di quello del Veronese, in cui però a indispettire il dio dell’amore
non è Venere ma Diana, la dea della caccia. L’azione in questione però è più
drammatica perché la dea, seduta su una roccia, immersa in un paesaggio
boschivo suo habitat naturale, è intenta a spezzare l’arco del dio – o almeno a
fargli credere che farà questo. Sul volto di Cupido, per quanto la sua figura
sia di profilo se non quasi voltata verso la dea, è comunque ravvisabile tutta
la preoccupazione e lo sconcerto procurate dal folle gesto di Diana, che così
facendo priverebbe il dio del mezzo utile a far innamorare o disinnamorare la
gente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Magari un gioco o
forse una vendetta quella della <b><i>Diana</i></b> di Batoni, considerando quanto Cupido
fosse poco gradito agli altri dei – ed in generale al popolo greco – per il suo
modo giocoso, combinaguai e vendicativo di scagliare frecce tra dei e mortali o
semidei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ne è un esempio il
mito di Apollo e Dafne, che racconta la vicenda per cui Cupido, irritato e
geloso delle imprese eroiche di Apollo, decise di farlo innamorare di una donna
che non gli avrebbe mai corrisposto: quindi, prendendo due frecce che avrebbero
procurato nelle persone colpite due sentimenti diversi, scagliò verso il Dio il
dardo con la punta d’oro per farlo innamorare della ninfa Dafne, e verso la
ragazza un dardo con la punta di ferro per farla fuggire dall’amore di Apollo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela del 1615 di
<b>Francesco Albani</b> sita al Louvre, racconta proprio il momento in cui il piccolo
ed irresponsabile Cupido, attorniato da una nuvola fumosa che apre alla dorata
atmosfera in cui lui prende posto, si diverte ad ammirare la scena in cui
<b><i>Apollo insegue Dafne</i></b> – indicatagli dallo stesso ragazzino con l’indice; l’epilogo
è presto detto: Dafne, inorridita all’idea di cadere nelle grinfie di Apollo,
chiede a sua madre Creusa si salvarla, venendo da questa trasformata in una
pianta di alloro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS_3mbXF9JC0yvvcnGyW17ym40qAZd_z2dVPXy6ULfmzR5dkTcvPsF6Gb5CHJoYo4hIl9U7cS2EKPMezkD2MQFCtewcJkCsylGSfjFbXdY8JJBcENp76zaBeNtJYuqhSPhqUfXUL-yfq0/s1600/apollo_daphne+francesco+albani.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS_3mbXF9JC0yvvcnGyW17ym40qAZd_z2dVPXy6ULfmzR5dkTcvPsF6Gb5CHJoYo4hIl9U7cS2EKPMezkD2MQFCtewcJkCsylGSfjFbXdY8JJBcENp76zaBeNtJYuqhSPhqUfXUL-yfq0/s1600/apollo_daphne+francesco+albani.jpg" height="288" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Albani, Apollo e Daphne, 1615, olio su tela,
Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma lo stesso dio oltre
a provocare gli altri dei con le sue frecce, in un’occasione ne rimase egli per
primo colpito: accadde infatti una volta che, spinto da sua madre a vendicarla
perché una fanciulla mortale bellissima, tale Psiche, veniva costantemente
paragonata a lei, invece di scagliare la freccia d’innamoramento verso il più
brutto e repellente degli uomini, la indirizzò inavvertitamente verso il suo
piede, cadendo egli per primo vittima del suo potere. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Non potendo quindi
annullare quanto accaduto, rapì la bella Psiche per portarla nella sua dimora;
la ragazza già lo aspettava in cima ad una rupe, perché le era stato predetto
da un oracolo che un uomo alato l’avrebbe rapita per prenderla in sposa, sicché
all’arrivo di Cupido, per quanto fosse angosciata dal non sapere cosa le stesse
accadendo, non era affatto sorpresa. Una tela di <b>William Adolphe Bouguereau</b> racconta proprio
questo passaggio del <b><i>rapimento</i></b>, in cui il bellissimo ed aitante Amore si libra nell’aria con la rassicurata Psiche, iconograficamente
raffigurata con ali di una falena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(Per altro lo stesso
Bouguereau non era nuovo a questo tema,
avendo dipinto una delle tele più associate al suo nome, in cui compaiono <b><i>Amore
e Psiche fanciulli </i></b>attorniati da nuvole).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggek498j9L5bCk6XmCoiWXWpAHGHxUIfBLI3H1-fWMN_6itMbjMw23lLXWLWIgwkeojO5Z7YwPKS1KjiCmWa6Cp9rTW2xaqn6mtGp_vgMyjznhLOXZR9QyZbRAdimPmSZzEF4hDBFBpzU/s1600/rapimento+di+psiche,+bouguereau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggek498j9L5bCk6XmCoiWXWpAHGHxUIfBLI3H1-fWMN_6itMbjMw23lLXWLWIgwkeojO5Z7YwPKS1KjiCmWa6Cp9rTW2xaqn6mtGp_vgMyjznhLOXZR9QyZbRAdimPmSZzEF4hDBFBpzU/s1600/rapimento+di+psiche,+bouguereau.jpg" height="400" width="222" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. W. Bouguereau, Il
rapimento di Psiche, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1895, olio su tela, collezione privata </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlGdmP_51413MIqwZ9SztU5vlRhEzqFesf36DwjEPsKpDAI0WSasnYzmyKIoSOhNgO2ao-cmgVhqFIxTmIm8qua-n9wZzs1qg3zYgAyyVxeKUjXnOCah1sFkPDjg8jNSniQuEGnq2aHJ4/s1600/Bouguereau_amore+e+psiche+fanciulli.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlGdmP_51413MIqwZ9SztU5vlRhEzqFesf36DwjEPsKpDAI0WSasnYzmyKIoSOhNgO2ao-cmgVhqFIxTmIm8qua-n9wZzs1qg3zYgAyyVxeKUjXnOCah1sFkPDjg8jNSniQuEGnq2aHJ4/s1600/Bouguereau_amore+e+psiche+fanciulli.jpg" height="400" width="238" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. W. Bouguereau, Amore e Psiche fanciulli,<br /> 1890, olio su tela, collezione privata</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una volta nella dimora
di Amore, il dio chiese alla fanciulla di potersi accoppiare ed incontrarsi
solo di notte, onde evitare sia che lei potesse scoprire la sua natura di dio e
che sua madre venisse a sapere di questo amore e così accadde per molte notti:
la tela di <b>Jacques Louis David</b> cattura un tipico momento post accoppiamento, in
cui un soddisfatto e sornione Amore è intento ad alzarsi dal letto per sparire
prima che l’avvenente Psiche si svegli; fuori l’arrivo dell’alba ricorda che il
suo tempo è scaduto è la luce non gli sarà favorevole, per cui è tempo di andare.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3f8et9MB-kHMiLDo9wGzbJbwwTBu3gmjTnAz0ZBUgDpvPjyUE37zjYhSTz3ISqDK8QGVnMAsjHSpGXmzuFef7YzW1fQCA0VFHeiBU-fjChDbxdo44E4_O1s3nciJAnTU99YnxMKFUPU/s1600/david_cupido-psiche.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij3f8et9MB-kHMiLDo9wGzbJbwwTBu3gmjTnAz0ZBUgDpvPjyUE37zjYhSTz3ISqDK8QGVnMAsjHSpGXmzuFef7YzW1fQCA0VFHeiBU-fjChDbxdo44E4_O1s3nciJAnTU99YnxMKFUPU/s1600/david_cupido-psiche.jpg" height="465" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. L. David, Amore e Psiche, 1817, olio su tela,
Cleveland Museum of Art, Cleveland</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E quindi accadde che
alla fine però, vinta dalla curiosità ed aizzata dalle sue sorelle che
premevano affinché ella conoscesse l’identità di suo marito, una notte mentre
Amore dormiva, si svegliò, prese una lampada ad olio, l’accese ed illuminò il
suo sposo, scoprendo chi in realtà questi fosse. Ma una goccia d’olio bollente
cadde sul dio, svegliandolo, che non gradì la cosa e decise di fuggire da lei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5SaRZyAZVu6o2o2ulGZa6831oR-9ZcqeK6GZJWvQDUQ-j-Wbs9ioeGM4U96JLpWYMWBXTARDKP-E1NeMXWAR9H2NAalRytYwfs443oTmFNiOSPtPmzi38kX55Y47ayOUNE5bCOunCD0c/s1600/Giuseppe_Maria_Crespi_-_Amore_e_Psiche.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5SaRZyAZVu6o2o2ulGZa6831oR-9ZcqeK6GZJWvQDUQ-j-Wbs9ioeGM4U96JLpWYMWBXTARDKP-E1NeMXWAR9H2NAalRytYwfs443oTmFNiOSPtPmzi38kX55Y47ayOUNE5bCOunCD0c/s1600/Giuseppe_Maria_Crespi_-_Amore_e_Psiche.jpg" height="199" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. M. Crespi, Psiche scopre Amore, 1709, <br />olio su
tela, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Diversi artisti
contestualizzarono questo episodio nelle loro tele riguardanti Amore e Psiche,
uno tra tutti fu <b>Giuseppe Maria Crespi</b>, che lavorò alla corte medicea agli
inizi del XVIII sec. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel dipinto in cui
<b><i>Psiche scopre l’identità di Amore</i></b>, è qualitativamente ottimo il gioco di luci
ed ombre che vanno a sovrapporsi sui protagonisti e nell’ambiente circostante,
per cui viene garantita l’idea di notte, il senso dello scoprimento del dio,
del suo fastidio e della sorpresa della donna: d’altronde le espressioni
parlano chiaro, Amore sembra sorpreso in negativo dal gesto nefasto della
donna, tentando di coprire il suo volto con la mano affinché lei non possa
guardarlo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per potersi
ricongiungere quindi con il suo amato, Psiche dapprima si sbarazzò delle
sorelle – i miti greci sapevano essere molto cruenti – poi chiese alla madre di
lui, Venere, se ci fosse un modo per poter riavere indietro suo marito. La dea
quindi mossa a compassione ma desiderosa allo stesso tempo di veder compiuta la
sua vendetta, le ordinò di superare ben quattro prove impossibili, che però
furono concluse grazie all’aiuto che Psiche ricevette da animali ed altri dei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Quindi l’epilogo
amoroso per eccellenza: dopo tante fatiche Psiche e Amore si ritrovano e
finalmente possono coronare il loro sogno di stare insieme per sempre. Un
sentimento che nessuno meglio di </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Antonio Canova</b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">, seppe mettere in evidenza nel
suo gruppo scultoreo del 1788 di </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><i>Amore e Psiche</i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">, uno dei pezzi forti del
Louvre, in cui i due amanti vengono raffigurati in una posa elegante e
leggiadra, in modo che le due figure formino una X incrociando le ali del dio
con il suo corpo e quello della donna, nell’attesa spasmodica e desiderata che
quel bacio tra le due figure così vicine tra di loro, avvenga prima o poi. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJrYmIr4MuYzTcGn8PoVAPNozuaAYJva_4x-hUwCsKC7ehcDvv7cVFNS3KiABqShv_XFdWbHiHA-E6zgogFNwODNKpTrGw-XCX6xOkK5bvLX99KR3Bvrlwa-jgOioiqtGtZ_DX2izl_wg/s1600/Cupido-Psiche+canova.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJrYmIr4MuYzTcGn8PoVAPNozuaAYJva_4x-hUwCsKC7ehcDvv7cVFNS3KiABqShv_XFdWbHiHA-E6zgogFNwODNKpTrGw-XCX6xOkK5bvLX99KR3Bvrlwa-jgOioiqtGtZ_DX2izl_wg/s1600/Cupido-Psiche+canova.jpg" height="608" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Canova, Amore e Psiche, 1793, marmo, Musèe du
Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">POST CORRELATI:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ZEUS / GIOVE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_24.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: AFRODITE / VENERE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_27.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ATENA / MINERVA</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ARES / MARTE </a></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_18.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ERA / GIUNONE </a></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-6286235183087767342015-01-01T07:34:00.000-08:002015-01-18T11:01:00.661-08:00Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ARES / MARTE <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Se Atena / Minerva è
la divinità che impersona più di tutti le virtù appartenenti all’uomo,
sicuramente <b>Ares / Marte </b> è quella che
raccoglie sotto di sé la maggior parte delle qualità negative facenti parte del
vivere quotidiano dell’essere umano. Dio maschile della guerra (quella
femminile è per l’appunto Minerva), Marte infatti è da sempre contraddistinto
nel suo modo di essere e di fare come un guerriero irascibile, presuntuoso,
arrogante, attaccabrighe. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1saK5JsBUZhw0vPq4L8WlE9Cja9PFa8_dvzzSMnxmh6eT7xYYG9INPVscSXekzynN3Yzh-SJ7Ap1xKkGzZEEcSPCoEBpLaKqBuY6ekGG_YYaY8ln8rhFQ2gDTph59JLgAEUbNmWi4I8w/s1600/Ares_Ludovisi_Altemps_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1saK5JsBUZhw0vPq4L8WlE9Cja9PFa8_dvzzSMnxmh6eT7xYYG9INPVscSXekzynN3Yzh-SJ7Ap1xKkGzZEEcSPCoEBpLaKqBuY6ekGG_YYaY8ln8rhFQ2gDTph59JLgAEUbNmWi4I8w/s1600/Ares_Ludovisi_Altemps_.jpg" height="400" width="250" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Ares Ludovisi (copia di un originale greco<br />di Lisippo o Scopa), 200 a.C., marmo, <br />Palazzo Altemps,
Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Questo perché il più
violento degli dei, è la divinità che personifica gli aspetti più brutali e
devastanti della guerra; gli stessi uomini diffidavano di lui e dei suoi
consigli, ben sapendo che nulla di buono potesse derivare dalla sua persona. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sul piano artistico,
per quanto il dio non fu molto venerato proprio per questi motivi, nelle
occasioni in cui accadeva, questo veniva rappresentato come un uomo aitante,
muscoloso e forzuto, spesso – ma non
necessariamente – provvisto di armatura, elmo, scudo ed armi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un esempio
meraviglioso di scultura classica è l’<b><i>Ares Ludovisi</i></b>, statua marmorea custodita
in Palazzo Altemps a Roma, copia romana del I sec. a.C., di un originale greco
attribuibile agli scultori <b>Scopa</b> o <b>Lisippo</b> del 320 a.C.: lo storico Winkelmann la
giudicò nel XVIII secolo la raffigurazione di Marte più bella dell’antichità e
non a torto; concentrato in un atteggiamento pensoso, il Marte scoperto nel
1622 e restaurato dal <b>Bernini</b> – il quale apportò la piccola scultura
dell’amorino sulla gamba sinistra – siede su una roccia, completamente nudo, in
modo tale però da coprire le sue gambe tenendo il ginocchio sinistro piegato e
sorretto dalle mani, e la gamba destra leggermente distesa. Il suo armamentario
quindi, va a creare volumi in modo elegante su tutta la scultura: l’elmo fa da
poggiapiedi al dio, la spada tenuta per le mani, taglia in due orizzontalmente
la scultura, lo scudo tondo sul versante destro crea un gioco di forme molto
armonico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Molto più pomposo ed
altisonante risulta invece il<b><i> Marte</i></b> in marmo del I sec. d.C., sito ai Musei
Capitolini di Roma, ritrovato nel Foro di Nerva nel XVI secolo e facente parte
della collezione dei Capitolini dal 1740: ritenuto sin alla gran parte del
XVIII secolo come una raffigurazione di Pirro, re dell’Epiro, per via degli
elefanti che scandivano le frange dell’abito, il Marte in questione appare fiero
e magnifico nella sua armatura tipica romana, elegante e preciso nei ricci che
compongono barba e capigliatura secondo lo stile tipico imperiale di epoca
adrianea. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Modelli che nel corso
dei secoli, ritrovano riscontri negli artisti soprattutto rinascimentali e
neoclassici: nel primo caso si può prendere in esame il <b><i>Marte</i></b> che <b>Jacopo
Sansovino</b> scolpì presso il Palazzo Ducale di Venezia nel 1566: una figura muscolosa
ed anatomicamente proporzionata, nel quale la virilità del dio è ben visibile
nella tensione muscolare scolpita negli arti della statua marmorea. Anche gli
elementi iconografici appartenenti al dio sono ben chiari: lo scudo poggiato al
polpaccio dell’uomo e l’elegante elmo da parata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl0anoAlWzVmVo6ftF6M2u6r7CYS9-4NUeRmD7YUhUTfLdly72shcp6zy69Ahc_3PhSE6uTz5meWJ8-BwYqyql_7n3v8i9LlamC2wddaQSnbIB8vvAKL3ekPtrnWwFahBGBiNMZdY4aZM/s1600/marte+musei+capitolini+I+sec.+a.C..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl0anoAlWzVmVo6ftF6M2u6r7CYS9-4NUeRmD7YUhUTfLdly72shcp6zy69Ahc_3PhSE6uTz5meWJ8-BwYqyql_7n3v8i9LlamC2wddaQSnbIB8vvAKL3ekPtrnWwFahBGBiNMZdY4aZM/s1600/marte+musei+capitolini+I+sec.+a.C..jpg" height="400" width="225" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Marte, I sec. d.C., marmo, <br />Musei Capitolini,
Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgktWIT_XH76EK_41uPsfmUE3_IBuuJybXoWVGGMEI6LB_B6LIZnQpfMk-pwB28P_5EHMVHAxCzGRI2FPLll9p1g0wJeDBpgrsiXHOTkSRrVA8-EOXNl1erVnCULIxCbW3F86lLGCVrnrw/s1600/sansovino+ares+di+palazzo+ducale.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgktWIT_XH76EK_41uPsfmUE3_IBuuJybXoWVGGMEI6LB_B6LIZnQpfMk-pwB28P_5EHMVHAxCzGRI2FPLll9p1g0wJeDBpgrsiXHOTkSRrVA8-EOXNl1erVnCULIxCbW3F86lLGCVrnrw/s1600/sansovino+ares+di+palazzo+ducale.jpg" height="400" width="166" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Sansovino, Marte, 1566, <br />marmo, Palazzo
Ducale, Venezia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2GG8Us7eCBU7LFSUk6pJe2nhlDGt7ahi0BVR7e-MN-4E6mbVWcR6ElvFzJ-zDAw8bPr9RpOTYtq2dAmRzdvflYEI8wL5A9Ub3PLOxjGs6Y6l3FqsOnpsoiqqjfR966LvgMxVUUNfVj4A/s1600/Napoleone+Marte+pacificatore.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2GG8Us7eCBU7LFSUk6pJe2nhlDGt7ahi0BVR7e-MN-4E6mbVWcR6ElvFzJ-zDAw8bPr9RpOTYtq2dAmRzdvflYEI8wL5A9Ub3PLOxjGs6Y6l3FqsOnpsoiqqjfR966LvgMxVUUNfVj4A/s1600/Napoleone+Marte+pacificatore.jpg" height="400" width="202" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Canova, Napoleone
come </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Marte pacificatore, 1802 – 1806, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">marmo, Apsley House, Londra</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel secondo caso,
l’esempio più significativo è dato dal <b><i>Napoleone come Marte Pacificatore</i></b>,
scultura di <b>Antonio Canova </b>del 1802 – 1806, sito attualmente presso l’Apsley
House a Londra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In questo caso la
riconduzione al dio è più simbolica che iconografica, volendo lo scultore
raffigurare l’imperatore francese nel suo ruolo di conduttore di pace: una
scultura non riuscita su due lati; se da un verso infatti, come anzidetto, è
contrastante consegnare alla figura di Marte il ruolo di pacificatore, per cui
automaticamente l’associazione viene a rendersi poco credibile, dall’altro fu
lo stesso Napoleone a non gradire la statua, che lo ritraeva nudo e con un
fisico che non rispecchiava quello reale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche sul piano
pittorico, il dio è stato rappresentato in modo fiero e imponente, laddove
ritratto meramente nel suo ruolo di dio della guerra devastante e distruttrice:
ne danno un caro esempio Bartholomeus Spranger e Diego Velazquez a distanza di
mezzo secolo l’uno dall’altro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma se il <b><i>Marte dio
della guerra</i></b> di <b>Velazquez</b> è un dio assiso e pensoso, rilucente nel suo elmo
d’oro e catturato in un momento di pace e quotidianità ad armi riposte sul
pavimento, il <b><i>Marte sul campo di battaglia</i></b> di <b>Spranger </b>è invincibile,
mitologico e potente, ritratto con il volto di profilo mentre guarda alla
vittoria e con il corpo frontale, preciso e scolpito secondo uno stile
manieristico ormai ben consolidato da decenni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2HBNgwVywqL4EPXr1NSYuHpyfrpCQyDz_s4y9X58f4b7x_Gif-qU759JTeehOvP3Z834jN8QuVsFW0DBCSE4i1f1llGlVpvYLBMCjvWFTK7m8Kmbl42r7lVnwrM0Iq4uBREXoISWKeY0/s1600/Vel%C3%A1zquez_-_Dio_Marte_(Museo_del_Prado%2C_c._1638).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2HBNgwVywqL4EPXr1NSYuHpyfrpCQyDz_s4y9X58f4b7x_Gif-qU759JTeehOvP3Z834jN8QuVsFW0DBCSE4i1f1llGlVpvYLBMCjvWFTK7m8Kmbl42r7lVnwrM0Iq4uBREXoISWKeY0/s1600/Vel%C3%A1zquez_-_Dio_Marte_(Museo_del_Prado%2C_c._1638).jpg" height="400" width="205" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Velazquez, Marte dio della guerra, <br />1638, olio
su tela, <br />Museo del Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlOTo6ay0S1ex_36DfXQQzZpXpk0T_giCQqCNVP63_shadDAeR217o9SUC2h-euebBvrZ6WOwS_M8mMd65i07ZfeCHXlH8KI-PNfkBcQhpoeo8Qo1sa0K_IHlMbORlhyphenhyphenZG7M-tFKHblzE/s1600/-Bartholomeus_Spranger_-_Marte+sul+campo+di+battaglia_1580.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlOTo6ay0S1ex_36DfXQQzZpXpk0T_giCQqCNVP63_shadDAeR217o9SUC2h-euebBvrZ6WOwS_M8mMd65i07ZfeCHXlH8KI-PNfkBcQhpoeo8Qo1sa0K_IHlMbORlhyphenhyphenZG7M-tFKHblzE/s1600/-Bartholomeus_Spranger_-_Marte+sul+campo+di+battaglia_1580.jpg" height="400" width="230" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">B. Spranger, Marte sul campo <br />di battaglia, 1580,
olio su tela, <br />Kunshistorisches Museum, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Y-hMy4L7H2QpSwC8ik0wLNxIwg_MRevVZ6mq2N99TZdWddmlTGx9TwAwVXZRBv6odAmiIhMfUDbTJmV-j_zqa1u2rbJ3ct9ST0fXwoerCt3-TqvndSoCF9ZGvRFhmjkJ8-O15gS_Fns/s1600/marte+e+atena+beyer.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Y-hMy4L7H2QpSwC8ik0wLNxIwg_MRevVZ6mq2N99TZdWddmlTGx9TwAwVXZRBv6odAmiIhMfUDbTJmV-j_zqa1u2rbJ3ct9ST0fXwoerCt3-TqvndSoCF9ZGvRFhmjkJ8-O15gS_Fns/s1600/marte+e+atena+beyer.jpg" height="400" width="231" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">W. Beyer, Marte e
Minerva, 1780, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black;"><span style="color: white;"><span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">marmo, </span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">Castello di Schonbrunn, Vienna </span></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sul piano mitologico
anche Ares / Marte come tutti gli dei ha un vissuto denso di aneddoti ed
eventi, fatto di rapporti familiari per alcuni lati difficili, per altri
addirittura amorosi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con la sua sorellastra
Atena / Minerva non ebbe in linea di massima rapporti pacifici ed amichevoli,
essendo le due divinità in contrasto tra loro e subendo il primo la
predominanza della seconda, più astuta, saggia e benevola: il gruppo scultoreo
in marmo del 1780, scolpito da <b>Wilhelm Beyer</b>, attualmente al Castello di
Schonbrunn di Vienna, lascia trasparire questo rapporto di antipatia tra i due
dei, catturati nel momento in cui <b><i>Minerva blocca con un polso l’avventatezza di
Marte</i></b>, intento a sguainare la spada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Suvèe</b> è indubbiamente
più teatrale di Beyer, ma d’altronde la scelta di dipingere il rapporto tra i
due piuttosto che scolpirlo, aiuta nella resa: nel pieno del clima rococò
neoclassico, la Minerva della tela del Musèe des Beaux Art di Lille è sospesa
in volo, fluttuante nei veli della sua veste, mentre è intenta a scagliare la
sua lancia verso Marte, in tenuta da soldato, sconfitto e terribilmente
irritato dalla cosa da stringere entrambi i pugni e lasciarsi andare in uno
sguardo di rancore profondo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnjBcUVdnNpz0vnVQxUvq955avHNmLoC1PULaCmX5yF_mU8B92b5iq6sQPg0o2dyOr-HT2QPvTTnKstF_rY3RmnVz0Iu2ooZ4_iD996QAf9QswtxUSpXqkWjkbdaIVXdq9YTpVWpuuJwQ/s1600/suvee+lotta+tra+marte+e+minerva+1771.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnjBcUVdnNpz0vnVQxUvq955avHNmLoC1PULaCmX5yF_mU8B92b5iq6sQPg0o2dyOr-HT2QPvTTnKstF_rY3RmnVz0Iu2ooZ4_iD996QAf9QswtxUSpXqkWjkbdaIVXdq9YTpVWpuuJwQ/s1600/suvee+lotta+tra+marte+e+minerva+1771.jpg" height="640" width="476" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">J. B. Suvee, Lotta tra
Marte e Minerva, 1771, olio su tela, Musèe des Beaux Art, Lille</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZyeEt7D1l__jJfJ4RmXZS3OIr9XM0an50MmVz_ZXBHHTgA8LsOMpw1mIsSqHpime-zmB-IF4HTQrdpOBg5FWjZUowsfxDpbAXyIgVBqTxl-shyphenhyphentGD4E_FkJ397lSXIocjmHIe8wAbEYQ/s1600/j-paul-rubens-venere-disarma-marte1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZyeEt7D1l__jJfJ4RmXZS3OIr9XM0an50MmVz_ZXBHHTgA8LsOMpw1mIsSqHpime-zmB-IF4HTQrdpOBg5FWjZUowsfxDpbAXyIgVBqTxl-shyphenhyphentGD4E_FkJ397lSXIocjmHIe8wAbEYQ/s1600/j-paul-rubens-venere-disarma-marte1.jpg" height="243" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Rubens, Venere disarma Marte, 1610, olio <br />su
tela, J. Paul Getty Museum, Los Angeles</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente è Afrodite
/ Venere però la dea con cui Marte è più in sintonia, essendo questa l’unica
divinità capace di farlo capitolare. È errato credere, come è uso comune, che
Marte fosse il compagno di Venere, perché la donna era sposata a Efesto /
Vulcano nonostante scegliesse lui per le sue avventure erotiche in quanto più
aitante e prestante del marito, avendo su di lui un potere non indifferente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il modo ammaliante
della dea di sedurre Marte, di fargli perdere la testa con le sue moine e la
sua avvenenza, sono testimoniate in molte opere, una tra tutte la tela di
<b>Rubens</b> al Paul Getty Museum di Los Angeles: nella <b><i>Venere che disarma Marte</i></b>, la
dea coperta solo da un leggerissimo velo, mentre fissa l’uomo inducendo questo
ad abbandonarsi totalmente a lei, gli sfila l’elmo, aiutata dagli amorini che
pensano a togliere spada e scudo dalle mani del dio guerriero.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_QdRbzOYK6-RbtyFMELZm3tUzaVyTO6OYXvjOjmnWF6ufiHJMrtWUZK9EIshfr6f88QfvnDJF0k1_kg-J_2Dck748UikEoG7re941kfX-OinBlpOALGSi3ucZ2hUuft6aUKuwu4SYi-A/s1600/marte+e+venere+pompei.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_QdRbzOYK6-RbtyFMELZm3tUzaVyTO6OYXvjOjmnWF6ufiHJMrtWUZK9EIshfr6f88QfvnDJF0k1_kg-J_2Dck748UikEoG7re941kfX-OinBlpOALGSi3ucZ2hUuft6aUKuwu4SYi-A/s1600/marte+e+venere+pompei.jpg" height="400" width="348" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Marte e Venere, I sec. d.C., affresco, <br />(staccato dallacasa di Venere di Pompei), <br />Museo
Archeologico Nazionale, Napoli</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La liaison è stata
narrata sin dall’antichità dagli aedi e dai letterati greci e romani, e dagli
stessi fu raffigurata già in molte suppellettili, mosaici e affreschi
dell’epoca – si veda ad esempio l’affresco della <b><i>Marte e Venere</i></b> della Casa di
Venere di Pompei, sito al Museo Archeologico Nazionale di Napoli - ma è nei secoli centrali dell’arte moderna
che il ritratto dei due amanti trova fortuna iconografica, trovandosi a
simboleggiare l’allegoria dell’amore per eccellenza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Opere di carattere
erotico piuttosto che platonico; dipinti che raccontano le tresche delle due
divinità piuttosto che la loro scoperta da parte del marito di lei: la
produzione sul tema è abbondante e variegata. <b>Paris Bordon</b> nella sua tela
custodita al Kunsthistorische Museum dà, per esempio, un’ottima interpretazione
del tema che vede <b><i>Marte e Venere incoronati dalla Vittoria</i></b>: nel dipinto
ambientato in pieno Rinascimento, il dio della guerra, nella sua bronzea
armatura lucente, si lascia andare all’amore per la dea, di cui incrocia gli
sguardi; il tutto è suggellato dall’incoronazione con corone di alloro da parte
della dea della Vittoria, a simboleggiare l’amore che porta la pace. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd24stvqqZvByeIvT32Lfcp2pmIwTDrpesVfVWEHo61zTLCYPpw8mYV2SCs3imefjd8oClRz5MDE4fMzqevU0r2c-3spC_r9reSUb5NTKuI6LFVnEghXZ5xDxye6ltG1j5xUTS8s9hDO8/s1600/paris+bordon+allegoria+con+marte+venere+e+cupido.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd24stvqqZvByeIvT32Lfcp2pmIwTDrpesVfVWEHo61zTLCYPpw8mYV2SCs3imefjd8oClRz5MDE4fMzqevU0r2c-3spC_r9reSUb5NTKuI6LFVnEghXZ5xDxye6ltG1j5xUTS8s9hDO8/s1600/paris+bordon+allegoria+con+marte+venere+e+cupido.jpg" height="388" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">P. Bordon, Marte e
Venere incoronati dalla Vittoria, 1560, Kunsthistorische Museum, Vienna </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvJkwjKTaYOxYwwWNVeaXU5pztZK7vStEFfRedDOzu3T9o7VGpFe7uN4n0r31hNIDfTGArLeRIoYH4w2u2kjQ4b7Qt4VCu_jCuPJWFT8rqlwuUWfpHXMvu5TJSk9DFqd8omgDK5Yf5GlU/s1600/padovanino_marte_gioca_a_scacchi_con_venere_oldenburg_landesmuseum_1630.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvJkwjKTaYOxYwwWNVeaXU5pztZK7vStEFfRedDOzu3T9o7VGpFe7uN4n0r31hNIDfTGArLeRIoYH4w2u2kjQ4b7Qt4VCu_jCuPJWFT8rqlwuUWfpHXMvu5TJSk9DFqd8omgDK5Yf5GlU/s1600/padovanino_marte_gioca_a_scacchi_con_venere_oldenburg_landesmuseum_1630.jpg" height="272" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Padovanino, Marte
gioca a scacchi con Venere, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1630, olio su tela, Landesmuseum, Oldenburg </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quasi in tutte le
opere di questo periodo Marte viene raffigurato come un cavaliere provvisto di
armatura medievale; come da buon stile rinascimentale, manieristico e barocco,
per cui nella maggior parte dei casi gli aneddoti storici e mitologici vedevano
una loro collocazione spazio temporale nel periodo coevo agli artisti.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Lo fa anche il <b>Padovanino</b>,
nonostante il suo dipinto racconti un semplice momento quotidiano tra i <b><i>due dei,
che giocano a scacchi assistiti da Cupido</i></b>, che è sì figlio di lei, ma anche la personificazione
dell’amore, il sentimento che caratterizza il tono dell’opera. Una tela curiosa
per via della presenza di una scimmia in primo piano, in cui una furba Venere
agghindata solo di un seducente filo di perle che le attraversa il corpo,
accarezza il dio, coperto di armatura dalle rifiniture dorate ed elmo fastoso
con tanto di lunga coda pelliccia bianca, per farlo deconcentrare dalla
partita. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGAjMC3R3naJCeHb-rBAi0RfOGdrf4Z98VsFqdWe-N9zqoILuiTD1YEP3tjvcKXm6tXNjmPZEDdRKhJEhUoKbf1IJbplpyJ0as9De5Xz036pKTXo145VhS7UJAPoY3qWN8BeI0Y-8f_nc/s1600/marte+e+venere+i+modi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGAjMC3R3naJCeHb-rBAi0RfOGdrf4Z98VsFqdWe-N9zqoILuiTD1YEP3tjvcKXm6tXNjmPZEDdRKhJEhUoKbf1IJbplpyJ0as9De5Xz036pKTXo145VhS7UJAPoY3qWN8BeI0Y-8f_nc/s1600/marte+e+venere+i+modi.jpg" height="320" width="239" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Raimondi, Marte e Venere (Copia <br />del XVIII
sec. di un’incisione de’I modi)</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il tema erotico amoroso
però è probabilmente quello più trattato dagli artisti medievali, affascinati
dal carattere provocatorio e peccaminoso del tema: Giulio Romano, Agostino
Carracci, Goltzius ne lasciano testimonianze abbastanza evidenti; <b>Marcantonio
Raimondi</b>, ne’ I modi, lo trattò in maniera anche abbastanza palese, si veda giustappunto
l’incisione (copia del XVIII sec.) che ha come protagonisti proprio le due
divinità durante un amplesso. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Guercino</b> nel suo
dipinto <b><i>Marte Venere e Cupido</i></b>, ne dà una versione più soft, ritraendo il dio
nel momento in cui, scostando il tendaggio del letto a baldacchino, scopre Venere
coperta solo di un manto, che gli lascia vedere le sue nudità. Il Marte del
Guercino quindi ne rimane sorpreso, affascinato dalla donna che sta insegnando
al piccolo Cupido a scoccare le frecce: e proprio dall’unione dell’Amore di
Cupido e della Guerra di Marte, prende vita Armonia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuv3IHEPAkuRC20BiuS2mFHubIAOgKFc_DnfsTCIFXBxv5FtNqMvaqxjvY5thMwWKdVW6Xz1bh7b-5XO-e9gWZCzoDdZrO3vkofO7oMO5vPBpRltpOzeK51kA1hshMQlr5m9mOVQLtIbw/s1600/venere-marte-amore+guercino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuv3IHEPAkuRC20BiuS2mFHubIAOgKFc_DnfsTCIFXBxv5FtNqMvaqxjvY5thMwWKdVW6Xz1bh7b-5XO-e9gWZCzoDdZrO3vkofO7oMO5vPBpRltpOzeK51kA1hshMQlr5m9mOVQLtIbw/s1600/venere-marte-amore+guercino.jpg" height="544" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Guercino, Marte Venere e Amore, 1634, olio su
tela, Galleria Estense, Modena</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIheV5t_IiBuzR6e-v4Sbw8-Jg2AJQs6mMON8IwYLg0nWMaik4X5mHWO_Uhb1ggWz-emnB2iCtTYxB1IfVCvz_j2M1dU_DSiWEV1J80AnGhoJjkKdaozY4Xib9oFmVO8-8WssGKNuiPOA/s1600/Marte-che-spoglia-Venere-con-Amorino-e-cane-1580-.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIheV5t_IiBuzR6e-v4Sbw8-Jg2AJQs6mMON8IwYLg0nWMaik4X5mHWO_Uhb1ggWz-emnB2iCtTYxB1IfVCvz_j2M1dU_DSiWEV1J80AnGhoJjkKdaozY4Xib9oFmVO8-8WssGKNuiPOA/s1600/Marte-che-spoglia-Venere-con-Amorino-e-cane-1580-.jpg" height="320" width="239" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Veronese, Marte che spoglia Venere, <br />1580, olio
su tela, National Gallery<br /> of Scotland, Edimburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E continuando, il
<b>Veronese</b> tocca un tasto piccante del tema amoroso legato al dio, raffigurando
nella sua tela della National Gallery, il momento intimo in cui, vestito
della sua armatura bronzea, <b><i>Marte spoglia Venere</i></b> del suo abito decorato, mentre
questa è intenta a guardare Cupido che gioca con un cagnolino, che
probabilmente non è lì a simboleggiare la fedeltà, come da iconografia, visto
quel che è in procinto di accadere.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Rapporti amorosi
clandestini, intrisi di passione ed erotismo, che culminano con la scoperta di
Efesto / Vulcano, del tradimento in atto. <b>Joachim Wtewael</b> nel suo olio su rame,
racconta proprio dell’episodio mitologico in cui Marte e Venere vengono
scoperti da Vulcano: il mito narra
infatti che quando Helios, dio del sole, scoprì che le due divinità si vedevano
di nascosto nella camera di Vulcano per consumare il loro amore, lo riferì a
questo, che per vendicarsi, non solo li sorprese nel pieno della cosa, ma li
avvolse in una speciale rete metallica costruita per imprigionarli avvinghiati
com’erano nell’atteggiamento inequivocabile, chiamando tutti gli dei dell’Olimpo
ad assistere alla cosa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoRqx1oYRdrCP319vl2KmPa6gK_33j4g7N-aOFhuQwhNoooiyoT5hZcIsgV5HVrF6PCgv3Ic0V4dmD4NvxfdOCX0JOpnk_SwiMFr0Vf2DxtHDzzaf60JppOBuyids6nx7_BiFQwigZPls/s1600/Mars_and_Venus_Discovered_by_the_Gods-Joachim_Wtewael.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoRqx1oYRdrCP319vl2KmPa6gK_33j4g7N-aOFhuQwhNoooiyoT5hZcIsgV5HVrF6PCgv3Ic0V4dmD4NvxfdOCX0JOpnk_SwiMFr0Vf2DxtHDzzaf60JppOBuyids6nx7_BiFQwigZPls/s1600/Mars_and_Venus_Discovered_by_the_Gods-Joachim_Wtewael.jpg" height="200" width="150" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Wtewael, Marte e Venere<br /> sorpresi da Vulcano,
1603,<br /> collezione privata</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Due secoli dopo sarà <b>Alexandre Charles Guillemot </b>a dare un’interpretazione più emozionale ai soggetti sorpresi da
Vulcano, nella sua tela custodita all’Indianapolis Museum of Art. Tutto nella
tela contribuisce ad enfatizzare l’imbarazzo del momento: lo sdegno di Vulcano,
che alza un lembo della rete metallica per poter guardare meglio i due
protagonisti del tradimento; gli dei sullo sfondo, che senza aprirsi a
comportamenti infantili e teatrali – come invece accade nel dipinto di Wtewael –
ammirano la scena patetica; la vergogna di Venere, che arrossisce e tenta di
nascondersi come può agli sguardi indagatori degli dei, coprendosi il volto coi
capelli; l’imbarazzo di Marte, il dio della guerra, l’uomo potente e
invincibile, che ad un tratto si rende conto di essere stato vinto proprio dall’amore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDQkGvot_0Z4zdwQei9eBhgW9TmfDGFyWfGQEELCSo09m9ZrMRpENTwhhPIUfZIt2GKidClCg-7Oz7iHZ1Mg8nCBIzRoX5fZsX4Z1EP-DVzP92RFG6QCFfMM3U5d-mYURFdjN7ZdkxWo/s1600/marte+e+venere+sorpresi+da+vulcano,+guillamot.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDQkGvot_0Z4zdwQei9eBhgW9TmfDGFyWfGQEELCSo09m9ZrMRpENTwhhPIUfZIt2GKidClCg-7Oz7iHZ1Mg8nCBIzRoX5fZsX4Z1EP-DVzP92RFG6QCFfMM3U5d-mYURFdjN7ZdkxWo/s1600/marte+e+venere+sorpresi+da+vulcano,+guillamot.jpg" height="640" width="500" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. C. Guillemot, Marte
e Venere sorpresi da Vulcano, 1827, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Indianapolis Museum of Art,
Indianapolis</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">POST CORRELATI: </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ZEUS / GIOVE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px; text-align: left;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_24.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: AFRODITE / VENERE</a></span></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px; text-align: left;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_27.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ATENA / MINERVA</a></span></span></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px; text-align: left;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_11.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: EROS / CUPIDO - AMORE</a></span></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_18.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ERA / GIUNONE </a></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-11626952262433063402014-12-27T16:06:00.000-08:002015-01-18T11:01:16.793-08:00Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ATENA / MINERVA <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiREWxhxL5FW6v0PLqIbJnT0AFNDKirT3rMAAULqdsejVHnXGYsHhYXmEVGrKQ8AloACIq0nFyKPY_sBfX-HuXC2Yf2LaqMrn6FgfQttjR-CucKbhmZR1FqILXCtX9DnSIZ0k6sgP56Atk/s1600/nascita+di+atena,+british+museum.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiREWxhxL5FW6v0PLqIbJnT0AFNDKirT3rMAAULqdsejVHnXGYsHhYXmEVGrKQ8AloACIq0nFyKPY_sBfX-HuXC2Yf2LaqMrn6FgfQttjR-CucKbhmZR1FqILXCtX9DnSIZ0k6sgP56Atk/s1600/nascita+di+atena,+british+museum.jpg" height="186" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">La nascita di Atena dalla testa di Zeus, Kylix
attico<br /> a figure nere, 550 a.C., British Museum, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra tutti gli dei
presenti sull’Olimpo, <b>Atena </b>/ <b>Minerva</b> è la dea che rappresenta più di tutti le
virtù positive appartenenti all’uomo. Già l'oracolo sulla sua nascita, peraltro, preannunciava la sua fama e la sua autorevolezza, poiché questo previde che suo padre Zeus avrebbe generato prima una figlia,
poi un figlio, che sarebbero divenuti più importanti di lui. Ragion per cui
preso a paura, il dio del cielo divorò Metis, che aveva ingravidato, che però
non morì ma divenne un tutt’uno col potente dio: a gestazione completa, Zeus
preso da un forte e lacerante mal di testa, chiese ad Efesto di spaccargli la
testa in due con un’ascia; da questa quindi uscì vittoriosa Atena, dea
della guerra, ma anche della sapienza, delle arti e del commercio e dell'industria. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3lEUzu7RqaPOjfTWDKtpaLSgBqHVsPaFO0qeCGmRIUGASPaXN04t1cqyPsgkAfcR1xuUtjuu4AgPZo2TxLJGEYLSAShI6BsSiweFm8hTCsPVx82MGlYnNcEDt1-kP-ksiD-YkT0U7_k4/s1600/Atena_giustiniani,_copia_romana_da_originale_greco.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3lEUzu7RqaPOjfTWDKtpaLSgBqHVsPaFO0qeCGmRIUGASPaXN04t1cqyPsgkAfcR1xuUtjuu4AgPZo2TxLJGEYLSAShI6BsSiweFm8hTCsPVx82MGlYnNcEDt1-kP-ksiD-YkT0U7_k4/s1600/Atena_giustiniani,_copia_romana_da_originale_greco.JPG" height="400" width="187" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Atena Giustiniani, I sec. d.C., <br />marmo, Musei
Vaticani, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un <b><i>kylix attico a figure
nere</i></b> del V secolo a.C. custodito al British, ben testimonia la validità del
mito: sul bordo del vaso infatti è visibile l’aneddoto della nascita di Atena,
per cui Efesto, sulla destra, con in mano un’ascia a doppia lama, assiste alla
nascita della dea dalla candida pelle, già vestita di armi ed egida, che
fuoriesce dalla testa di Zeus, seduto sul trono, riconoscibile per via della
saetta impugnata nella mano sinistra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Molto amata da tutti i
greci, in particolar modo dagli ateniesi, la cui città per l’appunto prende il
nome proprio dalla divinità, la dea Atena è da sempre stata rappresentata nelle
statue greche che la raffiguravano, come una donna fiera e impostata, dallo
sguardo austero e dignitoso; solitamente provvista dei suoi elementi d’appartenenza:
l’egida di pelle di capra, l’elmo, la lancia e in talune occasioni una piccola
Nike – la vittoria. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’<b><i>Atena Giustiniani</i></b>
presente ai Musei Vaticani a Roma, è proprio una copia romana del I secolo
d.C., di una classica statua greca del V sec. a.C., probabilmente scolpita dall’artista
attico Fidia, lo stesso resosi celebre nella scultura delle statue e dei decori dell’Acropoli ateniese: avvolta in
un folto peplo finemente spiegazzato, la dea tiene nella mano sinistra la
lancia e porta con fierezza l’elmo da guerriera ornato ad arte. Sul petto l’egida
di pelle caprina che la caratterizzava, con su incisa la maschera di Medusa. Ai
piedi della statua un serpente ricorda il re Erittonio, suo figlio secondo la
mitologia: questo aveva sembianze di un uomo serpente, e fortemente volle l’introduzione
del culto della dea ad Atene. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa impostazione
si riscontra per l’appunto nella <b><i>Minerva</i></b> del I sec. d.C. ritrovata sulla Via
Appia a Roma ed attualmente custodita al Museo Nacional de Arte Decorativo di
Buenos Aires, più rigida rispetto all’Atena Giustiniani, avendo i piedi molto
ravvicinati in una posizione molto più statica, come rivela il panneggio che
non si apre a nessun tipo di pieghe o non rivela movimenti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A tal punto quindi si
rivela un unicum, l’assemblaggio che ne è fuoriuscito nel corso del XVIII
secolo, tra pezzi appartenenti ad una scultura marmorea di epoca adrianea
raffigurante la dea Minerva, e pezzi appartenenti ad un’altra scultura in onice
e agata dorata dello stesso periodo: la <b><i>Minerva d’Orsay</i></b> sita al Louvre infatti,
è ciò che ne deriva della sovrapposizione tra la testa e gli arti marmorei di
un’originaria dea Minerva dall’elegante e sobrio elmo da guerriera, e la veste
colorata composta di blocchi di pietre semipreziose: nonostante l’accozzaglia
degli elementi assemblati, la statua da vita ad un formidabile gioco di colori
e di riflessi luminosi, accentuati dalla particolare levigatezza del peplo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYLXNhbhqXOwN7UPAcbyypoVUL9Sh_UarTCUn7aB-8JyupkjkH3fXPYzNIEfI76v42e5Th6mg8OgOzMiqR3lk1TpSR9KqT5jt7kCe3WUxVJvpFuolJHTJ6VhBH7N3jRvHbk-f4rYmRYlw/s1600/minerva+museo+nacional+de+arte+decorativo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYLXNhbhqXOwN7UPAcbyypoVUL9Sh_UarTCUn7aB-8JyupkjkH3fXPYzNIEfI76v42e5Th6mg8OgOzMiqR3lk1TpSR9KqT5jt7kCe3WUxVJvpFuolJHTJ6VhBH7N3jRvHbk-f4rYmRYlw/s1600/minerva+museo+nacional+de+arte+decorativo.jpg" height="400" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Minerva, I sec. D.C., marmo, Museo Nacional <br />de Arte
decorativo, Buenos Aires</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilM-ok7_n2kOB3LGBXJitW6cG2x2rmO0b9dYfb8k-78PEHbOW_EuXaMpp4EIK-GNlINkZ9taVxMRSq8VBSgWR3yTgkWX4ryZ3gzgOawsj28k8O8wUqfob5mr-XlwkZDTj-faeFwWgTNo0/s1600/Minerva_d'orsay_Louvre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilM-ok7_n2kOB3LGBXJitW6cG2x2rmO0b9dYfb8k-78PEHbOW_EuXaMpp4EIK-GNlINkZ9taVxMRSq8VBSgWR3yTgkWX4ryZ3gzgOawsj28k8O8wUqfob5mr-XlwkZDTj-faeFwWgTNo0/s1600/Minerva_d'orsay_Louvre.jpg" height="400" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Minerva d’Orsay, I sec – XVIII sec.,<br /> onice, agata, marmo, <br />Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIItid0h4emxUgy8lGqIqYKA6K2JurIocrZtLD_UO3Jf_RXDYgAxk4YmhJtrzXdMFAC5_CdkzBtF9eJqnXh4HEq9GTcXyzEDGmvA8zp5yqgy9YGtwj7X_UuiWvFfjQ37Eq2t6myYZg1Zc/s1600/Tetradrachm_Attica_449-404_BC_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIItid0h4emxUgy8lGqIqYKA6K2JurIocrZtLD_UO3Jf_RXDYgAxk4YmhJtrzXdMFAC5_CdkzBtF9eJqnXh4HEq9GTcXyzEDGmvA8zp5yqgy9YGtwj7X_UuiWvFfjQ37Eq2t6myYZg1Zc/s1600/Tetradrachm_Attica_449-404_BC_.jpg" height="306" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tetradracma ateniese con civetta di Atena, V
sec. a.C.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Piccolo e sfizioso
particolare è dato infine dalla civetta tenuta sul palmo della mano sinistra
piuttosto che la Nike; l’animale tanto caro alla dea, è il simbolo della sua
saggezza in terra, impersonando zoomorfologicamente la filosofia, poichè l’attaccamento
dei grandi occhioni al becco, ricorda la lettera greca <i>φ</i> con cui appunto inizia
la parola. Tra le civette legate alla dea, configura quella coniata sul
<b><i>tetradracma ateniese del V secolo a.C</i></b>., attualmente riprodotto anche sulla
moneta greca da un euro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Negli anni dell’Umanesimo
e del Rinascimento, dopo un millennio di intriso di forte religiosità
cristiana, in cui l’iconografia profana era stata quasi del tutto accantonata,
la raffigurazione degli dei dell’Olimpo torna in auge. <b>Sandro Botticelli</b> è uno
dei primi artisti che, nel pieno del clima filologico della Firenze medicea,
dedica le sue tele agli dei delle civiltà classiche. Anche Minerva toccò le
attenzioni dell’artista, che la dipinse in una tela del 1483, raffigurandola
come <b><i>Pallade</i></b>, uno dei tanti aggettivi appartenenti alla figura della dea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnw8MxnNCT7WMdv7O4rdyCwR3E4VnD8i4kj5pYQyHrz383qlgh9lg1pFEMXb-kf7AQrCrboOndyF9ss_bHNA3T96G4op_OthXPkxx89i7wrmBbhQqLVpT3xMiHiceEB36T7Ydjl3FsMx0/s1600/Botticelli,_pallade_e_il_centauro_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnw8MxnNCT7WMdv7O4rdyCwR3E4VnD8i4kj5pYQyHrz383qlgh9lg1pFEMXb-kf7AQrCrboOndyF9ss_bHNA3T96G4op_OthXPkxx89i7wrmBbhQqLVpT3xMiHiceEB36T7Ydjl3FsMx0/s1600/Botticelli,_pallade_e_il_centauro_.jpg" height="400" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Botticelli, Pallade che doma il centauro, 1482,<br /> tempera su tela, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel dipinto degli
Uffizi, la dea è raffigurata come una donna piacente e delicata avvolta in
ramoscelli di ulivo; una figura angelicata dalla pelle candida, i capelli
lunghi e fluenti, e le vesti leggiadre e svolazzanti secondo un taglio tipico
rinascimentale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ferma in uno sguardo
di dolcezza e serenità, tiene un centauro per una ciocca di capelli in maniera
altamente delicata, che dimostra sottomissione alla dea non facendo alcun
minimo sforzo per districarsi da quella imposizione allegorica, laddove Pallade
raffigurerebbe simbolicamente la razionalità e la saggezza, che predominano
sull’istinto e sulla bestialità, rappresentate dal centauro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche il <b>Veronese</b> più
di mezzo secolo più tardi, nell’affresco di Palazzo Balbi a Venezia, rappresenterà
la dea nel pieno delle sue virtù umanistiche. Infatti nell’affresco un tempo
appartenente al Palazzo de Soranzi di Castelfranco Veneto, staccato in seguito
all’abbattimento dell’edificio agli inizi del XIX secolo, viene rappresentata
la <b><i>dea della saggezza e della ragione, accompagnata dalle personificazioni della Geometria e dell’Aritmetica</i></b>, che a lei
si aggrappa. Interessante è notare come l’armatura e le armi appartenenti alla
dea rispecchino il gusto del tempo, in quanto alla lancia si sostituisce la
spada ed all’elmo greco si sostituisce un copricapo da parata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheKuXX3hbkzkQ0ofBvlQwBf6b68QdGn6RkR-vrU0267D73ayMi6irQaaM9Kp4dZDAogsIzf3ejPxQI_lLGD29M4-HNESXPJ0aot0QIu3DuMqjofRHy7sW-SYDWbAYMhU6Vy1JaaENyKGk/s1600/Minerva+tra+Geometria+e+Aritmetica+Veronese.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheKuXX3hbkzkQ0ofBvlQwBf6b68QdGn6RkR-vrU0267D73ayMi6irQaaM9Kp4dZDAogsIzf3ejPxQI_lLGD29M4-HNESXPJ0aot0QIu3DuMqjofRHy7sW-SYDWbAYMhU6Vy1JaaENyKGk/s1600/Minerva+tra+Geometria+e+Aritmetica+Veronese.jpg" height="430" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Veronese, Minerva fra la Geometria e l’Aritmetica,
1551, affresco, Palazzo Balbi, Venezia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUpWWmDi4TudnECcI37UdiaMxwzpqSu1CVqo0z0c6N2w1dhYBcqSWNcQU7IFfAUHdmMpeKSZJyoWfjrDlbOja_7z2oA6tMfXpjT9BrpLlfE3IXcFVbL0Hq0oMWXgqQ0Pw5TT15RfZfcSU/s1600/van_den_tempel_abraham__minerva_crowns_the_maid_of_leiden.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUpWWmDi4TudnECcI37UdiaMxwzpqSu1CVqo0z0c6N2w1dhYBcqSWNcQU7IFfAUHdmMpeKSZJyoWfjrDlbOja_7z2oA6tMfXpjT9BrpLlfE3IXcFVbL0Hq0oMWXgqQ0Pw5TT15RfZfcSU/s1600/van_den_tempel_abraham__minerva_crowns_the_maid_of_leiden.jpg" height="311" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Van der Tempel, Minerva incorona la ragazza di
Leiden, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1650, olio su tela, Stedelijk Museum de Lakenhal, Leiden</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Esattamente un secolo
dopo, <b>Abraham Van den Tempel</b> riprese la figura della dea, per insignirla di un
messaggio politico sociale. Essendo questa la protettrice delle arti, dell’industria
e del commercio infatti, il pittore la raffigurò come protagonista dell’<b><i>Incoronazione
di una ragazza di Leiden</i></b>, al cospetto della personificazione della città, che
alle spalle delle due donne, tiene in mano lo stendardo, come commissionatogli
dai governatori della Lakenhal, che volevano per il loro palazzo pubblico, esempi
visivi del buon governo da loro attuato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWLEyBUosRbxy0gmFTc06Bcs7ljOsa6a4MeEYRJuyYa__rKAXliw_cr3UNrNslDXBeAY8tT-xgZFEO5ef8r5jz-Lc9i3PXkFczhdGjD6y6-VQig3IXJIwJMAnIu74xX7bgL0qdi1rUCr0/s1600/vouet_simon_allegorical_portrait_of_anna_of_austria_as_minerva.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWLEyBUosRbxy0gmFTc06Bcs7ljOsa6a4MeEYRJuyYa__rKAXliw_cr3UNrNslDXBeAY8tT-xgZFEO5ef8r5jz-Lc9i3PXkFczhdGjD6y6-VQig3IXJIwJMAnIu74xX7bgL0qdi1rUCr0/s1600/vouet_simon_allegorical_portrait_of_anna_of_austria_as_minerva.jpg" height="400" width="332" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Vouet, Ritratto di
Anna d’Austria come Minerva, 1645,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;"> olio su tela, Ermitage Museum, San
Pietroburgo</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un esempio encomiabile
e lodevole, quello legato alla dea greco-romana, vergine per scelta, dedita
alle arti e servizievole verso la sua famiglia, che in più di un’occasione è
stato preso in considerazione da nobildonne e madame come figura a cui ambire.
<b>Simone Vouet</b> nel 1645 ritrae per esempio <b><i>Anna d’Austria come Minerva</i></b>, dove la
regina francese, che foggia un abito legato da una cintola la cui fibbia
riproduce la maschera della Medusa, è collocata in un’ambientazione classica
composta da are, colonne ed edifici fregiati. Ai suoi piedi quindi, la civetta
di Atena e l’elmo da guerriera; su di lei invece amorini giocano e allestiscono
festoni vegetali.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma Minerva non è solo
una dea dedita alla guerra, al commercio, all’industria ed alle arti; è anche
una donna consapevole della sua bellezza; la stessa infatti ambì ad essere
considerata la più bella dell’Olimpo quando si disputò il titolo con Venere e
Giunone. <b>Goltzius</b> e <b>Lavinia Fontana </b>nei loro dipinti mettono in evidenza
soprattutto questo lato della dea; un lato più narcisista e vezzoso, che la vede
protagonista di siparietti di nudità integrale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma se Goltzius nella
sua tavola dell’Franz Hals Museum lascia nello sguardo della dea una rimanenza
di quella fierezza tipica del suo essere, appoggiata peraltro dall’elmo in testa,
dalla lancia tenuta in mano e dal braccio sinistro poggiato sullo scudo, Lavinia
Fontana abbandona la dea alla sua seducente femminilità, mentre viene ritratta
intenta a scegliere un abito da indossare; sul pavimento, riposti, trovano
luogo lo scudo, l’elmetto e l’armatura. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGzgiK8Ho7f2Yw936NUjV5S678NMyLljsE4OjsYLg7rQfdFwkXarjp4BZ2vvwbYqD5kyPr99r5YAS4waPOgERiKb2z7janStl12MHrcSJEUlWOVUFJVz8QqHvoAUWj9WhP4au_7DdzxDA/s1600/hendrick_goltzius__minerva_1611.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGzgiK8Ho7f2Yw936NUjV5S678NMyLljsE4OjsYLg7rQfdFwkXarjp4BZ2vvwbYqD5kyPr99r5YAS4waPOgERiKb2z7janStl12MHrcSJEUlWOVUFJVz8QqHvoAUWj9WhP4au_7DdzxDA/s1600/hendrick_goltzius__minerva_1611.jpg" height="400" width="216" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Goltzius, Minerva, 1611, olio su <br />tavola, Franz Hals Museum, Harleem</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_HUQzAg3YFMgbnTPE4Rzv6YXGpUebQizbUl34oODKBSq4XSHyhrArL6bIWe3SU0iPAC-TQB3Z_j8hWDy73EHl0nL_g_CiUhd44aAJAdRnRmnEXobLWYt1UJ196uGcXay-bSs1FvhCKY0/s1600/minerva+in+atto+di+abbigliarsi-fontana.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_HUQzAg3YFMgbnTPE4Rzv6YXGpUebQizbUl34oODKBSq4XSHyhrArL6bIWe3SU0iPAC-TQB3Z_j8hWDy73EHl0nL_g_CiUhd44aAJAdRnRmnEXobLWYt1UJ196uGcXay-bSs1FvhCKY0/s1600/minerva+in+atto+di+abbigliarsi-fontana.jpg" height="400" width="321" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Fontana, Minerva in atto di abbigliarsi,
1613, <br />olio su tela, Galleria Borghese, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche Rubens ritrae
Minerva negli stessi atteggiamenti seducenti e vezzosi della Fontana, in una
tela in cui questi atteggiamenti avevano una finalità specifica: farsi
scegliere da Paride quale la dea più bella dell’Olimpo. Il mito racconta
infatti che al matrimonio di Teti e Peleo, Eris la dea della discordia che non
fu invitata, lanciò ai piedi di Minerva, Giunone e Venere, un pomo d’oro con su
scritto <i>“Alla più bella”</i>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaNVcI9CL1nGN4uHjaCc7We1woEh3cuj4BnEb6_3xLo3kdkADWb2DoMyQuDBF-YhmLE_tNMbfc_hii_axeqWf-yIZKVarno_AUKKeD_-GmTiKrvG99mIuy_M5FuqJNZK_FQWf7lKYhsrk/s1600/Rubens_-_giudizio+di+paride.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaNVcI9CL1nGN4uHjaCc7We1woEh3cuj4BnEb6_3xLo3kdkADWb2DoMyQuDBF-YhmLE_tNMbfc_hii_axeqWf-yIZKVarno_AUKKeD_-GmTiKrvG99mIuy_M5FuqJNZK_FQWf7lKYhsrk/s1600/Rubens_-_giudizio+di+paride.jpg" height="296" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Rubens, Il giudizio
di Paride, 1632, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio su tavola, National Gallery, Londra</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per non fare litigare
quindi le tre dee, Giove decise che a scegliere fosse il più bello degli
uomini, per l’appunto Paride. Il ragazzo però, dopo aver ascoltato i doni
offertigli dalle dee – Giunone gli offrì poteri e ricchezze illimitate; Minerva
l’imbattibilità e il potere; Venere l’amore della donna più bella della Terra –
scelse l’ultima, dando il via alla Guerra di Troia ed inimicandosi le altre
due. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela di Rubens
ritrae quindi la scena in cui <b><i>Paride accompagnato da Mercurio, tra le tre donne
sceglie Venere</i></b>, ritratta accompagnata dal piccolo Amore; mentre Giunone con il
pavone e Minerva denudata della sua armatura e del suo scudo con la maschera di
Medusa,rimangono lì ad assistere.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un dipinto dai connotati
mitologici, esempio di una tematica ripresa da diversi artisti nel racconto
delle imprese della dea. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilvvlMzXw1uaftYIvFTadnlxHrFigSja2R19nAWtJdbihsL1z92domhSyTaB2Qdba7ZTuR43-sGFIqokFgeDhHp8ENFMiex3jKGsvHLqNExL7uyAdQaUpnrHQ5RZDdWf1Dmhfkp7MFHrs/s1600/Jacob_Jordaens_-_Cadmo+e_Minerva.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilvvlMzXw1uaftYIvFTadnlxHrFigSja2R19nAWtJdbihsL1z92domhSyTaB2Qdba7ZTuR43-sGFIqokFgeDhHp8ENFMiex3jKGsvHLqNExL7uyAdQaUpnrHQ5RZDdWf1Dmhfkp7MFHrs/s1600/Jacob_Jordaens_-_Cadmo+e_Minerva.jpg" height="240" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">J. Jordaens, Cadmo e Minerva, 1636, </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Museo del Prado, Madrid</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il pittore <b>Jordaens</b>
per esempio, nella sua opera pittorica del 1636 custodita al Prado, racconta l’episodio
in cui <b><i>Cadmo viene assistito dalla dea Minerva durante la battaglia civile
degli sparti</i></b>. Infatti il mito racconta che Cadmo fratello di Europa, nonostante
avesse lo scopo di cercare sua sorella rapita, dedicò le sue energie a fondare
la città di Tebe come preannunziatogli da un oracolo, laddove la vacca che
avrebbe dovuto inseguire si fosse fermata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una volta accaduto
ciò, egli decise di sacrificare l’animale ad Atena, ma mentre era intento sul
da farsi, i suoi uomini furono uccisi da un dragone che faceva da custode alla
sorgente alla quale si erano avvicinati per abbeverarsi. Sicché una volta che Cadmo
ebbe ucciso la bestia per vendicare i suoi uomini, la dea per riconoscenza del
sacrificio fatto in suo onore, gli consigliò di seppellire i denti del dragone perché
da lì sarebbe nato il suo nuovo esercito: una volta nati gli sparti, questi,
estremamente bellicosi, si fronteggiarono tra loro, sino a che non ne rimasero
solo cinque. Questi assieme a Cadmo, fondarono la città di Tebe e diedero inizio alla sua stirpe.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela di Jordaens
ritrae Minerva che indica a Cadmo gli sparti intenti a lottare tra loro,
spiegandogli quanto sarebbe poi accaduto. Dietro i due protagonisti si snoda il
dragone che sembra avere le sembianze di un cane dal corpo serpentinato, mentre
il territorio arcadico e le vesti, rimandano la scena alla Grecia classica,
scena tradita però dalle armature e dalle spade moderne.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLmaa1KnpSspnTQ3LuhXb0fK_USK37w0BpkpDnkBbdLKre9jPddH4xTk2upOBkjUG4ZNMFyGU2_P3R6yRqVey0liIMI7aRz1RinLfjIcasuYJlTMn5NqoV6VSU5zec1dlTMH3Ij7fsxvI/s1600/Jean-Marc_Nattier_-_Perseus,_under_the_protection_of_Minerva,_turns_Phineus_to_stone_by_brandishing_the_head_of_Medusa.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLmaa1KnpSspnTQ3LuhXb0fK_USK37w0BpkpDnkBbdLKre9jPddH4xTk2upOBkjUG4ZNMFyGU2_P3R6yRqVey0liIMI7aRz1RinLfjIcasuYJlTMn5NqoV6VSU5zec1dlTMH3Ij7fsxvI/s1600/Jean-Marc_Nattier_-_Perseus,_under_the_protection_of_Minerva,_turns_Phineus_to_stone_by_brandishing_the_head_of_Medusa.jpg" height="313" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">J. M. Nattier, Perseo e
Fineo, 1718, Musèe du Beaux Arts, Tours</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Jean Marc Nattier
</b>raccontò invece nella sua tela del Musèe du Beaux Arts di Tours, l’aneddoto
riguardante <b><i>Minerva che protegge Perseo da Fineo</i></b>. Il mito narra che, Cefeo, re
di Etiopia, avendo sposato la Nereide Cassiopea, ebbe da questa una figlia,
Andromeda. Ma avendo Cassiopea asserito di essere la Nereide più bella, offese
Poseidone che aveva sposato un’altra Nereide, che, per vendicare l’onta, inviò
nel regno di Cefeo un dragone, che sarebbe andato via solo dopo aver ottenuto
Andromeda in pasto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fu in quest’occasione
che Perseo liberò Andromeda dalle grinfie del dragone, uccidendolo, e chiese in
sposa Andromeda, dando il via alle nozze dopo il consenso di Cefeo. Ma il
fratello del re, Fineo, interruppe il convivio nuziale pretendendo Andromeda
quale sua sposa, secondo una vecchia promessa fattagli dal fratello. Per cui a
Perseo non restò che uccidere Fineo ed i suoi uomini, mostrando loro la testa
di Medusa e rendendoli di pietra, sotto lo sguardo austero di Minerva. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLayRDIC03ReLbe9KED0yJc8C9-4xmqWKMSLw8q5McRbXpbdLWYUpCdWDz_nGqKYIb1PrLJObdOGrE411XEoJpqjfzke1kZYKK96ah4JUuhCWgbut5hyyCy1MMnSLqyZPX59PdrXb0o4/s1600/minerva+e+aracne.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLayRDIC03ReLbe9KED0yJc8C9-4xmqWKMSLw8q5McRbXpbdLWYUpCdWDz_nGqKYIb1PrLJObdOGrE411XEoJpqjfzke1kZYKK96ah4JUuhCWgbut5hyyCy1MMnSLqyZPX59PdrXb0o4/s1600/minerva+e+aracne.jpg" height="320" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Giordano, Minerva e Aracne, 1695, olio su
tela, <br />Monasterio di San Lorenzo, El Escorial</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una Minerva magnanima
e protettrice quella raccontata da Nattier, che non è quella arcigna e nefasta
protagonista del <b><i>mito di Aracne</i></b>, secondo cui la ragazza, tessitrice mirabile e
talentuosa, osò sfidare la dea delle arti tessili in un duello. Nonostante
vinse la sfida tessendo gli amori degli dei in modo talmente impeccabile, che
la stessa dea dovette tacitamente ammettere di essere stata sconfitta, si vide
tramutare in un ragno, per l’affronto che aveva osato rivolgere alla dea. La
tela di <b><i>Luca Giordano </i></b>del 1695 vede una Minerva volante, sprigionante un aura
luminosa, gettare le proprie ire verso la sconvolta Aracne, dalle cui mani
iniziano a sprigionarsi le ragnatele, triste monito di quanto sta per accadere.
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un tema che riscontrò
fortuna, oltre a quello appena citato del mito di Aracne, che prima di Giordano
era stato affrontato da altri artisti come il Veronese o Francesco del Cossa, fu
quello del <b><i>bivio di Ercole</i></b>. <b>Pompeo</b> <b>Batoni</b>, nella sua tela alla Galleria Sabauda di Torino, affronta il
tema che vedeva Ercole indeciso all’idea di lasciarsi andare ai piaceri della
vita piuttosto che perseverare nell’onorare le virtù. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nell’olio su tela del
1751, Ercole è seduto, con sguardo perso, su un muretto che dà ad un albero di
ulivo, accompagnato da due donne, che tentano di convincerlo a proseguire le
strade da loro professate: a destra, una dolcissima Venere gli porge una rosa,
sperando così che l’uomo si lasci andare a lei e quindi ai piaceri della vita;
a sinistra, Minerva di spalle, indica al semidio il sentiero da seguire, un
sentiero irto di virtù, riuscendo nella sua impresa di convincimento. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizPKK0IW2tQmbuZQzeu1JDWQR94WrJJzw1ChPDsSxWeOooNrxvAWaiRlu-S5qMOYo0fAyq1383MLjeaFxK5m7GL_kW0LTgM6ZYPe2Y7-fgmppVPaiIObn-KOVoJjORy7hqIUhTKSCUSPw/s1600/ercole+al+bivio,+pompeo+batoni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizPKK0IW2tQmbuZQzeu1JDWQR94WrJJzw1ChPDsSxWeOooNrxvAWaiRlu-S5qMOYo0fAyq1383MLjeaFxK5m7GL_kW0LTgM6ZYPe2Y7-fgmppVPaiIObn-KOVoJjORy7hqIUhTKSCUSPw/s1600/ercole+al+bivio,+pompeo+batoni.jpg" height="486" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Batoni, Ercole al bivio, 1751, olio su tela,
Galleria Sabauda, Torino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZCCSgPy09Pq1N6LrRfqwbpYrpbPx2_UurXKDYw07mNQBGjp5o5PQ75HYesQPYKFrpJkc0SCP6bEUk5nGe-joMOHlno5rLIeWc31kxJGmfdMwRF3gndqFt2LpbJAHGHhUXZuIiASvWCqI/s1600/jacques_stella__minerva_e_le_muse_1645.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZCCSgPy09Pq1N6LrRfqwbpYrpbPx2_UurXKDYw07mNQBGjp5o5PQ75HYesQPYKFrpJkc0SCP6bEUk5nGe-joMOHlno5rLIeWc31kxJGmfdMwRF3gndqFt2LpbJAHGHhUXZuIiASvWCqI/s1600/jacques_stella__minerva_e_le_muse_1645.jpg" height="225" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Stella, Minerva e le Muse, 1645, <br />olio su
tela, Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre al racconto
degli aneddoti mitologici legati alla dea, gli artisti nel corso dei secoli
hanno raccontato nelle loro opere, anche il rapporto della dea con i componenti
della sua famiglia, in particolar modo con Marte; un rapporto non sempre facile
e idilliaco, anzi, soprattutto nei confronti del fratello, spesso di natura conflittuale.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per cui, se artisti
del calibro di <b>Jacques Stella</b>, raccontano di incontri eleganti ed armoniosi,
come per l’appunto quello tra <b><i>Minerva e le nove muse</i></b>, dipinto nella sua tela
del 1645, in cui la dea di tutte le arti interloquisce con le singole
protettrici di ognuna di esse, le tele
di Rubens o di <b>David </b>trattano episodi connotati da una tensione particolare,
avendo come protagonisti i due dei della guerra: Minerva e Marte. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La differenza tra le
due divinità è data proprio dai loro comportamenti e dalla loro intemperanza:
Minerva è sì dea della guerra, ma è per la pace, agisce con saggezza e cerca
sempre le soluzioni più benevoli per il popolo; Marte invece onora il suo
compito di dio della guerra, essendo irascibile, battagliero e vendicatore.
Questa differenza comportamentale si evince perfettamente nell’opera di <b>Rubens</b>
in cui <b><i>Minerva allontana Marte dalla Pace</i></b>: la dea lo fa in modo chiaro e
deciso, senza disturbare minimamente la Pace, intenta a far felici animali,
bambini, satiri e fanciulle, dimostrando una forza inaspettata che sorprende
anche lo stesso Marte, nonché la Guerra, dietro di lui. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW-uHOo5WXZxBC1AjtxBB5t7f2aslwAEWJ0DAJPjgVwzuqpZqIiER6HlgRh6AmTXDFwLb3g3cDmYPbZ5ZS1Nl93jOM-yhBkxzzj4ZUiAtAHBGdQrA3MM2iTyGDCShwxLvQa43sC8hg8Vo/s1600/Peter_Paul_Rubens_(1577-1640)_Peace_and_War_(1629).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW-uHOo5WXZxBC1AjtxBB5t7f2aslwAEWJ0DAJPjgVwzuqpZqIiER6HlgRh6AmTXDFwLb3g3cDmYPbZ5ZS1Nl93jOM-yhBkxzzj4ZUiAtAHBGdQrA3MM2iTyGDCShwxLvQa43sC8hg8Vo/s1600/Peter_Paul_Rubens_(1577-1640)_Peace_and_War_(1629).jpg" height="424" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Rubens, Minerva allontana Marte dalla Pace,
1630, olio su tela, National Gallery, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2_p2kBZWVJpg4nWPAACUBGuC2tEp9oZ3s7eIt9R_c5HTKI8fZwrflQnkYbibfMNVY-TlmWwBhV5P2qpex4XzZBXxQSKf9y5MQRdeTWG52twLouE8AZrwJsnhWlvOKQJy_blHGJaE4Rp8/s1600/david+marte_minerva.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2_p2kBZWVJpg4nWPAACUBGuC2tEp9oZ3s7eIt9R_c5HTKI8fZwrflQnkYbibfMNVY-TlmWwBhV5P2qpex4XzZBXxQSKf9y5MQRdeTWG52twLouE8AZrwJsnhWlvOKQJy_blHGJaE4Rp8/s1600/david+marte_minerva.jpg" height="306" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. L. David, Lotta tra Marte e Minerva, 1771, Musèe
du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche <b>David </b>nel suo
<b><i>Combattimento tra Marte e Minerva</i></b> illustra la vittoria della dea sul dio, illustrandola
come un angelo profano dai candidi abiti, in contrapposizione al dio dagli
abiti di rosso acceso, quasi a voler indicare nella prima la personificazione
del bene, e nel secondo quello del male. La tela neoclassica, per quanto
presenti ancora evidenti elementi rococò, è tutto uno svolazzamento di veli ed
un tripudio di azioni, movimento e teatralità, in una composizione tipica del
David dei primi anni d’attività. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E a seguire <b>Joseph
Blonder Merry</b> nel 1822 dipinse la <b><i>Disputa tra Minerva e Nettuno</i></b>, aneddoto che
racconta la nascita della città di Atene, ambita dai due dei. Secondo il mito
infatti, entrambe le divinità chiesero a Zeus che fosse consacrata a loro una
regione della Grecia, nello specifico l’Attica, per cui questo decise di far
sfidare i due dei: chi dei due avesse donato alla regione il regalo più bello,
avrebbe vinto la contesa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Detto ciò, Nettuno con
il suo tridente toccò la terra, facendo uscire da essa il cavallo, un animale
che si sarebbe dimostrato fido aiutante dell’uomo; Minerva invece conficcò la
sua lancia nel terreno, facendone scaturire un albero d’ulivo. Cercrope quindi,
chiamato a giudicare il regalo più utile, consegnò la vittoria alla dea, dato
che l’albero produceva un frutto dal quale si poteva ricavare un alimento necessario
alla sopravvivenza dell’uomo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE_vilcYc3-S2f79xI8koPM5QS3yjQVbTospf0r3z24wOvd8ZdrMERVNOIZkXihVhEUtPB3LgouuN7YDJ59hGeu35_a48TPaKINrIrtwz-lKRVD4mXKJixTeGu_4VX1ZPxlmgjkrZONu8/s1600/-1822-blondel-merry-joseph-la-dispuste-de-minerve-et-de-neptune.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE_vilcYc3-S2f79xI8koPM5QS3yjQVbTospf0r3z24wOvd8ZdrMERVNOIZkXihVhEUtPB3LgouuN7YDJ59hGeu35_a48TPaKINrIrtwz-lKRVD4mXKJixTeGu_4VX1ZPxlmgjkrZONu8/s1600/-1822-blondel-merry-joseph-la-dispuste-de-minerve-et-de-neptune.jpg" height="528" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. B. Merry, Disputa tra Atena e Nettuno, 1822,
Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyqDhftcZPgl8isRoseDvrxS6ekpQZYMHCuI5kYzqRsfYi5BA6M3Wm6HvsoWOcxsjwZ0r5y-7LVULTXnt_MwTAxj39cGd7xYmnF2ORSXjv3lbnndsnjv-rJYcVT07WnbZP6kBrqvZV310/s1600/-Gustav_Klimt_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyqDhftcZPgl8isRoseDvrxS6ekpQZYMHCuI5kYzqRsfYi5BA6M3Wm6HvsoWOcxsjwZ0r5y-7LVULTXnt_MwTAxj39cGd7xYmnF2ORSXjv3lbnndsnjv-rJYcVT07WnbZP6kBrqvZV310/s1600/-Gustav_Klimt_.jpg" height="320" width="312" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Klimt, Pallade Atena, 1898, <br />olio su tavola,
Wien Museum, Vienna.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente nella tela
sono ben riconoscibili tutti i componenti presenti durante la disputa: Mercurio
col suo bastone d’Esculapio, Apollo con la sua lira e la sua corona di raggi di
sole, Giunone e Giove regina e re degli dei, Marte col suo scudo e la
bellissima Venere. In primo piano invece prendono posto le due divinità coi
loro doni per l’Attica: Nettuno in sella al suo cavallo e Atena con il suo
alberello d’ulivo, che vincendo la sfida, si vide chiamare la sua capitale in
suo onore.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A chiudere questo
excursus artistico riguardante la dea Minerva, <b>Klimt</b>, con la sua tavola della
<b><i>Pallade Atena</i></b> del 1898, sita al Wien Museum. La tela raffigura la dea della
guerra, delle arti, del commercio, dell’industria e della saggezza nella sua
austerità e nel suo splendore, brillando di luce propria con l’elmo il
giavellotto e l’armatura dorati, sulla cui ultima è raffigurata la meravigliosa
testa di Medusa. Lo sguardo è androgino, freddo e imponente, dignitoso come
quello della dea, mentre tra le mani tiene la Nike, a simboleggiare la sua
attitudine a dimostrarsi sempre una vincitrice. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">POST CORRELATI: </span></span></div>
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ZEUS / GIOVE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_24.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: AFRODITE / VENERE </a></span></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ARES / MARTE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_11.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: EROS / CUPIDO - AMORE</a></span></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_18.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ERA / GIUNONE </a></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-46908864780741815402014-12-24T13:33:00.000-08:002015-01-18T11:01:31.845-08:00Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: AFRODITE / VENERE <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Trattando la tematica inerente
al racconto figurativo e aneddotico delle divinità appartenenti alle civiltà
classiche per eccellenza, ruolo di rilievo ha quello riguardante la dea della
bellezza, dell’amore e della fertilità. Una dea eclettica capace di essere
madre, sorella e moglie, differenziandosi dalle altre abitanti dell’Olimpo per
l’innata grazia e l’armonia che caratterizzava il suo corpo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti, come
tramandatoci dagli artisti greci prima, romani poi, le statue raffiguranti la
dea erano quelle proporzionalmente più precise, incarnando questa l’ideale
della bellezza femminile. Tant’è vero che ancor oggi tali opere d’arte vengono
ricondotte alla perfezione tipica dell’arte classica: si pensi alla <b><i>Venere di
Milo</i></b>, scolpita da <b>Alessandro di Antiochia</b> nel 130 a.C. e custodita al Louvre,
che nonostante sia priva delle braccia, nel suo tronco e nella testa esplica a
pieno l’armonia delle forme femminili, o alla <b><i>Venere Callipigia</i></b> del Museo
Archeologico di Napoli, di una forte sensualità nel sollevamento del peplo che
lascia scoperto il fondoschiena della dea (la cui testa è posteriore perché la
statua ne fu ritrovata priva).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1guELPhjvg2J8m6qnWoUIrgsJ2L-I4ChEaFSX7rP6fut8F7MDn6lY9WYhlVmsQcsUBw3J1eF0ilkLVKw4mjFQ01EWo6Gmp8Qu67JZJfB1QTLHlVHBpzXtplTTqqyGijYJn7Hnzwy6LwU/s1600/venere+di+milo.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1guELPhjvg2J8m6qnWoUIrgsJ2L-I4ChEaFSX7rP6fut8F7MDn6lY9WYhlVmsQcsUBw3J1eF0ilkLVKw4mjFQ01EWo6Gmp8Qu67JZJfB1QTLHlVHBpzXtplTTqqyGijYJn7Hnzwy6LwU/s1600/venere+di+milo.png" height="400" width="211" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Alessandro di Antiochia, Venere <br />di Milo, 130
a.C., marmo pario, <br />Museo del Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj46RyTGkdI7EhkPcQV2SGZCYEL1leSe8KSlQnuv1jZTXR0QPlPms87DLYJkBEsczThxOGclXZaG63IJmsR1Wp68B0MPab6nB25by_TUMcKo5W7Gw8bpeHhS5wxVXHeQSLVkbpYOVqm9RQ/s1600/Venere-Callipigia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj46RyTGkdI7EhkPcQV2SGZCYEL1leSe8KSlQnuv1jZTXR0QPlPms87DLYJkBEsczThxOGclXZaG63IJmsR1Wp68B0MPab6nB25by_TUMcKo5W7Gw8bpeHhS5wxVXHeQSLVkbpYOVqm9RQ/s1600/Venere-Callipigia.jpg" height="400" width="177" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Venere Callipigia, II sec. d.C.,<br /> marmo, Museo
Archeologico<br /> Nazionale, Napoli</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-l0kSJcpAAisk5C2OJge4tDFJWU4LZbwElmGyekwaTteXWGt6UY5evy7_sqU0a_ic7FNxqwh5wZ9iuRCQPvnFCxYIwunVYfYmLRSlO0BcQuwWUrbCkOxhMwJC3TAR1gl2M3rpuzsH6l4/s1600/venere+di+willendorf.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-l0kSJcpAAisk5C2OJge4tDFJWU4LZbwElmGyekwaTteXWGt6UY5evy7_sqU0a_ic7FNxqwh5wZ9iuRCQPvnFCxYIwunVYfYmLRSlO0BcQuwWUrbCkOxhMwJC3TAR1gl2M3rpuzsH6l4/s1600/venere+di+willendorf.jpg" height="320" width="181" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Venere di Willendorf, 23.000 a.C., <br />calcare, Museo di Storia<br /> Naturale, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ad ogni modo con
l’interesse verso le civiltà classiche avviato prima dall’Umanesimo, poi dal
Rinascimento, anche quello verso la mitologia greco-romana si ravviva in
maniera esponenziale, permettendo l’inizio di una florida produzione artistica
incentrata sull’iconografia degli dei. Di qui, Venere fu sempre più associata
all’ideale della bellezza e della grazia, della perfezione anatomica femminile
e della fertilità; un concetto non poi così lontano da quello che gli storici
hanno simbolicamente consegnato alla statuaria raffigurante la Dea madre
d’epoca preistorica, come la piccola statuetta rinvenuta a <b>Willendorf</b>, scolpita
23.000 anni fa e chiamata per convenzione <b><i>Venere</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La Venere degli
artisti umanisti e rinascimentali quindi, raffigura non una donna carnale e
reale, ma un’ideale divino, le cui fattezze sono antropologicamente e
fisiognomicamente identiche a quelle della tipica donna bellissima del loro
tempo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Sandro Botticelli</b>
raffigura più volte la dea durante la sua lunga produzione artistica; senza
dubbio la più riconosciuta a livello mondiale, è la tavola degli Uffizi che
racconta la <b><i>Nascita di Venere</i></b>: in realtà nonostante il nome consegnato alla tela
per comodità, il dipinto raffigura l’arrivo della dea sulle sponde dell’isola
di Cipro a bordo della valva di una grande conchiglia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi60rZcd8na8_WLeiA6iinVPlGQUGw-FW2ozHhRahb72XHsTI8pNAlY3zmItoCff7lyZCrfczbFvlybCeSdjXaJbZKXiCpNrcZUCpwERnNICcp6CopK9B9YqBqTA5RpPeB3T_4eZqMe_6M/s1600/Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi60rZcd8na8_WLeiA6iinVPlGQUGw-FW2ozHhRahb72XHsTI8pNAlY3zmItoCff7lyZCrfczbFvlybCeSdjXaJbZKXiCpNrcZUCpwERnNICcp6CopK9B9YqBqTA5RpPeB3T_4eZqMe_6M/s1600/Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-.jpg" height="402" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Botticelli, Nascita di Venere, 1482 – 1485,
tempera su tela, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">La bellezza della dea
è ad ogni modo surreale e angelicata nel suo carnato perlaceo e delicato e
nella sua fluente chioma dorata svolazzante con l’aiuto di Zefiro, ricordando
nella sua impostazione pudica delle braccia, con cui tenta di coprire seno e
genitali, il modello statuario classico della Venere Pudica – si veda ad
esempio la <b><i>Venere Pudica di Menophantos</i></b> al Museo Nazionale Romano – nonché il
modello della <b style="font-style: italic;">Venere Anadyomene </b>ossia che esce dalle acque, ripresa in futuro da altri artisti tra cui
<b>Ingres</b>, che ne dà una versione sensuale e sacra, allontanando la donna da ogni
possibile riferimento temporale e spaziale.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRAF2hFBETtv6Ucfi6bPPSekrklQxtdsyirm7MI0XVsNb3oqYJUemuJmblkO2bLE4VBEPc2A3pBzAN7yEDBg8s1punzJFJ4pp92y6OZBudqDdR8uWD5ynVrxc7E2zTkjbr26_MauowTac/s1600/Venus_pudica+palazzo_Massimo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRAF2hFBETtv6Ucfi6bPPSekrklQxtdsyirm7MI0XVsNb3oqYJUemuJmblkO2bLE4VBEPc2A3pBzAN7yEDBg8s1punzJFJ4pp92y6OZBudqDdR8uWD5ynVrxc7E2zTkjbr26_MauowTac/s1600/Venus_pudica+palazzo_Massimo.jpg" height="400" width="177" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Venere Pudica di Menophantos, <br />I sec. a.C.,
marmo, Museo <br />Nazionale Romano, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg272ApYyc38FEE0WpUCSiR11DI6JGIYP0oXeAinZ_cYaBwbE9tq_cHKpo2KvqzQfO13E4cC0lIrcGGqxJVqf4ph3kP5FP4hVQOvdj-dHsMfBjFWRdEUiS2KDdBDgnAdprabMNsRs0MgMc/s1600/1848_Jean-Auguste-Dominique_Ingres_-_Venus_Anadyom%C3%A8ne.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg272ApYyc38FEE0WpUCSiR11DI6JGIYP0oXeAinZ_cYaBwbE9tq_cHKpo2KvqzQfO13E4cC0lIrcGGqxJVqf4ph3kP5FP4hVQOvdj-dHsMfBjFWRdEUiS2KDdBDgnAdprabMNsRs0MgMc/s1600/1848_Jean-Auguste-Dominique_Ingres_-_Venus_Anadyom%C3%A8ne.jpg" height="400" width="235" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="FR" style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. D. Ingres, Venus Anadyomene, <br />1848, olio su
tela, <br />Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un paio d’anni più
tardi quindi Botticelli tornerà ancora sul tema mitologico legato alla dea
della bellezza, ma per raccontare un aspetto legato alla sua vita amorosa: il
legame tra lei e Marte, da cui nasce Amore o Cupido. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella tavola custodita
alla National Gallery di Londra, Botticelli gioca con il mito di<b><i> Venere e
Marte</i></b>, che pone le sue basi su un amore illecito, adultero, essendo la donna
sposata a Vulcano, ma follemente innamorata del dio della guerra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDe2l5PfLihD4T636DbKH-E_FQH_DDdSVJVvKOWX0sp-3QTfkaPNWwoYNfvnnzP9Pkn6X_hhdkD6PazUhSTD1Pl1PhLckquQiysDCksbanDKzbikLPxgU3BurNZ_YmcR8ruAcko6xn9s/s1600/venere+e+marte+botticelli.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDe2l5PfLihD4T636DbKH-E_FQH_DDdSVJVvKOWX0sp-3QTfkaPNWwoYNfvnnzP9Pkn6X_hhdkD6PazUhSTD1Pl1PhLckquQiysDCksbanDKzbikLPxgU3BurNZ_YmcR8ruAcko6xn9s/s1600/venere+e+marte+botticelli.jpg" height="250" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Botticelli, Venere e Marte, 1483, tempera su
tavola, National Gallery, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY_UpRdT4R3V_oCe_beQMMa8pm9nzpKIsFzqCi3UEUFDgXU8BUZOpr06JksBWQrgjL1nOiONSDqYuUF7sBacEAo0mzHM0xfajveqGkdZIxr6dClZzjwKM_hpDxje6OHFOuMKMjsVF9bm4/s1600/lagrenee_louis_jean_francois_marte_e_venere.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY_UpRdT4R3V_oCe_beQMMa8pm9nzpKIsFzqCi3UEUFDgXU8BUZOpr06JksBWQrgjL1nOiONSDqYuUF7sBacEAo0mzHM0xfajveqGkdZIxr6dClZzjwKM_hpDxje6OHFOuMKMjsVF9bm4/s1600/lagrenee_louis_jean_francois_marte_e_venere.jpg" height="400" width="341" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. J. F. Lagrenee, Venere e Marte (Allegoria
della Pace), <br />1770, olio su tela,Paul Getty Museum, Los Angeles</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella tela
appartenente all’ultimo ventennio del XV secolo, una Venere dall’acconciatura e
dagli abiti rinascimentali assiste estasiata il suo amante crollato in un sonno
talmente profondo da non accorgersi degli innumerevoli scherzetti che i piccoli
satiri gli stanno propinando: uno è intento a suonare un corno nel suo orecchio;
altri gli rubano elmo e lancia. È una scena quotidiana ed ordinaria quella
raccontata da Botticelli, pacifica ed arcadica, che allontana dai due dei
l’idea di essere due esseri vendicativi e calcolatori, come spesso solevano
rivelarsi nella lettura delle opere epiche classiche. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Lo stesso tema
amoroso, tre secoli più tardi sarà ripreso da <b>Lagrenee</b>, che però nella sua tela dell'<b style="font-style: italic;">Allegoria della Pace</b>,<i><b> </b></i>racconterà l’aspetto più erotico ed intimistico della coppia, celando dietro
questi due soggetti l’allegoria della pace. Il messaggio della tela, vuol
essere infatti un direttissimo “fate l’amore, non fate la guerra”, per cui la
scelta del pittore di immortalare nella tela una scena erotica riguardante la
dea dell’amore che si accoppia con il dio della guerra, rivelava l’idea ben precisa
di far notare come l’amore avesse la meglio sulla guerra, riuscendo la dea a
convincere il suo amante a deporre le armi per riposare con lei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ6oo27ZYJb2punTEKa_j6yNeE7Wc_OB1S7CFDV56CDvOegC45F-6iPyTqrZVDZ4wH5mRTnnMUPehg7dY62tmp-X_-ji9vCBKITE-vOkKlbbRwEqmtemeGkqDrQNUjVrjHwaJDBTakBM4/s1600/David_Marte_disarmato_da_Venere.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ6oo27ZYJb2punTEKa_j6yNeE7Wc_OB1S7CFDV56CDvOegC45F-6iPyTqrZVDZ4wH5mRTnnMUPehg7dY62tmp-X_-ji9vCBKITE-vOkKlbbRwEqmtemeGkqDrQNUjVrjHwaJDBTakBM4/s1600/David_Marte_disarmato_da_Venere.jpg" height="320" width="311" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="FR" style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J.L. David, Marte disarmato da Venere, 1824,
olio su tela, <br />Musèe Royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruxelles</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche <b>David</b> toccherà
la stessa questione nella sua opera tarda <b><i>Marte disarmato da Venere</i></b>, alla quale
affida anche un personale messaggio politico, lui che si era sempre esposto nel
corso della sua vita. La tela è custodita a Bruxelles, la stessa città nel
quale fu esiliato infatti per aver appoggiato la politica napoleonica, e
racconta la decisione di Marte di lasciare da parte gli elementi
caratterizzanti la sua armatura da guerra, per concedersi all’amore della sua
Venere, che adagiata sul triclinio del compagno, lo cinge con una corona di
alloro e di fiori. Nell’adesione neoclassica della sua pittura, David resta
molto fedele alla classicità della scena, che non risente di modernismi
evidenti, e consegna alla dea un potere non indifferente: quello decisionale
verso il compagno, che per quanto potente dio della guerra, è sempre destinato
a cadere ai piedi della sua donna ad ogni suo schiocco di dita.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoYC803LWnylipVNUldemHYskW51_J7hOtbpmrdwW2sOV8h37mBdp0HWNtjr2RjGKJ4WF-uDPZbTVVIAWjFMoAACNsCmmYgg_WlYmuRjNESLbwnW2D_TKU7ARigQHKggGD0_FZw4t5Yz0/s1600/venere-e-vulcano.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="background-color: black; color: white;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoYC803LWnylipVNUldemHYskW51_J7hOtbpmrdwW2sOV8h37mBdp0HWNtjr2RjGKJ4WF-uDPZbTVVIAWjFMoAACNsCmmYgg_WlYmuRjNESLbwnW2D_TKU7ARigQHKggGD0_FZw4t5Yz0/s1600/venere-e-vulcano.jpg" height="400" width="275" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">B. Spranger, Venere e Vulcano, 1610, olio <br />su
tela, Kusthistorisches Museum, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Marte però non fu
l’unico dio a cui si legò Venere, che è da considerarsi tra le dee più
prolifiche dell’Olimpo: tra i suoi compagni vanno considerati Saturno, Nettuno,
Bacco, Mercurio e suo padre Giove; in quest’ultimo caso la cosa non deve
destare scalpore o scandalo, perché per gli antichi l’incesto tra gli dei era utile a rafforzare
l’idea il concetto di appartenenza allo status di divinità, superiore di gran
lunga a quello di semidivinità derivante dalla relazione di un dio con un
mortale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Cosa che però Venere
non disdegnò in più riprese. Se infatti il rapporto sentimentale e sessuale con
suo marito Vulcano, ci viene raramente raccontato dagli artisti nel corso dei
secoli, per cui la tela di <b>Bartholomeus
Spranger</b> del 1610 diviene un documento iconografico importante, raffigurando
l’austera dea in intimità con un ammaliato marito brutto nelle fattezze e scuro
nella carnagione, quello della dea con il più bello dei mortali, Adoni, è uno
dei soggetti riguardanti la dea, più raccontati. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno su tutti è proprio
<b>Goltzius</b>, l’incisore e pittore fiammingo seicentesco specializzato nella
riproduzione di soggetti a carattere erotico, che raffigura nella sua tela la
storia un momento sereno riguardante la storia, che presenta un epilogo
strappalacrime. Il mito infatti racconta che Adone nacque da Mirra, donna
innamorata di suo padre che, vedendo impossibilitato il suo amore, chiese agli
dei di essere trasformata in albero. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmBVyArC8Bj0KVY6sKZ6qXYcbeY6NocqYhahWfaKlcQqL1sejkahtMZbYt7hQKQsJQ0GtdGv0I5LJW4JRt4XliT6h_3iE24bRTcfKS6l65Pz9CQJ077bIbkc_tc-LwwsbnmlJZg-0Fcos/s1600/hendrick_goltzius_venere_e_adone_1614.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmBVyArC8Bj0KVY6sKZ6qXYcbeY6NocqYhahWfaKlcQqL1sejkahtMZbYt7hQKQsJQ0GtdGv0I5LJW4JRt4XliT6h_3iE24bRTcfKS6l65Pz9CQJ077bIbkc_tc-LwwsbnmlJZg-0Fcos/s1600/hendrick_goltzius_venere_e_adone_1614.jpg" height="226" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">H. Goltzius, Venere e Adone, 1614, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Alte Pinakothek, Monaco</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Da una delle sue
lacrime di resina quindi nacque il giovinotto che fu preso da Venere appena
nato e condotto nell’Erebo da Persefone, affinché lo allevasse in quel luogo
sino a che non fosse divenuto adolescente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A momento giunto,
nell’andare a reclamare il suo ragazzo, Venere notò quanto bello fosse diventato
Adone e chiese a Persefone di poterlo portare con sé per sempre, ma questa innamorata anch'essa del fanciullo, rifiutò, costringendo Giove a decidere che Adone vivesse metà anno con
Persefone nell’eremo e metà con Venere nei boschi sulla Terra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVICoGc5w-n2O873H1V2Ffsd8rA9LFGy11MgrefyPHPlcD1oTOtQWj64oqiUOW4twffhUmC33uP7NcO7qh2wF5y3CQfVswjC72SiXHMIA2kNq_eOIKCFFeL8TDjuziclUrMq_8OC61SJQ/s1600/tiziano+venere+e+adone+prado.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVICoGc5w-n2O873H1V2Ffsd8rA9LFGy11MgrefyPHPlcD1oTOtQWj64oqiUOW4twffhUmC33uP7NcO7qh2wF5y3CQfVswjC72SiXHMIA2kNq_eOIKCFFeL8TDjuziclUrMq_8OC61SJQ/s1600/tiziano+venere+e+adone+prado.jpg" height="289" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Venere e Adone, 1553, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio
su tela, Museo del Prado, Madrid. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma un giorno accadde
che durante una battuta di caccia, un cinghiale inferocito attaccò il ragazzo e
lo uccise, provocando il turbamento e le lacrime di dolore di Venere, che
cadendo al suolo diedero vita all’anemone. La tela di Goltzius racconta il momento
antecedente alla morte di Adone, quando Venere è ancora felice tra le braccia
del pastore che la stringe a lei, mentre dietro di loro il piccolo Amore
cavalca uno dei cani dei ragazzo. Un’armonia molto lontana dal forte
struggimento presente nella tela di Tiziano di mezzo secolo anteriore, in cui
Venere, quasi prevedendo la futura morte del suo uomo, cerca in tutti i modi di
aggrapparsi a lui e di impedirgli di partire per la battuta di caccia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieUdeDU1LSpmMys-FrOX5iCAIpq7j_drUVFeLa1kzjC0xA9F7L0pFPG1FB_RtrGk59kDac262Yh3-2OK33saeTyJhBKM5bOi4snsU905V1QTYB9nCO1V3Vu_2Se27qODPciBH8HAgLGE8/s1600/giorgione_venere.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieUdeDU1LSpmMys-FrOX5iCAIpq7j_drUVFeLa1kzjC0xA9F7L0pFPG1FB_RtrGk59kDac262Yh3-2OK33saeTyJhBKM5bOi4snsU905V1QTYB9nCO1V3Vu_2Se27qODPciBH8HAgLGE8/s1600/giorgione_venere.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giorgione, Venere dormiente, 1507 – 1510, olio
<br />su tela, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresda</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Tiziano</b> peraltro aveva
già rappresentato Venere nel pieno della sua bellezza, in una tela ora agli
Uffizi, dipinta per il Duca di Urbino Guidobaldo II della Rovere, e per questo
definita <b><i>Venere di Urbino</i></b>. Qui la dea distesa è completamente nuda, è seguendo
i canoni della Venere Pudica, si copre i
genitali con una mano, lasciando scoperto il seno senza però turbarsene.
Infatti la Venere ritratta da Tiziano è una donna sensuale, che ben conosce il
potere ammaliante e seducente della sua bellezza, che guarda con atteggiamento
altero dritto davanti a sé, a differenza della Venere ritratta da Giorgione
vent’anni prima, che è adagiata nella medesima posizione, ma viene ripresa
durante il suo riposo, nel pieno di una seduzione ingenua, perché
inconsapevole. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLuSfrKvvh9Fze5JmSewhyphenhyphenmzpcJc0kulijiQDHN9mS2E8oBiCjRsfz4UParms2L9q8fpl8ll8mc066NgW9l9ADgztoQjKozvf5EaT3mtBh_dBsFdmNj4aCWSTHk2WE0jgxCJ7JMF-Kx2Y/s1600/Tiziano_-_Venere_di_Urbino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLuSfrKvvh9Fze5JmSewhyphenhyphenmzpcJc0kulijiQDHN9mS2E8oBiCjRsfz4UParms2L9q8fpl8ll8mc066NgW9l9ADgztoQjKozvf5EaT3mtBh_dBsFdmNj4aCWSTHk2WE0jgxCJ7JMF-Kx2Y/s1600/Tiziano_-_Venere_di_Urbino.jpg" height="454" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Venere di Urbino, 1538, olio su tela,
Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Oltre che intenta a
relazionarsi con i suoi uomini a cui è più legata, un’iconografia raffigurante
la dea, riguarda il suo rapporto con suo figlio Amore, dio dell’Eros e
dell’amore carnale, avuto dal suo matrimonio con Vulcano. <b>Bronzino</b> nel 1553 e
<b>Alessandro Allori</b> nel 1570 danno una versione pressoché analoga nella composizione
e nell’atteggiamento dei soggetti, nei due dipinti raffiguranti <b><i>Venere che
disarma cupido</i></b>.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvPFFAjjYTMAFU3g4UqgCTz8sujXFEKcPODYDF4vC7O6Tho7Ciq8RpmliTfO_m_tF07_YfM4oJdQJnFKWfISBChk4fQLdwZgTidIkMrYNGh6IOL5EwdTKYXzPFp0HcTDyqQdm8Ts6__Jg/s1600/Bronzino_Venere_Amore_e_Satiro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvPFFAjjYTMAFU3g4UqgCTz8sujXFEKcPODYDF4vC7O6Tho7Ciq8RpmliTfO_m_tF07_YfM4oJdQJnFKWfISBChk4fQLdwZgTidIkMrYNGh6IOL5EwdTKYXzPFp0HcTDyqQdm8Ts6__Jg/s1600/Bronzino_Venere_Amore_e_Satiro.jpg" height="368" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Bronzino, Venere, Amore e Satiro, 1553, olio su
tavola, Galleria Colonna, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’impostazione è
pressoché identica, svolgendosi la scena orizzontalmente, con Venere che occupa
quasi completamente il registro inferiore col suo corpo seducente,
completamente nudo o solamente coperto con un velo trasparente, che disarma
Amore del suo arco con fare divertito, mentre questi tenta invano di
riprenderlo lanciandosi su sua madre. È una scena ludica, intima, che però nel
primo caso è accompagnata dalla presenza di un satiro che sembra uscire quasi
di sorpresa dal panneggio rossiccio; nella tela dell’Allori invece del satiro
in primo piano si apre uno scorcio paesaggistico che lascia intravedere una
figura agitata (forse Vulcano?). Ancora è interessante evidenziare l’acceso
gioco cromatico che le ali di Amore creano nella tela in entrambi i casi,
curioso è notare la particolare
attenzione posta dall’Allori sulla simbologia della dea, riconoscibile dalla
presenza dei piccioni e delle rose, il fiore dedicato a lei. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhroOYPCCsSJBba0bGDEGtEpoejDbOkkNdPyrr5qHzRhyphenhyphenuQR2hecTpASo-1gud4MptKP1hPvK6S-iIW_8qmtOk2Ow7a-k5y7aAxbQEBEnyHrAWCuGH6GDjzXYcWI-avYOrg_g1grthwZPw/s1600/allori_alessandro_venere_e_cupido.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhroOYPCCsSJBba0bGDEGtEpoejDbOkkNdPyrr5qHzRhyphenhyphenuQR2hecTpASo-1gud4MptKP1hPvK6S-iIW_8qmtOk2Ow7a-k5y7aAxbQEBEnyHrAWCuGH6GDjzXYcWI-avYOrg_g1grthwZPw/s1600/allori_alessandro_venere_e_cupido.jpg" height="394" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Allori, Venere e Cupido, 1570, olio su tela,
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUFhAFK65K1YDq3R1HKI8DOSbaMMgojFAB8U1NwlqgAHqBg_1W_c6DLuQrolX9K1Ql31czhdtwQqpf-ajfAFtXuVrmo8MYdKZJroguaTPM33JR-zfCo4rQDOTB9U9ZhATwY0Sk_xI8ijk/s1600/Venere+impedisce+ad+Enea+di+uccidere+Elena+di+Troia+Luca+Ferrari.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUFhAFK65K1YDq3R1HKI8DOSbaMMgojFAB8U1NwlqgAHqBg_1W_c6DLuQrolX9K1Ql31czhdtwQqpf-ajfAFtXuVrmo8MYdKZJroguaTPM33JR-zfCo4rQDOTB9U9ZhATwY0Sk_xI8ijk/s1600/Venere+impedisce+ad+Enea+di+uccidere+Elena+di+Troia+Luca+Ferrari.jpg" height="301" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Ferrari, Venere impedisce ad Enea
di uccidere Elena, 1650, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">olio su tela, Art Gallery of South Australia, Adelaide</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E se Amore è il figlio
divino prediletto dalla dea della bellezza, probabilmente Enea è quello
semidivino. Il futuro procreatore della stirpe romana (secondo l’Eneide di
Virgilio) infatti, secondo la mitologia era figlio di Venere ed Anchise, cugino
del Re di Troia Priamo. Il mito narra che il bimbo nacque in seguito
all’invaghimento della dea per il pastore mortale, che pagò però con la cecità
il suo farsi vanto di aver avuto una tresca con la dea della bellezza. Una
mamma legata al figlio, di cui guidò le gesta eroiche e che consigliò
sapientemente, come nella vicenda raccontata da <b>Luca Ferrari </b>nella tela custodita ad Adelaide,
del 1650. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNecFG_XvJsWb4y662vewo0JwBBp4xGs7f8I7Cz1pN4yHtTulKGLGr6wmPftpm6S819bH7Jb6POwWsIPtAaW9Kvoc596qK28_o_uMj9PCbvyQtmzTDWGOmQOsQV6RIcCfWZkdSXmTylnU/s1600/venere+con+la+mela+thorvaldsen.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNecFG_XvJsWb4y662vewo0JwBBp4xGs7f8I7Cz1pN4yHtTulKGLGr6wmPftpm6S819bH7Jb6POwWsIPtAaW9Kvoc596qK28_o_uMj9PCbvyQtmzTDWGOmQOsQV6RIcCfWZkdSXmTylnU/s1600/venere+con+la+mela+thorvaldsen.jpg" height="400" width="186" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">B. Thorvaldsen, Venere con <br />la mela, 1805, marmo,<br /> Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel dipinto <b><i>Venere
impedisce ad Enea di uccidere Elena</i></b>, cosicché potesse impiegare il tempo
inutilmente sprecato a fuggire con la sua famiglia dalle mura troiane. È senza
dubbi lodevole l’espressività dei soggetti rappresentati, che raggiunge il
culmine nel serrato gioco di sguardi tra la dea e suo figlio, che tenta di
capire il volere della madre pur non riuscendoci, dato che ha davanti a sé la
donna che ha creato i presupposti per la disfatta della sua gente. Ma in fondo
è stata la stessa Venere ad indicare al giovane Paride la donna più bella del
mondo, per cui era anche giustificabile una sorta di senso di colpa di questa
nei confronti di Elena, rea di essere stata soggiogata dal volere divino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Più di un secolo dopo,
nel pieno della corrente neoclassica volta a riproporre i canoni, lo stile,
l’eleganza e la vetustà delle civiltà classiche, <b>Thorvaldsen</b> raffigurerà la dea
<b><i>Venere con in mano la mela</i></b> che le fu donata proprio da Paride nel celebre
episodio in cui il pastore, chiamato a scegliere la dea più bella tra Venere,
Giunone e Minerva, scelse la prima, che le promise di indicargli la donna più
bella del mondo. La Venere di Thorvaldsen è una divinità conscia della sua
sensualità, orgogliosa del premio vinto tanto da esporlo in mano senza ritegno,
come fosse il trofeo dei trofei e non senza ragione: il pomo era la
dimostrazione che la sua bellezza superava quella delle altre dee.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E nel pieno della
competizione accesa tra i due più grandi esponenti della scultura neoclassica, negli
stessi anni <b><i>Canova</i></b> scolpirà una Venere pudica, la <b><i>Venere Italica</i></b>, talmente
somigliante ad una donna reale da essere decantata da Ugo Foscolo. La statua
gli fu commissionata per colmare il vuoto procurato dal trafugamento
napoleonico della <b><i>Venere Medici</i></b>, rivelandosi una degna sostituta: per
rendere la sensazione della morbidezza delle carni infatti, Canova stese sul
marmo un impasto rosato che contribuì a relegarla tra le opere d’arte più
riuscite del grande artista. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIhZaQX-oyi1zsxpPgAyycxY99ZdSu0T1tWQIdpbDnyblJc3pIO0QKUjXgkuvo7qNXn88lWUdec8-5K1b079eHN8g9NxwYL75K8-g4WfB375X1eaFWTB5SUrRh1RV9SZrAmjLOApRxmOs/s1600/venere+italica+canova.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIhZaQX-oyi1zsxpPgAyycxY99ZdSu0T1tWQIdpbDnyblJc3pIO0QKUjXgkuvo7qNXn88lWUdec8-5K1b079eHN8g9NxwYL75K8-g4WfB375X1eaFWTB5SUrRh1RV9SZrAmjLOApRxmOs/s1600/venere+italica+canova.jpg" height="320" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Canova, Venere Italica, 1804 – 1812,<br /> marmo,
Galleria Palatina, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEickaKRulYqf1goDXl8Xi6q8ZimEdaxyvSxpFmwUDT4iwdNfjeeXD2w5cOy8YYPKa35Y2W4HRLictfI6IrSsZJVY4xPoGGiGKNvjJyi2Jj8j7ifAl9cZGUwsqx5iNpXdRaeDgNRWrpAYQE/s1600/venere+medici.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEickaKRulYqf1goDXl8Xi6q8ZimEdaxyvSxpFmwUDT4iwdNfjeeXD2w5cOy8YYPKa35Y2W4HRLictfI6IrSsZJVY4xPoGGiGKNvjJyi2Jj8j7ifAl9cZGUwsqx5iNpXdRaeDgNRWrpAYQE/s1600/venere+medici.JPG" height="320" width="213" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Cleomene di Apollodoro, Venere Medici, <br />I sec.
a.C., marmo, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1GQ89eq96PXXq4FxtGHO8WmqQpYf3tl6HwsPepWJztoECzndkL-RYoN9BftOYqTYZbOXXl1j2qdmVkq42ouXDK43X46dDEgeBaF8dtNT08zrj6sXTFeK0AoYflmiExOyU78xvRCckdI4/s1600/fontainebleau_scuola_venere+e+la+toilette.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1GQ89eq96PXXq4FxtGHO8WmqQpYf3tl6HwsPepWJztoECzndkL-RYoN9BftOYqTYZbOXXl1j2qdmVkq42ouXDK43X46dDEgeBaF8dtNT08zrj6sXTFeK0AoYflmiExOyU78xvRCckdI4/s1600/fontainebleau_scuola_venere+e+la+toilette.jpg" height="244" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Scuola di Fontainebleu, Venere alla toilette,
XVI <br />secolo, olio su tela, Musèe du Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Ma ovviamente per
concludere, checché se ne dica, quando si pensa a Venere ed alla dea della bellezza,
la si riconduce al suo narcisismo, al suo essere sempre perfetta per onorare
l’elemento di cui è la divinità. Su quest’aspetto nel corso dei secoli diversi
artisti si sono dedicati a ritrarla alla toilette, spesso in compagnia di
Amore: due esempi su tutti sono la <b><i>Venere alla toilette</i></b> dipinto da un <b><i>allievo
della Scuola di Fontainebleu </i></b>agli inizi del XVI secolo e <b><i>La toilette di Venere</i></b>,
dipinta da <b>Boucher</b> nel 1751, nelle cui tele, una Venere denudata, perfetta nel
suo corpo liscio e delicato, agghindata solo di tiare e gioielli, si guarda
allo specchio o si fa agghindare da Amore, fiera della sua bellezza, che è ad
un livello talmente alto che non può essere superato da alcuna mortale né dea.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><br /></span></div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-y-OTkc6XN4eSLRKGr4H4TBVJjVFq9vulQ1NssfEThMiRFY32m49vTEDnCFk5R2b2N7fPMQOnwRGF_n5uSN39QqGVoR44CAtoUVIXwM1ZkGbOq33Jqil3uOBDC3ovOcCd5R8yZZp-Xjs/s1600/la+toeletta+di+venere,+boucher.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-y-OTkc6XN4eSLRKGr4H4TBVJjVFq9vulQ1NssfEThMiRFY32m49vTEDnCFk5R2b2N7fPMQOnwRGF_n5uSN39QqGVoR44CAtoUVIXwM1ZkGbOq33Jqil3uOBDC3ovOcCd5R8yZZp-Xjs/s1600/la+toeletta+di+venere,+boucher.jpg" height="640" width="486" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Boucher, La toeletta di Venere, 1751, olio su
tela, Metropolitan Museum, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Times New Roman, serif; font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">POST CORRELATI:</span></span></div>
<ul>
<li><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ZEUS / GIOVE </a></span></span></li>
<li><span style="font-family: Times New Roman, serif;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_27.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ATENA / MINERVA</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ARES / MARTE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_11.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: EROS / CUPIDO - AMORE</a></span></span></li>
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</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-21450988571805293322014-12-23T14:02:00.003-08:002015-01-18T11:01:45.543-08:00Gli dei delle civiltà classiche, nella storia dell'arte: ZEUS / GIOVE <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La storia dell’arte,
nei secoli in cui si è sviluppata, ha da sempre toccato temi di varia natura,
tentando da sempre sia di stimolare la curiosità ancora sconosciuta al fruitore dell’opera creata, sia di trasmettere ai posteri testimonianze
visive di racconti ed aneddoti storici e mitologici. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente, in
antitesi alla sacralità del mondo vetero e neotestamentario, anche quello
mitologico – pagano ha avuto una vasta eco dopo la civiltà classica, tornando
fortemente in auge con il Rinascimento. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra gli dei facenti
parte della grande famiglia che abitava l’Olimpo nell’epoca classica greca,
<b>Zeus</b> per i greci, <b>Giove</b> per i romani, ricopriva il ruolo di patriarca, in
quanto dio del cielo e del tuono per i primi, della religione e della mitologia
romana per i secondi. Le testimonianze letterarie degli antichi ce lo
raccontano come un birbante sempre in cerca di avventure amorose, fedifrago nei
confronti di sua moglie Giunone, a tratti pederasta, come nel caso del suo
amore verso Ganimede.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMsD1uGAryKShxOcPb8YwG0rxEMPc2WT-WbybLGtHiM6gx9I8seBA3OihCF9bNVth0TXsaXJ7cWI0ELFq7EOJVztsZP0H7CshDiNNxMTHsHyxqD2TGjJ3Rr6ujED5et8MRcs6BHt6vocY/s1600/-Ganimedes_Zeus_MET.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMsD1uGAryKShxOcPb8YwG0rxEMPc2WT-WbybLGtHiM6gx9I8seBA3OihCF9bNVth0TXsaXJ7cWI0ELFq7EOJVztsZP0H7CshDiNNxMTHsHyxqD2TGjJ3Rr6ujED5et8MRcs6BHt6vocY/s1600/-Ganimedes_Zeus_MET.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Eucharides, Zeus e Ganimede, 490 a.C., cratere,<br /> Metropolitan
Museum, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un aneddoto
riscontrabile su diversi vasi greci, come il cratere di <b>Eucharides</b> raffigurante
la scena in cui <b><i>Ganimede in qualità di coppiere, versa il nettare degli dei a
Zeus</i></b>. Nel vaso è ben chiaro lo status generazionale dei due uomini: Zeus è
adulto nella sua altezza statuaria e nella sua folta barba, nobile nella sua
condizione di Dio, vestito di una tunica preziosa, seduto su un trono e
imponente con il suo bastone presieduto da un’aquila simbolo della sua figura;
Ganimede è ancora un ragazzino, minuto, ancora in età puberale, privo di
peluria, ma in fase di crescita come dimostra il taglio corto tipico del
passaggio dall’adolescenza all’età adulta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il mito di Zeus/Giove
è Ganimede è uno dei più conosciuti tra quelli appartenente al padre degli dei:
Zeus, ammaliato dalla bellezza del giovane figlio del Re Troo, lo rapì
tramutandosi in aquila ed afferrandolo con i suoi artigli per portarlo sull’Olimpo
dove lo avrebbe fatto suo amante nonché coppiere. La scena sul piano artistico
ritrova diverse interpretazioni dell’aneddoto; volte a raccontare l’attimo del
rapimento, come fa <b>La Souer </b>nel <b><i>Rapimento di Ganimede</i></b> o a raccontare un momento
della vita dei due amanti, come nel falso affresco romano dipinto da <b>Mengs</b> nel
1760, per tirare un tranello a Winckelmann appassionato di arte classica. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic_J-Y7y96Y2EAg2hyEKSE5pK77Hrug4gLkRw_eQoZ9IwzeL3eU4kNoK3tFSY2dYThAWdQOwvo8ZwVqQR6TPn4g8umUWm24dwxJgYgTL78S2zuVI6w-ETSJqyauqSwezmrdXMMjBK7mTs/s1600/il+rapimento+di+ganimede,+le+soeur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEic_J-Y7y96Y2EAg2hyEKSE5pK77Hrug4gLkRw_eQoZ9IwzeL3eU4kNoK3tFSY2dYThAWdQOwvo8ZwVqQR6TPn4g8umUWm24dwxJgYgTL78S2zuVI6w-ETSJqyauqSwezmrdXMMjBK7mTs/s1600/il+rapimento+di+ganimede,+le+soeur.jpg" height="320" width="273" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. La Soeur, Il
rapimento di Ganimede, 1650, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio su tela, Musèe du Louvre, Parigi</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkgZB7zAw2FSI5HsSugSHl1diNU3DjubCoy_IMgKljC977iDOqdhsN3EirE72De_yATyNG0KMENcch933DNtJRhhq3xxpP7J-TdUyT-0e52MSLZV34H3n4iQ9ttnmJKERaoaMZXIWm2c4/s1600/anton_raphael_mengs_giove_bacia_ganimede_1760.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkgZB7zAw2FSI5HsSugSHl1diNU3DjubCoy_IMgKljC977iDOqdhsN3EirE72De_yATyNG0KMENcch933DNtJRhhq3xxpP7J-TdUyT-0e52MSLZV34H3n4iQ9ttnmJKERaoaMZXIWm2c4/s1600/anton_raphael_mengs_giove_bacia_ganimede_1760.jpg" height="320" width="249" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Mengs, Giove e Ganimede, 1760, affresco,
<br />Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente
raffigurando il padre di tutti gli dei, nell’ufficialità della statuaria greca
e romana, il dio non poteva che apparire nel pieno della sua maestosità e della
sua potenza regale: ne sono esempio il nudo <b><i>Giove Tonante</i></b>, dei I secolo d.C.,
classico nella sua impostazione dinamica,
nella perfetta proporzione anatomica del tronco e degli arti, nella resa
degli addominali e dei muscoli, dei capelli e della barba; ed il <b><i>Giove di
Smirne</i></b>, di un secolo più tardo, avvolto in una tunica come un perfetto
patriarca romano, regale nella capigliatura e nella barba di stile imperiale,
divino nell’impugnatura della saetta simbolo della sua potenza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJFG_upw3l8mJMtnBVpe0_D6HRHG0Mil-xm273cw7lAkxoGmOPjM_06xVBC3LtTYCb97ROo1gzbl5T0IZnvIaRJti_l5dR8sBvTEDHhDZmxDRTNsw1KzH2_sreMn2_WDV_1ffCThNdrSA/s1600/Giove+tonante.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJFG_upw3l8mJMtnBVpe0_D6HRHG0Mil-xm273cw7lAkxoGmOPjM_06xVBC3LtTYCb97ROo1gzbl5T0IZnvIaRJti_l5dR8sBvTEDHhDZmxDRTNsw1KzH2_sreMn2_WDV_1ffCThNdrSA/s1600/Giove+tonante.jpg" height="400" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giove Tonante, I sec. d.C., marmo, <br />Museo del
Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPY_EPB37ys3qJNyFIy2fCb7fUWtO11eLnkMvAvFMD6x031Do6PEt6XV6aEF50k7d8rsQ2X2Edx3sw22zgmbDax1hKepRn-ORuVcGCi2cLUYlI9aT6waNg6PpAUwjtyDCuMJDfSvbQnk4/s1600/Jupiter_Smyrna_Louvre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPY_EPB37ys3qJNyFIy2fCb7fUWtO11eLnkMvAvFMD6x031Do6PEt6XV6aEF50k7d8rsQ2X2Edx3sw22zgmbDax1hKepRn-ORuVcGCi2cLUYlI9aT6waNg6PpAUwjtyDCuMJDfSvbQnk4/s1600/Jupiter_Smyrna_Louvre.jpg" height="400" width="191" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giove di Smirne, 250 d.C., marmo, <br />Musèe du
Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj54UOMG5pMo8rC_rGs1HP2W2HZ60hu9clPMAMGmJgAMul5r7WFFYFEeOWb5piAxBRtSo0X7XRviWKooaExrx9xeJ6dDKv1jh5RspBp_0lcU96SifROKXdFTxlW2s1Qd8H-FjFVp_u7OS0/s1600/-Dosso_Dossi_Giove+dipinge+farfalle.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj54UOMG5pMo8rC_rGs1HP2W2HZ60hu9clPMAMGmJgAMul5r7WFFYFEeOWb5piAxBRtSo0X7XRviWKooaExrx9xeJ6dDKv1jh5RspBp_0lcU96SifROKXdFTxlW2s1Qd8H-FjFVp_u7OS0/s1600/-Dosso_Dossi_Giove+dipinge+farfalle.jpg" height="236" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">D. Dossi, Giove dipinge farfalle, 1523, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Castello di Wawel, Cracovia</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa saetta che
poco più di un millennio dopo, con l’avvento del Rinascimento e del nuovo
interesse verso le civiltà classiche, si riscontra nel dipinto di <b>Dosso Dossi</b>,
raffigurante il mito di <b><i>Giove e Semele</i></b>. Ancora Dosso Dossi ricorderà qualche
anno dopo il padre degli dei in un dipinto che lo raffigura assieme a Mercurio
e le virtù, mentre dipingeva farfalle, in una visione allegorica e simbolica
che voleva relegare ai coleotteri la volatilità del pensiero; nella tela di
Giove e Samele però, il tema non è più di quotidianità ma tocca la sfera
mitologica, raccontando il momento tragico della morte della donna per mano del
Dio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il mito narra dell’invaghimento
di Giove per Semele, rimasta incinta del dio dopo un loro incontro, e del
successivo piano ordito da Giunone per punire il marito e la donna. La dea
infatti, tramutandosi nella balia della ragazza, la indusse a chiedere al dio
di rivelarsi nel suo divino splendore. Nonostante Giove avesse provato a
dissuadere la donna a cedere, questa rimase impassibile, venendo quindi
tramortita dalla folgore del Dio che non volle sottrarsi al volere di costei.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela attribuita a
Dosso Dossi, racconta proprio il momento in cui Giove rivela la sua divinità a
Semele, uccidendola. Un Dosso Dossi probabilmente giovane se il dipinto fosse
effettivamente di sua mano, ancora poco deciso nella cromia e nella resa
anatomica delle figure, rivelandosi fumoso e poco incisivo nel complesso. Molto
più teatrale risulta la tela del 1780 di <b>Paolo Pagani</b>, custodita alla Moravskà
Galerie di Brno in cui la donna appare sconvolta e impaurita dal Dio deciso a
rivelarsi a lei, nel pieno del turbinio di un cielo rococò: dalla donna morente
nascerà il piccolo Dioniso/Bacco la cui etimologia richiama il suo status di
figlio di Zeus. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLbHNrEWpM2tnv53X8qnFfhFzomKFmd-ugSniBWvkd_3mYglnyTugsAo1UWmsZ2BaBZcghrwJFWy_tau5xjveC3qmW3s6S3nrALo4PLXNeehZ9TKZMfZe0e3Z0OL-Cmh3q1nrSMKbZfko/s1600/dosso-dossi,+giove+e+semele.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLbHNrEWpM2tnv53X8qnFfhFzomKFmd-ugSniBWvkd_3mYglnyTugsAo1UWmsZ2BaBZcghrwJFWy_tau5xjveC3qmW3s6S3nrALo4PLXNeehZ9TKZMfZe0e3Z0OL-Cmh3q1nrSMKbZfko/s1600/dosso-dossi,+giove+e+semele.jpg" height="400" width="287" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">D. Dossi, Giove e Semele, 1520 ca, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Collezione Privata</span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQWcaHHCF6Jt8hI_0yIKVOZz3WdAfRogpPiuaVLi4wB2rfjReCiOmXvlaKOhg_wQUltGjZ3rlBLyxOQtXYgQIFdJRgC9qk789XLFvJLy8lEu-6ECrxXfq6wsa087MSZU_Ny0StmtPrls/s1600/giove+e+semele.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQWcaHHCF6Jt8hI_0yIKVOZz3WdAfRogpPiuaVLi4wB2rfjReCiOmXvlaKOhg_wQUltGjZ3rlBLyxOQtXYgQIFdJRgC9qk789XLFvJLy8lEu-6ECrxXfq6wsa087MSZU_Ny0StmtPrls/s1600/giove+e+semele.jpg" height="400" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Pagani, Giove e Semele, 1780, olio su tela, <br />Moravskà
Galerie, Brno</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLjG7_Dc-pjsEMcFQvLFHRBzCnN8eKOKK0R-tsjX5ecVhmt-fQ408HaXKF-B5mIOwHGC3iQ_zl0fyNI3sgWn9db8ZktV7t_m0UVBVRGLCgyFzs-aLlAddyxjrOrTV9H6VBojXjBomEk3g/s1600/GIOVE+ED+IO+correggio.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLjG7_Dc-pjsEMcFQvLFHRBzCnN8eKOKK0R-tsjX5ecVhmt-fQ408HaXKF-B5mIOwHGC3iQ_zl0fyNI3sgWn9db8ZktV7t_m0UVBVRGLCgyFzs-aLlAddyxjrOrTV9H6VBojXjBomEk3g/s1600/GIOVE+ED+IO+correggio.jpg" height="400" width="165" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Correggio, Giove ed Io, 1533, <br />olio su tela,
Kunsthistorisches <br />Museum, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche Io fu un’altra
vittima – se così vogliamo etichettarle – delle voglie di Giove. Il mito
racconta infatti che il dio invaghitosi della giovane sacerdotessa di Giunone
per colpa di un incantesimo subito da terzi, la fecondò avvolgendola in una nuvola;
Era scoperto l’ennesimo tradimento, punì i colpevoli dell’incantesimo e
trasformò la donna in una giovenca. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Correggio</b> nella serie
degli <b><i>Amori di Giove</i></b>, dipinti per Federico II Gonzaga duca di Mantova, dipinse
anche una tela raffigurante l’aneddoto in questione – ora custodita al
Kunsthistorische Museum di Vienna – che vede la bellissima donna dal carnato
delicato e dalle forme burrose e sinuose, catturata con un piglio deciso da un
ammasso fumoso dalle sembianze umanoidi. Nei primi anni del XX secolo il
dipinto fu anche protagonista di una <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/03/limmoralita-della-io-del-correggio.html">spiacevole faccenda riguardante il l’Amministrazione dei Musei del Regno</a>, che, avendo scelto il dipinto per riproporlo su alcuni
francobolli di tiratura nazionale, dovette
ritirare tutti i francobolli in quanto l’opera fu ritenuta moralmente
inaccettabile per le sue nudità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Agli stessi anni del
dipinto del Correggio, è ascrivibile l’affresco di <b>Giulio Romano</b> a Palazzo Te,
raffigurante <b><i>Giove che seduce Olimpiade</i></b>. Il pittore non era nuovo al ciclo
amoroso raffigurante gli dei della civiltà classica, infatti aveva collaborato
con Raffaello e gli altri artisti della bottega del gran maestro urbinate, già
nelle Logge della Farnesina a Roma: suo è per l’appunto il <b><i>Giove che bacia
cupido,</i></b> un soggetto che ricorda per affinità erotica pederasta quello del Giove
e Ganimede.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoY1G0gfUloIR1DllmgUuoNyrh0FE79oBiVLo904lE-TdlINhwVC0DJ2hqlThZbSZ2g0mc9u6t_iZcEoPSBbo68l-bmJtyq3eqb-swFc5GuR6pK_buM1Obf6SzmyvcSpbgruY9NQaDe4M/s1600/raffaello,+giove+bacia+cupido.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoY1G0gfUloIR1DllmgUuoNyrh0FE79oBiVLo904lE-TdlINhwVC0DJ2hqlThZbSZ2g0mc9u6t_iZcEoPSBbo68l-bmJtyq3eqb-swFc5GuR6pK_buM1Obf6SzmyvcSpbgruY9NQaDe4M/s1600/raffaello,+giove+bacia+cupido.jpg" height="320" width="288" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">G. Romano, Giove e Cupido,</span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">1515, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">affresco, Villa Farnesina, Roma </span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il Giove che seduce
Olimpiade, riprende il mito per cui Giove si sarebbe unito alla moglie di
Filippo di Macedonia, sotto sembianze di un serpente, favorendo dalla loro
unione la nascita di Alessandro Magno. Nel pannello dipinto da Giulio Romano,
viene raccontato il momento dell’unione tra la regina e il Dio, che per l’occasione
non viene rappresentato completamente tramutato in serpente, ma simbolicamente
in una forma transitoria che vede il dio nelle sue fattezze umane dalle cosce
in su e nelle fattezze di serpente soltanto a completamento del corpo. Peraltro
nel pieno della politica erotica attuata in più riprese da Giulio Romano (si
veda la <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/03/lincisione-erotica-italiana-del-xvi.html">svirgolettata sui Modi</a>), il pannello ha un connotato fortemente
sensuale, al limite del pornografico, nell’eccitamento del dio, riconoscibile
dalla presenza dei due simboli della sua divinità: la saetta e l’aquila. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RiC2_Fd1tnu1v4cLeR9gDFEKC9EIIbYlA6_2UXsrODjmIR_Z_JEUk0liSoFsqAXHw4F9s9dEh8qrApvE1qy2whN2HY8NVYPleubSyzfwfkuqs5aRZa___y-qBlJz4oi12g59wmBLwOw/s1600/giove-e-olimpia-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RiC2_Fd1tnu1v4cLeR9gDFEKC9EIIbYlA6_2UXsrODjmIR_Z_JEUk0liSoFsqAXHw4F9s9dEh8qrApvE1qy2whN2HY8NVYPleubSyzfwfkuqs5aRZa___y-qBlJz4oi12g59wmBLwOw/s1600/giove-e-olimpia-.jpg" height="522" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Romano, Giove seduce Olimpiade, 1526 – 1534,
affresco, Palazzo Te, Mantova</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6cfWfB60BbqgYBLz9h0Igfl_kT6FB_nDaNszXKKqhyZa04Gr_TKs-TvdKF_yyMukO7DMCNtitBtREbfIFdwewEyW-QSQ1guw4_BM__9k-1Igkh9UXYXXeN3qDjOHI3HkeBmseaU6DiHw/s1600/Fran%C3%A7ois_Boucher,_L%C3%A9da_e+il_Cigno_1740.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6cfWfB60BbqgYBLz9h0Igfl_kT6FB_nDaNszXKKqhyZa04Gr_TKs-TvdKF_yyMukO7DMCNtitBtREbfIFdwewEyW-QSQ1guw4_BM__9k-1Igkh9UXYXXeN3qDjOHI3HkeBmseaU6DiHw/s1600/Fran%C3%A7ois_Boucher,_L%C3%A9da_e+il_Cigno_1740.jpg" height="258" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Boucher, Leda e il cigno, 1740, <br />olio su tela,
Collezione Privata</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Questa impostazione
però non deve indurre allo scandalo: Giulio Romano infatti non è il solo a
mostrare nudità evidenti nelle sue opere pittoriche riguardanti il tema
scabroso degli amori carnali del padre degli dei. Anche <b>Boucher</b> infatti, nella <b><i>Leda e il cigno</i></b> del 1740, mostra una
Leda completamente sopraffatta dal Giove tramutatosi in cigno, che in maniera
lenta e delicata si avvicina con il becco all’organo genitale femminile della
ragazza vestita con abiti coevi al pittore, secondo lo stile compositivo tipico
dei secoli XVI – XVIII che volevano attualizzare gli eventi storico mitologici
al presente.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti anche la <b><i>Danae
e la pioggia d’oro</i></b> di <b>Tiziano</b>, custodita al Prado, è una rivisitazione moderna
dell’aneddoto raccontato nelle Metamorfosi d’Ovidio, secondo cui Danae,
rinchiusa in una torre da suo padre perché secondo l’oracolo a cui si era
rivolto, il figlio di questa lo avrebbe ucciso, venne ingravidata da Zeus
attraverso la precipitazione di una pioggia d’oro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo7wNoJBT_67a1FR1SBPm2Eb5HT89t4IDcL4S6naI_Ihesu7rN_0P1s8xEzD8l3kipT03MK6kDyLwPF1B3YKRXMXQ-02H2YGE35q3f8MiXDGEWEONM_pzuWl_5FhVKKnsjkqFo11qhNdQ/s1600/Gustav_Klimt+danae.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo7wNoJBT_67a1FR1SBPm2Eb5HT89t4IDcL4S6naI_Ihesu7rN_0P1s8xEzD8l3kipT03MK6kDyLwPF1B3YKRXMXQ-02H2YGE35q3f8MiXDGEWEONM_pzuWl_5FhVKKnsjkqFo11qhNdQ/s1600/Gustav_Klimt+danae.jpg" height="193" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Klimt, Danae, 1907, olio su tela, <br />collezione
privata, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La scena tizianesca è
molto sensuale, avendo raffigurato il pittore una Danae nuda distesa su un
letto di lenzuola e cuscini candidi e morbidi, con una pelle perlacea e
perfetta in contrasto con quella scura e rugosa della custode della torre, di
più basso rango, intenta a catturare più monete possibili col suo grembiule nel
pieno della sua avidità. Una visione “raccontata” da buon narratore, diversa da
quella più intimistica di <b>Klimt </b>(d’altronde tra i due artisti ce ne passano ben
quattro di secoli) che raffigura una <b><i>Danae</i></b> seducente e carnale, rannicchiata su
se stessa persa in un sonno profondo, in una posizione fetale che le permette
di accogliere appieno la pioggia d’oro nel suo utero. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid8vv2SrVlqclbkT1ljwzifMAgePqAMEJKgYul_EHwTxIay1a-Dcl-XUbldjO52qQx8N3AIKqE_s3LZC8iNFxC3GGNmiyrMAi1w560To3d4YhidjKUtnEN8yVaAzQd1HnCiVnwF39iyLU/s1600/-Tiziano_-_D%C3%A1nae_Museo_del_Prado,_Madrid,_1554.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid8vv2SrVlqclbkT1ljwzifMAgePqAMEJKgYul_EHwTxIay1a-Dcl-XUbldjO52qQx8N3AIKqE_s3LZC8iNFxC3GGNmiyrMAi1w560To3d4YhidjKUtnEN8yVaAzQd1HnCiVnwF39iyLU/s1600/-Tiziano_-_D%C3%A1nae_Museo_del_Prado,_Madrid,_1554.jpg" height="452" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Danae e la pioggia d’oro, 1553, olio su
tela, Museo del Prado, Madrid.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8RL6TPAftxIh3nDIdY6SUSUjgZpSawlRL-gpSJ9WemNpVCcuF9hINhUpcYzSfw3Z3t2EkKVef1U8cdOSjDHVIRaeyQHn-wQoSUSERX3KnAMoQmF0nBOqbOAGso1v9fYiijnVMWosWnSM/s1600/giove+e+alcmena+vasari.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8RL6TPAftxIh3nDIdY6SUSUjgZpSawlRL-gpSJ9WemNpVCcuF9hINhUpcYzSfw3Z3t2EkKVef1U8cdOSjDHVIRaeyQHn-wQoSUSERX3KnAMoQmF0nBOqbOAGso1v9fYiijnVMWosWnSM/s1600/giove+e+alcmena+vasari.jpg" height="320" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Vasari, Giove e Alcmena, 1557, <br />olio su tela,
Palazzo Vecchio, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quattro anni dopo l’esecuzione
della Danae di Tiziano, anche il suo coetaneo <b>Giorgio Vasari</b> dipinse un olio su
tela, raffigurante un altro amore adultero di Giove: quello di <b><i>Giove ed
Alcmena</i></b>, anch’esso raccontato nelle Metamorfosi d’Ovidio. Il mito riguardante
questi due soggetti però è diverso dagli altri per modus operandi, perché, se
nelle altre occasioni Giove si trasformò in animali o entità, in questo caso,
data la fedeltà di Alcmena, il dio fu costretto a prendere le sembianze del
marito di costei, Anfitrione. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela dipinta dal
Vasari però, non racconta il momento del concepimento del piccolo Ercole, bensì
quello della tentata vendetta di Giunone, che, provò ad uccidere Alcmena ed il
piccolo figlioletto introducendo nella camera di lei due serpenti. Infatti nel
dipinto Giove ed Alcmena assistono interessati alla prodezza del piccolo figlio
di Giove, che per nulla impaurito dalla situazione, cattura i due letali
serpenti, uccidendoli. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTqBhKSDXkR6THR8fbO3h6jYLKqyVpncRaV_BYosctz2D83RLFNgIoKREbtlBwvTDK4EWcRBDljTPnr_awWa363TxOQqiyxbuT-H6CzmYKSgn98Bkpfppj3XwYMUh1frnj6xlDNnMhlX0/s1600/jacopo_Tintoretto.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTqBhKSDXkR6THR8fbO3h6jYLKqyVpncRaV_BYosctz2D83RLFNgIoKREbtlBwvTDK4EWcRBDljTPnr_awWa363TxOQqiyxbuT-H6CzmYKSgn98Bkpfppj3XwYMUh1frnj6xlDNnMhlX0/s1600/jacopo_Tintoretto.jpg" height="288" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tintoretto, L’origine della Via Lattea, 1575,
<br />olio su tela, National Gallery, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E con <b>Tintoretto </b>vent’anni
più tardi, si giungerà alla rappresentazione di un altro aneddoto legato alla
saga di Ercole, riguardante non più Alcmena ma il piccolo figlioletto simbolo
del peccato di Giove e suo padre, intento a combinarne un’altra delle sue.
Infatti il mito narra che, per far sì che Ercole potesse ambire ad ottenere la
vita eterna, doveva necessariamente bere il latte secreto dal seno di Giunone.
Sicché approfittando dell’assopimento della dea, ben consapevole che se l’avesse
svegliata avrebbe provocato un putiferio incredibile, Giove avvicinò il
piccoletto alla tetta della donna, in modo che potesse bere. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tintoretto ne <b><i>L’Origine
della Via Lattea</i></b> narra proprio l’aspetto che segue a quanto detto, quando
Ercole afferrando il seno di Giunone con piglio deciso, svegliandola fece
schizzare il latte ovunque, permettendo così la creazione dei gigli con le gocce
cadute in terra, e della Via Lattea con quelle sbalzate in cielo. Originale è l’idea
del pittore di illuminare gli schizzi provenienti dal seno, con piccole stelle
luminose; necessaria è l’esigenza di identificare i personaggi con i simboli
degli animali a loro appartenenti: l’aquila con la saetta tra gli artigli per
Giove, i pavoni per Giunone. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvUi83_ckN3XkxMVZosa-Uw5e5SjYdbaB75QlfCj-fDS0Yifyqa-Ib2AL8dcw-RjZrCCUwFJ19QEOOmCMHvmqyWHYF5UW7jbnPO9AO5RnU1w9HkFQIgLpF1A3DNWiFoptZnoIvRt5PryA/s1600/hendrick_goltzius_giove_e_antiope_1612.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvUi83_ckN3XkxMVZosa-Uw5e5SjYdbaB75QlfCj-fDS0Yifyqa-Ib2AL8dcw-RjZrCCUwFJ19QEOOmCMHvmqyWHYF5UW7jbnPO9AO5RnU1w9HkFQIgLpF1A3DNWiFoptZnoIvRt5PryA/s1600/hendrick_goltzius_giove_e_antiope_1612.jpg" height="227" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Goltzius, Giove e Antiope, 1612, olio su
tela,<br /> Franz Hals Museum, Harleem</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche l’incisore e
pittore fiammingo <b>Goltzius</b>, toccherà il tema degli amori infedeli del padre
degli dei nella sua produzione artistica. Di forte impatto è il dipinto
conservato al Franz Harles Museum di Harleem, rappresentante <b><i>Giove che seduce
Antiope</i></b>. Così come racconta il mito, Giove innamoratosi della principessa di
Tebe, la ingravidò tramutandosi in un satiro, procurandole non pochi problemi
con suo padre e con suo zio. Nella tela è ravvisabile il momento immediatamente
antecedente all’approccio amoroso, quando un Antiope dai tratti fiamminghi,
ricoperta solo da monili e un delicatissimo trasparente velo sui genitali,
mentre dorme distesa su morbidi cuscini dalle fantasie rigate, viene avvicinata
da Giove trasformato in un grottesco satiro, che lascia intravedere dalla sua
espressione tutte le sue intenzioni.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra gli italiani dello
stesso secolo, sarà <b>Guido Reni</b> a dare un tocco più armonioso al tema amoroso
riguardante Giove, dato che più che di scene di passione amorosa spesso si
trattava di abusi veri e propri ai danni delle giovincelle. Se infatti il<b><i> Ratto
di Europa</i></b> musivo del III secolo d.C., ritrovato a Byblos, racconta di una
principessa in groppa al toro, titubante e impossibilitata a scendere dall’animale
in corsa, la versione omonima di Guido Reni è più pacata e bucolica,
raffigurando la principessa in atteggiamenti sereni abbracciata ad un toro
mansueto ricoperto di corone di fiori. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcMnAechK5UkBkppQgFo5EDMZK-c37g1pZpxmZT9paVIhvNbVvEs9LOQ-dFmTWGf4Y5p59rL9Zpwjl4qByLSd8BqVHln9fqg4QCPtBVWwLiggbAClxquWKrJQPeAimgnZ4ePAHRGpVQNk/s1600/ratto+d'Europa%2BIIIsecolo%2BdC.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcMnAechK5UkBkppQgFo5EDMZK-c37g1pZpxmZT9paVIhvNbVvEs9LOQ-dFmTWGf4Y5p59rL9Zpwjl4qByLSd8BqVHln9fqg4QCPtBVWwLiggbAClxquWKrJQPeAimgnZ4ePAHRGpVQNk/s1600/ratto+d'Europa%2BIIIsecolo%2BdC.JPG" height="236" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Ratto di Europa, III sec. d.C., mosaico, Byblos</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXvGfU641jEYj8oFUp3C8dMmLoPsTjKeGtW5HAsARIBaZPKanhsHWM9_B4m0nFdRzdh2j2BG0yYCQXSsHGsIk6N8ioLeqKXoD5KI7SzT1R6Pybg-a-NhYbfT30h0wEzspt8BMTEeNWVzI/s1600/Reni,_Guido_-_Europa_e+il+toro_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXvGfU641jEYj8oFUp3C8dMmLoPsTjKeGtW5HAsARIBaZPKanhsHWM9_B4m0nFdRzdh2j2BG0yYCQXSsHGsIk6N8ioLeqKXoD5KI7SzT1R6Pybg-a-NhYbfT30h0wEzspt8BMTEeNWVzI/s1600/Reni,_Guido_-_Europa_e+il+toro_.jpg" height="200" width="153" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Reni, Europa e Giove, <br />olio su tela, 1636,
Dulwich <br />Picture Gallery, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma come nelle migliori
storie coniugali instabili, per quante amanti possa avere un uomo, questo tornerà
sempre dalla moglie per poter stare bene. Giunone è una donna molto gelosa e
spesso mette i bastoni tra le ruote alle amanti del marito, facendo passare
loro le più atroci sofferenze, però è anche una moglie devota che ama il suo
uomo (in questo caso anche fratello) e che si concede a lui quando questo lo
richiede, mettendo da parte rabbia e rancore. È quanto racconta <b>Annibale
Carracci </b>nel pannello della Galleria Farnese, raffigurante <b><i>Giove e Giunone</i></b> che,
lontani da sguardi indiscreti si scambiano sguardi ed effusioni romantiche,
aiutati da Cupido pronto a scoccare la sua freccia d’amore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjigVs-CbSmrlaGZx13enjPxSL5By3DifqG530bBK4akN5XyL6D2E2BIwvh_eIgmFB7I_1h1gk2XaBdp-ntDZA_MX1MxMTNMxXBDvF4v0Ikf0Cm6XRnpQ6fw2ZlrP5zCo9HSsASqzwesy4/s1600/Carracci+-+galleria+farnese+giove+e+giunone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjigVs-CbSmrlaGZx13enjPxSL5By3DifqG530bBK4akN5XyL6D2E2BIwvh_eIgmFB7I_1h1gk2XaBdp-ntDZA_MX1MxMTNMxXBDvF4v0Ikf0Cm6XRnpQ6fw2ZlrP5zCo9HSsASqzwesy4/s1600/Carracci+-+galleria+farnese+giove+e+giunone.jpg" height="472" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Carracci, Giove e Giunone, 1597 – 1600,
affresco, Palazzo Farnese, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi3AeE1MrpXuAjP86UiBgsf34pfjbNh9q8flHZecuNDggxM94_lg0kXvdrcGnzU-4CMY80ztLDx5EIOj1Nw7qGJ-DJao9hA_aHRRU4nQIE5CyEITDeb21oYwwlWQt9JXJY_E5ldUjn7rs/s1600/j_a_d_Ingres_giove_e_teti_1811.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi3AeE1MrpXuAjP86UiBgsf34pfjbNh9q8flHZecuNDggxM94_lg0kXvdrcGnzU-4CMY80ztLDx5EIOj1Nw7qGJ-DJao9hA_aHRRU4nQIE5CyEITDeb21oYwwlWQt9JXJY_E5ldUjn7rs/s1600/j_a_d_Ingres_giove_e_teti_1811.jpg" height="400" width="313" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. A. D. Ingres, Giove implorato da Teti, 1811,
<br />olio su tela, Musèe Granet, Aix en Provence</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma Giove non è legato
in ambito artistico solo alle sue marachelle amorose, ma anche agli aspetti più
filosofici legati alla sua figura ed a quelli più figurativi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti <b>Caravaggio</b> nel
ritrarre il padre degli dei nella pittura parietale (l’unica della sua carriera
di artista) del Casino Ludovisi, gli affidò la personificazione alchemica del
zolfo e dell’aria, così come affidò quelle del cloruro e della terra a Plutone,
e quelle dell’acqua e del cloro a
Nettuno. Ovviamente come da buona tradizione iconografica, i tre personaggi
cavalcano gli animali simbolo della loro divinità: nettuno cavalca un cavallo
marino, Plutone tiene a bada il cerbero, e Giove sovrasta un aquila, il tutto
sviluppandosi su un’impostazione manieristica di visione dal basso verso l’alto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sul piano figurativo
invece, la potenza e la divinità più temuta è raffigurata da <b>Ingres </b>nella sua
tela del 1811, riproducente <b><i>Teti che implora Giove</i></b>: la Nereide è intenta
infatti a supplicare Giove di ostacolare i greci durante la guerra, in modo che
Achille sia costretto a ritornare a combattere. Dall’austerità del Giove di
Ingres si evince sia lo struggimento per non poter aver rapporti con Teti (una
preveggenza aveva chiarito che suo figlio sarebbe stato più potente del padre,
quindi Giove non poteva rischiare che si avverasse), sia allo stesso tempo la
sua maestosità, seduto fiero sul suo trono di oro tra le nuvole, avvolto nel
suo regale manto purpureo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1oep9xF3UooMH5Zdny1P9tt10Y1qLKczzqdbDZmYgX8ZHjyOY6sQg3oI6abMrH3VX3caugyJxG0aFIUoCuXqmhhJf4smBySdecgB4fiGJBHhsvnUbhXXHwPkkMym3l00XALj-H872LAs/s1600/caravaggio_casino_ludovisi_giove_nettuno_plutone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1oep9xF3UooMH5Zdny1P9tt10Y1qLKczzqdbDZmYgX8ZHjyOY6sQg3oI6abMrH3VX3caugyJxG0aFIUoCuXqmhhJf4smBySdecgB4fiGJBHhsvnUbhXXHwPkkMym3l00XALj-H872LAs/s1600/caravaggio_casino_ludovisi_giove_nettuno_plutone.jpg" height="288" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, Giove, Nettuno e Plutone, 1597, olio
su soffitto intonacato, Villa Ludovisi, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">POST CORRELATI: </span><br />
<br />
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_24.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: AFRODITE / VENERE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_27.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ATENA / MINERVA </a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ARES / MARTE</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_11.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: EROS / CUPIDO - AMORE</a></span></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2015/01/gli-dei-delle-civilta-classiche-nella_18.html">Gli dei delle civiltà classiche nella storia dell'arte: ERA / GIUNONE </a></li>
</ul>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-12811861123884906162014-12-20T16:40:00.000-08:002014-12-27T16:15:44.539-08:00Emil Nolde: la violenza del colore; l'individualità del tocco<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5hS_WrsA49OKZlBLSpwraNwtL4MNEB3OfB9qaxyrn47vNPvxp3K156p0iieaioLOaxZyvrOcZplvCUHx96IVc5mXi9hk6lIpP3oZtyEJClUZSIiXNsOoIyWhb1Wiovx_jOAT9k4VdS0o/s1600/_Emil_Nolde.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5hS_WrsA49OKZlBLSpwraNwtL4MNEB3OfB9qaxyrn47vNPvxp3K156p0iieaioLOaxZyvrOcZplvCUHx96IVc5mXi9hk6lIpP3oZtyEJClUZSIiXNsOoIyWhb1Wiovx_jOAT9k4VdS0o/s1600/_Emil_Nolde.jpg" height="320" width="214" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Emil Nolde; fotografato da <br />Minya Diez-Dührkoop,
ca. 1929</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Esattamente come i
grandi Leonardo da Vinci, Michelangelo Merisi detto il Caravaggio o Jacopo da
Bassano, anche uno dei maestri più influenti dell’Espressionismo tedesco, tal
<b>Emil Hansen</b>, è tutt’oggi riconosciuto al mondo per via del piccolo paesello che
gli diede i natali: <b>Nolde</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il pittore, incisore e
litografo fu infatti da sempre molto
attaccato al suo territorio d’origine, un borgo tedesco al confine con la Danimarca, che a seguito del
referendum del 1920, passò definitivamente sotto la giurisdizione danese. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nato nella calda
estate del 1867 da padre agricoltore, non seguì le orme del padre, dedicandosi
piuttosto all’arte dell’intaglio. A soli diciassette anni infatti si trasferì
sino a Flensburg, dove ricoprì il ruolo di apprendista presso un mobilificio,
nel mentre che frequentava la scuola d’intaglio della città. Emil già in
quest’occasione si dimostrò essere un ragazzo instancabile e coscienzioso:
nonostante i due impegni che gli toglievano gran parte del tempo, riuscì a
trovare il modo di frequentare anche corsi serali di perfezionamento e non appena preso il diploma nel 1888, cambiò
drasticamente vita, trasferendosi prima a Monaco, poi a Karlsruhe, dove lavorò
nei corrispettivi mobilifici della città fino al 1891.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabMgdSxKaXnlhu7S4OTfbdWgtE5I8SdmAzv5KCYYHO9k0j4QXsF-xOwqGkMO3qiPkj0JDoRF5AcM21wvKGLVW1pf4e1jWwGAKNXgqomb7dUd8mp6H4bdirLHIYVmcRgFXJvjgngTSZyM/s1600/Mill+by+the+water+nolde,+litografia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabMgdSxKaXnlhu7S4OTfbdWgtE5I8SdmAzv5KCYYHO9k0j4QXsF-xOwqGkMO3qiPkj0JDoRF5AcM21wvKGLVW1pf4e1jWwGAKNXgqomb7dUd8mp6H4bdirLHIYVmcRgFXJvjgngTSZyM/s1600/Mill+by+the+water+nolde,+litografia.jpg" height="246" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">E. Nolde, Mill by the water, 1926, l</span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">itografia, collez. privata</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti un anno dopo,
per Emil Hansen avvenne la svolta: chiamato ad insegnare disegno ornamentale
presso il Museo dell’Industria e dell’Artigianato di San Gallo, iniziò ad
approcciare in modo sempre più sistematico alla sfera dell’arte, dando il via a
quella che sarà la sua intensa produzione artistica.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una produzione che
toccherà varie fasi prima di stabilizzarsi in un percorso unico come quello
dell’artista tedesco: viaggiando nei primi anni del Novecento tra Parigi,
Monaco, Copenaghen e in Italia, <b>Emil Nolde</b> (dal 1902 si farà chiamare così), ebbe modo
infatti di subire l’influenza ed il fascino dei più grandi pittori vissuti nei
secoli antecedenti al suo così come ancora a lui coevi: tra tutti Gauguin,
Rembrandt, Daumier, Munch. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un assimilazione
talmente profonda, che non di rado lo spinse a personalizzare alcuni soggetti
già ripresi dai grandi del passato: come non riconoscere un’associazione
figurativa tra il <b><i>Mulino sull’acqua</i></b>, che Nolde dipinse nel 1926, ed il <b><i>Mulino a
vento</i></b>, opera del 1645 – 48 di <b><i>Rembrandt</i></b>, o tra la scarnita <b><i>Madonna</i></b> dai contorni
carichi di <b>Munch</b> e la <b><i>Madonna</i></b> che Nolde disegnò per la rivista Das Kunstblatt
nel 1917?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV3ScFnOoE8ikBMTVJCRM6M33IZUS9DE2mEs12EtldUn7hjHX-dq0CpuViFIlS8m3tM7Swn2MyqfA86Hnmn2lmqCo3gTpWpiWqeVG7LkgV3eh1BSCBtXEgVYz6FCjZ1eAyChoHRoHi0H0/s1600/mill+by+the+water,+nolde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjV3ScFnOoE8ikBMTVJCRM6M33IZUS9DE2mEs12EtldUn7hjHX-dq0CpuViFIlS8m3tM7Swn2MyqfA86Hnmn2lmqCo3gTpWpiWqeVG7LkgV3eh1BSCBtXEgVYz6FCjZ1eAyChoHRoHi0H0/s1600/mill+by+the+water,+nolde.jpg" height="157" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Mill by the water, 1926, <br />Litografia,
MoMA, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNeLbS3ya7miNMpcSeYFmtjry2vvsthhPX8yHEs4pyqugLAju671aNZMD1L0XhMH2hNgpIBopGNhfhcbx6VpnBFzNl7VSF9DR7z0eOjGyzIYTjPtyY_nrt6RLpRkRZl84uBXRacPeSCx4/s1600/Mulino+Rembrandt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNeLbS3ya7miNMpcSeYFmtjry2vvsthhPX8yHEs4pyqugLAju671aNZMD1L0XhMH2hNgpIBopGNhfhcbx6VpnBFzNl7VSF9DR7z0eOjGyzIYTjPtyY_nrt6RLpRkRZl84uBXRacPeSCx4/s1600/Mulino+Rembrandt.jpg" height="167" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span lang="EN-US" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US;">Rembrandt, Mulino, 1645, </span><span style="font-size: 10pt; line-height: 115%;">olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">National Gallery
of Art, Washington <o:p></o:p></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEyTgrG-9srnV1JpFdL0fmsmtyDO1SyTADb0qPUlPsytJ8ng4AgKeagCo1PNR_YX3Ta3hntKAkIktvjTc4keyzUmhotkAY8JwuxaaJ31atiHfeLgGTYCK1d-T02wvMZ0Egd2sv7TnGmLk/s1600/Madonna,+1917+-+Emil+Nolde+-+MoMA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEyTgrG-9srnV1JpFdL0fmsmtyDO1SyTADb0qPUlPsytJ8ng4AgKeagCo1PNR_YX3Ta3hntKAkIktvjTc4keyzUmhotkAY8JwuxaaJ31atiHfeLgGTYCK1d-T02wvMZ0Egd2sv7TnGmLk/s1600/Madonna,+1917+-+Emil+Nolde+-+MoMA.jpg" height="320" width="244" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Madonna,
1917, Stampa su </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">carta per la rivista Das Kunstblatt, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">MoMA, New York </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF1jFt8OQlJqlwTmx8IxMoKw12UXjlbH5d9ds4i_YsF_iJF53c2Ndo6fg25fmLdVQRLg-e5pASmKqy1AIgmrLZnAFpXROBFLXKRUMpmxCn6OAfwtsqSbXb6GHRNIXM0lZZVDOfr-dbo0o/s1600/Madonna+Munch.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF1jFt8OQlJqlwTmx8IxMoKw12UXjlbH5d9ds4i_YsF_iJF53c2Ndo6fg25fmLdVQRLg-e5pASmKqy1AIgmrLZnAFpXROBFLXKRUMpmxCn6OAfwtsqSbXb6GHRNIXM0lZZVDOfr-dbo0o/s1600/Madonna+Munch.gif" height="320" width="242" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Munch, Madonna, 1895 – 1902, <br />litografia,
Museo Munchen, Oslo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi62AMC205E4fTNHODCAwWxtnkMpNrVULrByvD9P5AVG0M4hIvEWO3MVO9lSGEcQgpzojna0ZdUgpn1BOJQHkbBTJdr3ecr7zqkKKXPfjh1D9HuOzqVAQeKFNOOC6lBamUTYujjTz4XSCI/s1600/Emil-Nolde-Il+gigante+delle+montagne.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi62AMC205E4fTNHODCAwWxtnkMpNrVULrByvD9P5AVG0M4hIvEWO3MVO9lSGEcQgpzojna0ZdUgpn1BOJQHkbBTJdr3ecr7zqkKKXPfjh1D9HuOzqVAQeKFNOOC6lBamUTYujjTz4XSCI/s1600/Emil-Nolde-Il+gigante+delle+montagne.JPG" height="229" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span lang="EN-US" style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="color: white;">E. Nolde, Mountain Giant, 1896, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span lang="EN-US" style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Nolde-Stiftung Seebull, Seebull</span></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Al 1896 è ad ogni modo
riconducibile la sua prima opera pittorica di spessore: <b><i>Il gigante delle
montagne</i></b>, dipinta per essere presentata all’Esposizione annuale di Monaco. Già
nella tela, oggi esposta nella Fondazione intitolata al pittore e a sua moglie,
sono ravvisabili i barlumi del suo modus operandi: colori accesi, fisiognomica
dei soggetti resa in modo caricaturale e grottesco, latente senso di angoscia e
disagio.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Caratteristiche della
sua pittura, che accantonerà per qualche anno, per potersi dedicare agli
esperimenti sicuramente più equilibrati dell’impressionismo: dal 1901 al 1906
infatti, le sue tele saranno caratterizzate inizialmente da un’impronta tecnica
più misurata e cromaticamente armoniosa, che di anno in anno però si andava sempre
più a rigettare nei preludi dell’espressionismo: pennellate più vigorose e
incisive e colori più accesi con una forte predominanza del rosso. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR9OXJozGpzarJM6ZWb0IXTFpqUsFfEzUJry6iRSSvQB37kGU81Rwh_jYKgEPNiyzsiQ0WZNLROskHTrC8iRYHO1HXheZx_0gVxAS4EejBk9wIW3i_vDr1yvtNU5NHWstRo3k1s7lFSNA/s1600/Summer-Afternoon-1903-by-Emil-Nolde.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgR9OXJozGpzarJM6ZWb0IXTFpqUsFfEzUJry6iRSSvQB37kGU81Rwh_jYKgEPNiyzsiQ0WZNLROskHTrC8iRYHO1HXheZx_0gVxAS4EejBk9wIW3i_vDr1yvtNU5NHWstRo3k1s7lFSNA/s1600/Summer-Afternoon-1903-by-Emil-Nolde.jpg" height="266" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="color: white;">E. Nolde, Pomeriggio estivo, 1903, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid</span></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Mettendo a confronto
il <b><i>Pomeriggio estivo</i></b> del 1903 con la<b><i> Donna che legge</i></b> del 1906, è ben
ravvisabile tutto questo: il primo riprende una donna di spalle immersa nel
verde della natura, in un gioco postimpressionista di colori, forme e
composizione; il secondo si ravviva nei colori, il rosso dei fiori squarcia
l’armonia dei verdi e dei gialli del panorama ed la materia del colore rimane
molto più impressa sul supporto.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La modella pare
comunque essere sempre la stessa, probabilmente però non si tratterebbe di sua
moglie <b>Ada Vilstrup</b>, sposata nel 1903, ma di una modella, tal <b>Alice</b>: la
corporatura, la fisiognomica, l’acconciatura ed il colore di capelli ben
riconducono infatti alla donna protagonista dell’incisione custodita al MoMA,
il cuoi soggetto viene ripreso in più occasioni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSBr7HTYQdsxGXGD-ns3BUE6QAN8GeCUbY9-HbX00NfgkPVCeXo-zugEbnoibzwW4ofOFy1Fz_t_bd1zwB84pPVPUNMuba-csXBZvFqhCXy-K04A79mI4Fw49_9QBiRqLq-vEOqALihBY/s1600/Lesende-Dame-1906-by-Emil-Nolde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSBr7HTYQdsxGXGD-ns3BUE6QAN8GeCUbY9-HbX00NfgkPVCeXo-zugEbnoibzwW4ofOFy1Fz_t_bd1zwB84pPVPUNMuba-csXBZvFqhCXy-K04A79mI4Fw49_9QBiRqLq-vEOqALihBY/s1600/Lesende-Dame-1906-by-Emil-Nolde.jpg" height="320" width="259" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Donna che legge, 1906, olio su tela,
<br />Schlewig Holstein Museums</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidb0Dnr3nYSVfsrTyt-TQMems6fXhJl1EzCV_qfhcpy41UWN14_WpRl1G58tc-MXcj7Kr3RyRBA3a0Jq1ttrK26CMrFWg6DUYB_IMqFLkDW_RODvbL0t8Lkeh_kv_IIiYD240mw-8_NyY/s1600/Alice+1907+litografia+nolde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidb0Dnr3nYSVfsrTyt-TQMems6fXhJl1EzCV_qfhcpy41UWN14_WpRl1G58tc-MXcj7Kr3RyRBA3a0Jq1ttrK26CMrFWg6DUYB_IMqFLkDW_RODvbL0t8Lkeh_kv_IIiYD240mw-8_NyY/s1600/Alice+1907+litografia+nolde.jpg" height="320" width="220" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Alice, 1907,
litografia, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">MoMA, New York </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2O6Qj0sX9G-Vk-tBK0v9M7u1QixLfmVyjxHTDRDrYP0vSIqTazZqxK5O-WnfqynFTLIdYDY4GcK5VZgdO_xycjDTfJFqdJ_LDi0r24nISttEafdY_lARC5qrH1T6-afPjvOUCwPZ8JhI/s1600/Girl,+Nolde.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2O6Qj0sX9G-Vk-tBK0v9M7u1QixLfmVyjxHTDRDrYP0vSIqTazZqxK5O-WnfqynFTLIdYDY4GcK5VZgdO_xycjDTfJFqdJ_LDi0r24nISttEafdY_lARC5qrH1T6-afPjvOUCwPZ8JhI/s1600/Girl,+Nolde.jpg" height="320" width="217" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Girl
(Alice), 1906, litografia,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> MoMA, New York</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’allontanamento
radicale dall’Impressionismo per aderire alla corrente sempre più preponderante
dell’Espressionismo, si manifestò pienamente nel 1906, quando in seguito alla
conoscenza del pittore Karl Schmidt Rottluff avvenuta durante una sua personale
a Dresda, decise di aderire al Die Brucke, la corrente avanguardistica che
tende attraverso gli elementi tipici della maniera espressionista (colore,
tecnica pittorica, composizione, soggetto), a raccontare il malessere della
società coeva ai suoi esponenti, in una visuale tendente allo stereotipato,
all’esagerazione, alla denuncia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma Nolde non si
omologò alla politica della corrente così come fanno gli altri: cercò infatti di
mantenere un suo stile, una sua firma di riconoscimento, che si esplicò nella
resa di soggetti nel quale è evidente il rapporto dell’uomo con la natura,
panoramiche e distese che ricordano la terra al confine danese in cui è
cresciuto, una serenità squarciata dal colore forte e violento, ma mai
completamente invadente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b><i>Tramonto sul Wadden</i></b>
racconta a pieno questa realtà; un acquerello su carta giapponese creato
attraverso larghe e semplici campiture di quattro colori principali: verde, viola, arancio e giallo. Non servono
sfumature, non serve la pennellata precisa di rifinitura: l’immediatezza della
resa lo rende vero e realistico, uno scatto momentaneo di un tipico tramonto
dei paesi del nord. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVtIJ0pTHCBAWqx7LrW20sbfqmzRtv6hJcT1kuM-NlbtogLLLAXUnQhTxTWh1H63tzTrJaCsefAhx_yN1yiaDLKj7M-eAGqsCnqHj9w9lTzKzOXwTIkUBclesoqVOYCkERny8pg3KJUSs/s1600/nolde+tramonto+sul+wadden+1906.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVtIJ0pTHCBAWqx7LrW20sbfqmzRtv6hJcT1kuM-NlbtogLLLAXUnQhTxTWh1H63tzTrJaCsefAhx_yN1yiaDLKj7M-eAGqsCnqHj9w9lTzKzOXwTIkUBclesoqVOYCkERny8pg3KJUSs/s1600/nolde+tramonto+sul+wadden+1906.jpg" height="472" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Tramonto sul Wadden, 1906, acquerello
su carta, collezione privata</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiSNrYUXKEVIVJkB3PiXUi24EHQX4o5q9aYuzXLEOgGZRZGGyp15CvGknQoX0h5x_IlVSNwUhF_KFN82vdMga-F-T6yhPDHATWoN1jR2408ezZHg2wn8VPgTB9Hs_36hpJf1iWyQTDRlM/s1600/TRAMONTO+SUL+MARE+NOLDE+1911.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiSNrYUXKEVIVJkB3PiXUi24EHQX4o5q9aYuzXLEOgGZRZGGyp15CvGknQoX0h5x_IlVSNwUhF_KFN82vdMga-F-T6yhPDHATWoN1jR2408ezZHg2wn8VPgTB9Hs_36hpJf1iWyQTDRlM/s1600/TRAMONTO+SUL+MARE+NOLDE+1911.jpg" height="272" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Mare
d’autunno VII, 1910, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">olio su tela, </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">Nolde-Stiftung Seebull</span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’adesione al Die
Brucke durò solo un anno; Nolde fu un tipo che amò mettersi costantemente alla
prova, volle viaggiare, volle sperimentare e ricercare la strada più giusta
alla sua pittura, tanto che neanche l’adesione alla nuova corrente artistico
letteraria Der Blaue Reiter fu duratura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel 1909, a seguito di
una malattia che lo debilitò tanto da fargli rigettare sulle tele tutta la
drammaticità dell’evento, nonché contatti diretti con Van Gogh, dal quale
assimila la tecnica pittorica e compositiva, la sua pittura si rinnovò.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZB7S8k-Wg8cPFCpqLA9wwYmSckE5r_jpAdmDJnMaUwi9GWxj9qlLR30hG1HNMbIAEaMukZcotB0JJH2WNKMaxWTKzH2Z05xbtNdxe5EaibRgAeXjicBjmV7nw-kCzKI2E69d5URFLJEk/s1600/moonlit+night,+nolde.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZB7S8k-Wg8cPFCpqLA9wwYmSckE5r_jpAdmDJnMaUwi9GWxj9qlLR30hG1HNMbIAEaMukZcotB0JJH2WNKMaxWTKzH2Z05xbtNdxe5EaibRgAeXjicBjmV7nw-kCzKI2E69d5URFLJEk/s1600/moonlit+night,+nolde.jpg" height="246" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Moonlit
Night, 1913 – 1914, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio su tela, Albertina Museum, Vienna. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fu un periodo, quello
che seguì, in cui si alternarono dipinti, disegni ed incisioni a carattere sacro
e paesaggistico. I paesaggi di Nolde si fanno molto più intensi e ricercati; le
svirgolettate si riempiono di colore e si rivelano essere più materiche
similmente a quelle di Van Gogh, i colori caldi raccontano i tramonti
indimenticabili dell’isola danese di Alsen (dove si trasferì dal 1903 al 1916),
caratterizzati dal fuoco di sole che non vuole spegnersi; i colori freddi della
notte le consegnano un tocco di eleganza lontana dallo spazio e dal tempo: M<b><i>are d'autunno VII</i></b> e<b><i> Moonlit Night</i></b> ne sono l’esempio più significativo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz8vJfzuyv-a9_vzKkuWYD6oLRMiqO95d5_8f4UjgUbn6sCNgWjts1RfmaQjMFIRCxIz0_1nx0PGhHchxM6138UrJDwp03FxvFrIFxsp_NgKNpnNWmpKA2DwwtwRtfGL8lw2M6BnYKVxg/s1600/Emil+Nolde+-+Pentecoste+1909.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjz8vJfzuyv-a9_vzKkuWYD6oLRMiqO95d5_8f4UjgUbn6sCNgWjts1RfmaQjMFIRCxIz0_1nx0PGhHchxM6138UrJDwp03FxvFrIFxsp_NgKNpnNWmpKA2DwwtwRtfGL8lw2M6BnYKVxg/s1600/Emil+Nolde+-+Pentecoste+1909.jpg" height="258" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">E. Nolde, Pentecoste, 1909, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Nationalgalerie, Berlino</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dal punto di vista
della pittura a carattere sacro, Nolde nel triennio 1909 – 1912, raccontò nelle
sue tele diversi aneddoti riguardanti storie veterotestamentarie e
neotestamentarie, aderendo in un primo momento alla Nuova Secessione berlinese
alla Galleria Macht, in seguito al rifiuto da parte della giuria della
Secessione di Berlino della sua tela raffigurante la<b><i> Pentecoste</i></b>. La tela
raffigura un Cristo attorniato dai discepoli reso per grandi campiture di
colori per lo più freddi, accostati a quelli caldi del carnato. Esattamente
come per le altre sue opere a carattere sacro, non è lo spazio o la temporalità
a giocare il ruolo fondamentale, ma l’espressività dei soggetti, che rivelano
sentimenti ed emozioni in modo particolarmente intenso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk7JS5nCXHXsSaJfKuHI0pkPCM8raI7qUX2E6z5X9ov_M4M_zpeGmKIFKu47-ToEwMOc2fDiFdz4auAJmo9JVJ2ORznfrdvBkgHUR6ScXF5-hk1oVhyV2KPLxE85-K7u5nf4lkJADBKpI/s1600/Nolde_MOMA_Cristo+e+i+fanciulli.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk7JS5nCXHXsSaJfKuHI0pkPCM8raI7qUX2E6z5X9ov_M4M_zpeGmKIFKu47-ToEwMOc2fDiFdz4auAJmo9JVJ2ORznfrdvBkgHUR6ScXF5-hk1oVhyV2KPLxE85-K7u5nf4lkJADBKpI/s1600/Nolde_MOMA_Cristo+e+i+fanciulli.JPG" height="163" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Cristo e i fanciulli, 1910,<br /> olio su
tela, MoMA, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente questa
attenzione all’aspetto amorevole di Cristo è ancora più evidente nella tela
custodita al MoMA, del <b><i>Cristo ed i fanciulli</i></b>, in cui è riconoscibilissima la
pennellata di Nolde: è interessante notare la sorta di divisione che si viene a
creare nella tela, che accoglie sulla sinistra gli uomini perplessi ed
ammassati l’uno sull’altro nelle loro vesti violacee, al centro il Cristo di
spalle intento ad accogliere i pargoletti, nel suo manto bluastro dalle
striature verdi, e sulla sinistra il rosso ed il giallo vitale che caratterizza
i bambini, gioiosi e fiduciosi nell’affidarsi a Gesù. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’espressività nei
soggetti sacri raggiunge il culmine nella <b><i>Crocifissione</i></b>, custodita presso la
Fondazione Nolde di Seebull, che nei colori e nell’impostazione e nella cromia ricorda molto
il <b><i>Cristo giallo </i></b>di <b>Gauguin</b>, maestro da cui prenderà spunto anche per le sue
ricerche esotiche future. Nella tela infatti, si nota il contrasto emozionale
tra il gruppo dei soldati intenti a spartirsi le vesti giocandosele ai dadi e
le pie donne che piangono Cristo crocifisso; al centro svetta preponderante il
figlio di Dio che mostra sul volto tutta la sua sofferenza, simbolo di un
volere – quello di Nolde – incentrato a raccontare l’enorme sacrificio attuato
dal salvatore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5jaDioPxosRLBK-lJkJoKyE6-e5Ws1_A77GV5dRj_qfhRcCy1Wry_PS8PgFyCVDDTFOSWn9RimO39x9MGC_thUlRrUIFzi5aysTTVaZXROh2sFIlO8IMFdI1URKswrPJA3wXfBoRAIMk/s1600/crocifissione+nolde+1912.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5jaDioPxosRLBK-lJkJoKyE6-e5Ws1_A77GV5dRj_qfhRcCy1Wry_PS8PgFyCVDDTFOSWn9RimO39x9MGC_thUlRrUIFzi5aysTTVaZXROh2sFIlO8IMFdI1URKswrPJA3wXfBoRAIMk/s1600/crocifissione+nolde+1912.jpg" height="320" width="280" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Crocifissione, 1912, olio su tela,
<br />Nolde-Stiftung Seebull, Seebull</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghXmXc2unwL-PRbGfu4zxqoQKzR9QMSjpeDRqm2TBPuOywJ3dNJ9B7qZ5Qljc-0zinB85IBvheJSp6TyXIO9RGGP8oprhK7ttFpAYnam1C2L378_yuf7ro3gjpszX14XSzqTRhdjHSb_4/s1600/Gauguin_Il_Cristo_giallo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghXmXc2unwL-PRbGfu4zxqoQKzR9QMSjpeDRqm2TBPuOywJ3dNJ9B7qZ5Qljc-0zinB85IBvheJSp6TyXIO9RGGP8oprhK7ttFpAYnam1C2L378_yuf7ro3gjpszX14XSzqTRhdjHSb_4/s1600/Gauguin_Il_Cristo_giallo.jpg" height="320" width="254" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Gauguin, Il Cristo
giallo, 1889, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">Albright Knox Art Gallery, Buffalo</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioAmA3L5BVgaDGdmPIuswNtzcC-QH9_lpM2SPOU4WWuGl7OxCsUHJpupYOr7mDM5SNdZgMYZX7B-MHB1DMOiTGAby4M-3DsM7uv8VLCDU4p2EcsXqdiIWt8iqnqM8fNJEKdGJif-0Ht1k/s1600/Nolde,+Danza+attorno+al+vitello+d'oro.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioAmA3L5BVgaDGdmPIuswNtzcC-QH9_lpM2SPOU4WWuGl7OxCsUHJpupYOr7mDM5SNdZgMYZX7B-MHB1DMOiTGAby4M-3DsM7uv8VLCDU4p2EcsXqdiIWt8iqnqM8fNJEKdGJif-0Ht1k/s1600/Nolde,+Danza+attorno+al+vitello+d'oro.jpg" height="260" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Danza
attorno al vitello d'oro, 1910, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Staatsgalerie Moderner Kunst,
Monaco di Baviera</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche l’opera per cui
forse Emil Nolde è più conosciuto, è a carattere sacro. <b><i>La danza attorno al
vitello d’oro</i></b>, custodita allo Staatgalerie Moderner Kunst di Monaco, racconta
l’episodio veterotestamentario secondo cui Aronne, per colmare l’irrequietezza
dovuta all’assenza di Mosè, occupato con la rivelazione dei dieci comandamenti
da parte di Dio, costruì per il popolo ebraico un vitello d’oro da idolatrare.
Ovviamente il carattere sacrilego dell’evento è palese nell’opera del pittore
danese, che inserisce nella tela quattro donne intente a danzare mentre sullo
sfondo è visibile il vitello dorato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Donne che si lasciano
andare ad un impeto di irrefrenabilità volgare e sconsiderevole, trascinate
dall’ardore di dimostrare devozione ad una statua: la peccaminosità della cosa
è rivelata dalle nudità volgari delle quattro ballerine, dai modi bestiali di
lanciarsi in arditi movimenti, in un attaccamento ancora evidente al paganesimo
che si sarebbero dovute lasciare alle spalle, seguendo la via professata da
Mosè del monoteismo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXqQ4yXV-SThcfWPyHeFNzf3omlgK9lvbocm4BYgRXZEFBwmUbNrwjCvhwY_5xv7cKpLrZIAXA93eNnLhKCkmXY-VOPSnsuoaXBPZk5qId2_MbAYo2a0aUkW3F-gKOBfewR0Rs-n-BoK8/s1600/entrance-to-the-kasbah-1912+matisse.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXqQ4yXV-SThcfWPyHeFNzf3omlgK9lvbocm4BYgRXZEFBwmUbNrwjCvhwY_5xv7cKpLrZIAXA93eNnLhKCkmXY-VOPSnsuoaXBPZk5qId2_MbAYo2a0aUkW3F-gKOBfewR0Rs-n-BoK8/s1600/entrance-to-the-kasbah-1912+matisse.jpg" height="320" width="217" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">H. Matisse, Ingresso nella Casbah,<br /> 1912, olio su tela, Museo <br />dell' Ermitage, San Pietroburgo.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il tema della danza, è
successivamente ripreso più volte dal pittore, soprattutto durante i suoi
viaggi in giro per il mondo, dove ha modo di assistere a riti, costumi e tradizioni
di tribù e popolazioni aborigene. Infatti a partire dal 1913, il pittore in
seguito all’esigenza primordiale di scoprire nuove luci e nuovi mondi, partì
con sua moglie, quale membro di una spedizione tedesca nella Nuova Guinea. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il viaggio, l’esplorazione,
l’esotismo ed il decorativismo giapponese agli inizi del XX secolo sono stati
elementi essenziali per lo sviluppo della pittura contemporanea europea; più di
un artista in cerca di particolari stimoli si avventurava infatti nei meandri
più sperduti del mondo: Matisse qualche anno prima era stato in Marocco, dove
aveva riscoperto gli effetti della luce tropicale e l’eleganza delle arcate arabe;
Gauguin aveva viaggiato sino a Tahiti e in Polinesia dove aveva riscoperto un
primitivismo ed un etnismo che sarebbero poi attecchiti tra i pittori di
Montmartre e Montparnasse. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgODWzCKPp2oG6uTiTPsadH4-nq67Ocuv0U7IxSr9-_7W3T7IQ1IUgpyemyzjhGfDIOAPsmUf_MgEZag8BQhg4YEIZNU8EnixFXLUVpGsBCQ06J8-C6PEI63jbfQ2rBGMthPaccKN5v4Ec/s1600/da+dove+veniamo+chi+siamo+dove+andiamo+gauguin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgODWzCKPp2oG6uTiTPsadH4-nq67Ocuv0U7IxSr9-_7W3T7IQ1IUgpyemyzjhGfDIOAPsmUf_MgEZag8BQhg4YEIZNU8EnixFXLUVpGsBCQ06J8-C6PEI63jbfQ2rBGMthPaccKN5v4Ec/s1600/da+dove+veniamo+chi+siamo+dove+andiamo+gauguin.jpg" height="240" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b style="background-color: black;"><span style="color: white;">P. Gauguin, Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?. 1897, <br />olio su tela, Museum of Fine Arts, Boston</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E se <b>Picasso</b> si rifà
alla statuetta di arte negra regalatagli dall’amico/nemico Matisse per formulare
le sue teorie protocubiste ne’ <b><i>Les Demoiselles d’Avignon</i></b>, Nolde ha modo di
catturare ogni sfumatura riguardante le tribù aborigene studiandole dal vivo:
<b><i>The dancer</i></b>, del 1914 riconferma l’irruenza e la spettacolarità sfrenata e
disinibita già vista nella Danza attorno al vitello d’oro, ma a differenza del
dipinto sacro, qui la protagonista è libera dalla visione peccaminosa perché
aderisce semplicemente alla realizzazione di un rituale che le appartiene sin
dalle origini. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjZaIEz9Wuq1XvnsfwIlJYD8aZD8uzVX-jSuGFUHTwrvverI13oiVAWQELb7yXBfvAj9BrpJYhdmHCgYWG0-_WWsmRNTTJZn84YbhULAe36nqzZYNW0fv-Skl5iX2ClW7l7z_4O6mX1Gg/s1600/Les+demoiselles+d'Avignon.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjZaIEz9Wuq1XvnsfwIlJYD8aZD8uzVX-jSuGFUHTwrvverI13oiVAWQELb7yXBfvAj9BrpJYhdmHCgYWG0-_WWsmRNTTJZn84YbhULAe36nqzZYNW0fv-Skl5iX2ClW7l7z_4O6mX1Gg/s1600/Les+demoiselles+d'Avignon.jpg" height="200" width="191" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">P. Picasso, Les demoiselles<br />d'Avignon, 1907, olio su tela,<br />MoMA, New York.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzups0DziLxX740rx0EcJ26y6dQDNjrNpTyWK3_VenhhbC9D61smTjpt5fb8i-w72xSTo8Xe9ePvSQmbzP94qFLiOtChafPD8w0JAfJdXq4NeY9uhruk4XAyZ1QhfgnWwgrP2T-eeYLBY/s1600/emil+nolde+-+dancer+1913+moma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzups0DziLxX740rx0EcJ26y6dQDNjrNpTyWK3_VenhhbC9D61smTjpt5fb8i-w72xSTo8Xe9ePvSQmbzP94qFLiOtChafPD8w0JAfJdXq4NeY9uhruk4XAyZ1QhfgnWwgrP2T-eeYLBY/s1600/emil+nolde+-+dancer+1913+moma.jpg" height="247" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span lang="EN-US" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Nolde, The dancer, 1913, litografia, MoMA, New York</span></span> <o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSUFO_pZ235JidTfqVR6eR5378Xxxq1H_63IDp7gNSxcRgXnt8A0Q77lR3bWwDfTZSU4tPTpc-rRdjvVUKTXv0MjT0iUUIg1k39LcBkCkplmLxkQWVPvSBD3-wMlglm2O7pOiN-k053m8/s1600/sole+tropicale+1914.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSUFO_pZ235JidTfqVR6eR5378Xxxq1H_63IDp7gNSxcRgXnt8A0Q77lR3bWwDfTZSU4tPTpc-rRdjvVUKTXv0MjT0iUUIg1k39LcBkCkplmLxkQWVPvSBD3-wMlglm2O7pOiN-k053m8/s1600/sole+tropicale+1914.jpg" height="211" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span lang="EN-US" style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="color: white;">E. Nolde, Sole tropicale, 1913, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span lang="EN-US" style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Nolde-Stiftung Seebull, Seebull </span></span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Viaggiando quindi
prima in Cina, Manciuria, Siberia e Giappone, poi nella Nuova Guinea, Nolde
cattura le luci, i colori, i paesaggi e i personaggi che caratterizzano quelle
splendide terre: se però nella paesaggistica rimane legato alla classica resa
cromatica a tinte forti dell’Espressionismo - si veda <b><i>Sole tropicale</i></b>, dipinto nel 1914, gli
aspetti più innovativi del suo viaggio si riscontrano nell’adesione ad un
primitivismo e ad un esotismo studiati dal vivo nella raffigurazione dei
soggetti trattati e non più immaginati, scopiazzati ed ideati in studio, come
era accaduto in precedenza, si veda ad esempio la tela <b>Mask still life III </b>del
1911.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5db-aEJybLXpcXfLR7w4n0mSShvq3XOfs0L9qKP2EXyoT1IQeXa4qjOMMnv4rSMvT5uZ6JKZRU1-J0rIKCp9HJToTR2tpdzyM4sOX_d6L9V4BfGiCTpd2uQ2hMhc2b3NYNdUZV2xOP1Q/s1600/mask-still-life-III-1911.+Nolde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5db-aEJybLXpcXfLR7w4n0mSShvq3XOfs0L9qKP2EXyoT1IQeXa4qjOMMnv4rSMvT5uZ6JKZRU1-J0rIKCp9HJToTR2tpdzyM4sOX_d6L9V4BfGiCTpd2uQ2hMhc2b3NYNdUZV2xOP1Q/s1600/mask-still-life-III-1911.+Nolde.jpg" height="600" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span lang="EN-US" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Nolde, Mask still life III, 1911, olio su tela, The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0aHe3Q9dBAR9rO56oa096eGKd4I09Awvn7X7jkj8KGCRTew0MRG7OmJ7lMwrA-kKTCHjEQfhp_ly-apaa5Rbyzk1MdLk2f38LpNURmPWImgEb_fP3k8RfZX9V-9TZVnFh7jxsLYborUg/s1600/Figure-and-Mask-1911-by-Emil-Nolde.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0aHe3Q9dBAR9rO56oa096eGKd4I09Awvn7X7jkj8KGCRTew0MRG7OmJ7lMwrA-kKTCHjEQfhp_ly-apaa5Rbyzk1MdLk2f38LpNURmPWImgEb_fP3k8RfZX9V-9TZVnFh7jxsLYborUg/s1600/Figure-and-Mask-1911-by-Emil-Nolde.jpg" height="200" width="120" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Figure and <br />Mask, 1911, olio su <br />tela, Kunstmuseum
<br />Basel, Basilea</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In più occasioni
raffigura su tele e fogli gli aborigeni dei luoghi visitati, catturando le loro
espressioni di curiosità o dolcezza, o immortalandoli nella spensieratezza
della loro quotidianità, come nel dipinto del 1914 raffigurante i <b><i>Papuani</i></b>, in
altre relega ai soggetti tratti fisiognomici di forte impatto, al limite dell’orripilanza
e del grottesco, in una similitudine sempre più evidente con le maschere di cui
sono ideatori: in <b><i>Figure and Mask </i></b>sito a Basilea, per esempio, è molto serrata
la correlazione tra la maschera votiva gigantesca poggiata al suolo ed il magro
esponente della tribù: entrambi hanno gli occhi profondamente calcati ed un
sorriso esteso e angosciante, a testimonianza di una visione mistica ed onirica
che appartiene a quei popoli e che non può probabilmente essere compresa dall’uomo
europeo civilizzato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9gPwKsEs3x1J0AQJ_eTT3R60YTBWFrfQY0vdWP5cOT7DKYei_0qMyLmld8fx1gkh2WpwP_bgbUrDZdIEfkwL9C7vjqudGcWopJ5QTGGEXW0NxmT35SNb6RKLakURPhwDJiKgrCVfB2MU/s1600/papuan-youth-1914.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9gPwKsEs3x1J0AQJ_eTT3R60YTBWFrfQY0vdWP5cOT7DKYei_0qMyLmld8fx1gkh2WpwP_bgbUrDZdIEfkwL9C7vjqudGcWopJ5QTGGEXW0NxmT35SNb6RKLakURPhwDJiKgrCVfB2MU/s1600/papuan-youth-1914.jpg" height="422" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, Papuani, 1914, olio su tela,
Nolde-Stiftung Seebull, Seebull</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma come accadde per
molti artisti tedeschi nella prima metà del XX secolo, con l’avvento del regime
nazista, anche la sua carriera vide il declino, rapidissimo e scosceso dopo i
fasti che erano seguiti al suo rientro in Germania nello stesso 1914. Infatti,
se dal 1914 al 1926 Nolde era riuscito a farsi strada nel mondo dell’arte conseguendo
la laurea honoris causa concessagli dall’Università di Kiel e a Dresda trovò
terreno fertile riuscendo ad esporre centinaia di opere in una sua personale, la
politica nazista decretò la sua arte come Arte degenerata e lo umiliò
pubblicamente, favorendo la confisca delle sue opere dai musei nelle quali
erano allestite, per permetterne l’esposizione di alcune di queste, alla mostra
di Arte degenerata che si tenne a Monaco nel 1937.</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E oltre al danno, la
beffa. Nel 1941 arrivò per Emil Nolde il divieto tassativo di poter dipingere,
tant’è vero che per gli anni a seguire sino alla fine della guerra, lo stesso
continuerà a creare di nascosto acquerelli e disegni riproducenti soprattutto
giardini e paesaggi, definendoli “quadri non dipinti”, vivendo la sua vita
quotidiana assieme a sua moglie, in una fattoria acquistata nel 1926 a Seebull,
la stessa che attualmente ospita gran parte della corposa produzione artista
del pittore tedesco-danese, lasciata da questi in eredità al piccolo paese. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3bhBX2Q19YkHkdribgYkYIQTs9fbffE9J2CrhtW5bSLnfxM9BuPhIi4wvpYmVjEa_7ktT8p7tT00xuYo5PYv3vdYAkJZwN9w2r2k67L9QPLq3HxQ4ZPSKEnnDuQIEeaXwuNxQRawftIA/s1600/Grandi-papaveri-1942-olio-su-tela-nolde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3bhBX2Q19YkHkdribgYkYIQTs9fbffE9J2CrhtW5bSLnfxM9BuPhIi4wvpYmVjEa_7ktT8p7tT00xuYo5PYv3vdYAkJZwN9w2r2k67L9QPLq3HxQ4ZPSKEnnDuQIEeaXwuNxQRawftIA/s1600/Grandi-papaveri-1942-olio-su-tela-nolde.jpg" height="520" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">E. Nolde, Grandi
papaveri, 1942, olio su tela, Nolde-Stiftung Seebull, Seebull</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">POST CORRELATI:</span></span></div>
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/07/ernst-ludwig-kirchner-e-il-die-bruck.html">Ernst Ludwig Kirchner e il Die Brucke: l'idea di un ponte per un'umanità migliore</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/04/otto-dix-e-lorrore-della-guerra.html">Otto Dix e l'orrore della guerra</a></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/11/edvard-munch-lurlo-la-morte-il-dolore.html">Edvard Munch, l'urlo, la morte, il dolore</a></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-33251721761329759872014-12-01T08:22:00.003-08:002014-12-04T08:47:34.515-08:00Margaret Bourke - White: la fotografia vista con gli occhi di una donna<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La partenza dell’astronauta
Samantha Cristoforetti per lo spazio, ha destato in Italia un sentimento di
forte orgoglio nazionalpopolare, dettato dal fatto che la stessa è a tutti gli
effetti, la prima donna italiana ad aver lasciato il pianeta. Un’impresa
avvenuta durante la notte fra il 23 e il 24 novembre 2014 dal Cosmodromo di
Baikonur, a bordo della navetta russa Soyuz. La missione intitolata
"Futura" prevede infatti che la Cristoforetti rimanga in orbita per
ben sei mesi, in qualità di Flight
Engineer e membro dell'equipaggio della spedizione Iss 42/43.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Eppure ciò nonostante,
sui social network più seguiti è apparso in più riprese un sentimento
maschilista e di sdegno nei confronti dell’astronauta, offesa e denigrata per
il genere di appartenenza: <i>“Secondo me ammacca la navicella alla prima
retromarcia”</i>, <i>“Chissà che raccomandazione c’è voluta”</i>, <i>“Ma non è una donna, sembra
un uomo”</i>, <i>“Ammazza che cesso di donna”</i>, <i>“Ma guardate che anche lassù c’è bisogno
di qualcuno che lavi, stiri, prepari il pranzo e lavi poi pentole e piatti..
per gli uomini”</i>, sono stati solo alcuni dei numerosi commenti attestanti l’ignoranza
e il degrado di un paese che ancora non accetta la parità dei sessi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Di conseguenza, nella
mia ricerca personale sulle donne che hanno scritto la storia della scienza,
delle arti o dello spettacolo nel corso dei secoli, (a tal punto invito a
leggere le svirgolettate su <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/09/rosalba-carriera-ritrattista-arguta-e.html">Rosalba Carriera</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/09/sofonisba-anguissola-ritrattista.html">Sofonisba Anguissola</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/09/la-storia-di-beatrice-cenci-la-donna.html">ArtemisiaGentileschi</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/11/la-famiglia-speciale-di-berthe-morisot.html">Berthe Morisot</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/09/vanessa-bell-la-sorella-pittrice-di.html">Vanessa Bell</a>, <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/05/franca-rame-e-mariangela-melato-litalia.html">Franca Rame e Mariangela Melato</a> e
<a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/07/marina-abramovic-e-la-performance.html">Marina Abramovic</a> solo per citarne alcune), sono rimasto sconvolgentemente ammaliato
da una fotografia testimoniante l’attività di una grandissima fotografa del XX
secolo, <b>Margaret Bourke – White</b>, raffigurata nell’intento di immortalare il
panorama aereo di New York dall’alto di una delle caratteristiche aquile in
ferro che ornano gli angoli del Chrysler Building.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis2wq2ec9CsdI-7bWaVNIsh2qwx-WUfvPnl_Rmhalvj0BVGbgVyyIrY9P8SdF7uy80Fbz897iCGYykDCnbS6Ip81sHqN6AWLXW4jIYc6ZMyktUe_YXuPfrnnm1SxTccsahMEFb2_E2oT0/s1600/margaret-bourke-white-05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis2wq2ec9CsdI-7bWaVNIsh2qwx-WUfvPnl_Rmhalvj0BVGbgVyyIrY9P8SdF7uy80Fbz897iCGYykDCnbS6Ip81sHqN6AWLXW4jIYc6ZMyktUe_YXuPfrnnm1SxTccsahMEFb2_E2oT0/s1600/margaret-bourke-white-05.jpg" height="530" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-size: 9pt; line-height: 115%;">Margaret Bourke-White
ritratta su una delle aquile ornamentali del Chrysler Building a New York, 1931</span></span><span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Certo definire il
lavoro immenso attuato dalla fotografa americana in un articolo di blog non è
una cosa possibile, però potrebbe comunque risultare significativo ripercorrere
le tappe che hanno delineato la sua personalità artistica e professionale,
attraverso i suoi scatti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Margaret Bourke –
White non nasce fotografa, anzi. Originaria di uno dei quartieri più
dimenticati di New York, nata il 14 giugno 1904, nel pieno dello sviluppo
urbanistico multiculturale della Big Apple, fu avviata agli studi di biologia,
probabilmente aiutata nella scelta, da suo padre Joseph, naturalista ed
inventore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7uMTAxsWaIY3qMc-oZM2k13VubtFgpTGVT-_kMxTUE6ZXHGuIbuaQ8jiJr1z-p32-yKhpqN0tdE5HEusOlQ8GEpq6aNiM3HtuSLKDvNKhBnqhmuNcdd5JsKTypw-KpCk5pG648hVdXg/s1600/Otis+Steel+Mill,+Ohio,+1929.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs7uMTAxsWaIY3qMc-oZM2k13VubtFgpTGVT-_kMxTUE6ZXHGuIbuaQ8jiJr1z-p32-yKhpqN0tdE5HEusOlQ8GEpq6aNiM3HtuSLKDvNKhBnqhmuNcdd5JsKTypw-KpCk5pG648hVdXg/s1600/Otis+Steel+Mill,+Ohio,+1929.jpg" height="400" width="295" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">M. Bourke – White, Otis Steel Mill Pattern, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Cleveland, 1928, fotografia</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Fu durante il college
che nacque la passione per la fotografia, derivante dall’aver seguito un corso
specifico. Una passione che la portò a definire la professione che l’accompagnò
per il resto della sua vita, quella dell’inviata fotografa per riviste di
tiratura mondiale come LIFE. Fu infatti <b>Henry Luce</b>, caporedattore del Time a
volerla con sé per la nuova rivista <b>Fortune</b>, dopo aver visionato alcuni dei
suoi scatti riguardanti il mondo dell’industria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un tema, quello della
fotografia industriale, che in un’America devastata dalla Depressione e dal consequenziale
New Deal Rooseveltiano, si rivelò essere oro nelle mani della giovane e bella
fotografa. Si veda la tecnica compositiva dello scatto del 1928, riguardante l’<b><i>Otis
Steel Mill, fabbrica di Cleveland</i></b>, in Ohio. Oltre che a rivelarsi un
importantissimo documento visivo degli interni della fabbrica, la composizione
è resa attraverso un contrastante gioco di chiari e di scuri, che evidenziano
le sagome di ganci, carrucole ed elevatori sospesi a mezz’aria in un’immenso
spazio indefinito che si apre nella parte inferiore a binari e conche.
Interessante è notare l’equilibro dato dalle linee parallele che scandiscono l’elevatore,
il gancio ed il contenitore in primo piano, che vanno a creare un gioco
geometrico di linee continue, spezzate dall’obliquità del secchio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHCsaPzgI5cijFzjb37fawmrRBeyCj314dFid4BQLrx34JdWdndW7MiyekLhsu2O4I73GiQ5talSWlfB1ziHcNjWTy_Uxba-9IBA6OT5XP8IW3pMjSOPawqz6nuXLUJ5Po7FMYUTWn24I/s1600/Margaret+Bourke-White,+27,+stands+on+the+scaffolding+enclosing+the+under-construction+Chrysler+Building+in+New+York,+1931..jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHCsaPzgI5cijFzjb37fawmrRBeyCj314dFid4BQLrx34JdWdndW7MiyekLhsu2O4I73GiQ5talSWlfB1ziHcNjWTy_Uxba-9IBA6OT5XP8IW3pMjSOPawqz6nuXLUJ5Po7FMYUTWn24I/s1600/Margaret+Bourke-White,+27,+stands+on+the+scaffolding+enclosing+the+under-construction+Chrysler+Building+in+New+York,+1931..jpg" height="400" width="275" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Margaret Bourke-White ritratta sull’impalcatura <br />del Chrysler Building a
New York, 1931, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A pochi anni più
tardi, appartengono anche le succitate foto che ritraggono la signora della
fotografia sul Chrysler, a dimostrazione della temerarietà appartenente alla
passione quando questa si rivela valida. Proprio dalle fotografie che
documentano la fotografa all’opera, si evince infatti la dedizione di Margaret
Bourke – White, che non si abbandona alle paure pur di portare a termine il suo
compito: sull’aquila ornamentale del palazzo, piuttosto che su un’impalcatura
sospesa a mezz’aria, il suo compito era per lei di vitale importanza, talmente
vitale da mettere in gioco la sua stessa vita.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E finalmente nel 1936
arriva la svolta della Bourke – White: dopo aver collaborato con la rivista
Fortune per diversi anni, le viene affidata la copertina del primo numero dell’esordiente
<b>LIFE</b>, periodico di tiratura nazionale che avrebbe goduto di fama internazionale
per i decenni a seguire. La copertina in questione era una fotografia che illustrava
la <b><i>diga finita di Fort Peck, in Montana</i></b>, costruzione appartenente al programma
nazionale del New Deal fortemente voluto dal presidente Franklin Delano
Roosevelt, simbolo di un’America che finalmente si stava riprendendo dalla
crisi del ’29. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEMYeV-u2K5WHeifuKjJD7E4V6S2Yuz1SHMENWNznv1JNhc4pJTiacEPBua7in0Hva_DndaJ-SeFBpmPOdp4RkoChdeCmFJBV6Fa51oRzQ8mJNO5L7BfKP9AqBAgU4kPv54H9QNFQ_TuE/s1600/primo+numero+di+life_1936.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEMYeV-u2K5WHeifuKjJD7E4V6S2Yuz1SHMENWNznv1JNhc4pJTiacEPBua7in0Hva_DndaJ-SeFBpmPOdp4RkoChdeCmFJBV6Fa51oRzQ8mJNO5L7BfKP9AqBAgU4kPv54H9QNFQ_TuE/s1600/primo+numero+di+life_1936.jpg" height="320" width="236" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Copertina del primo numero
della<br /> rivista LIFE, 23 novembre 1936</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYmljgfxgRn_RS5Qdmx4bOGIayc1IGrHfvjIyFF2tmwewg3uLfMYRC9_NRcbNvGIUSnXCU9vvAfT-Rzd07to-BeQWVRI_ZmQDxOJjD6vdNVn5CrP1eVgStwX0UW6PhKbqb4KgKSjh_bGY/s1600/Fort+Peck+Dam,+1936.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYmljgfxgRn_RS5Qdmx4bOGIayc1IGrHfvjIyFF2tmwewg3uLfMYRC9_NRcbNvGIUSnXCU9vvAfT-Rzd07to-BeQWVRI_ZmQDxOJjD6vdNVn5CrP1eVgStwX0UW6PhKbqb4KgKSjh_bGY/s1600/Fort+Peck+Dam,+1936.jpg" height="243" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – Diga di Fort
Peck in Montana, 1936, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtOVhaUCY9rgrEO74vkYN2gIDe8yRD0oQrprGYmUFF4lhWc8jlObKBotFpowouxFPtHajJFmFcPvTgrb0gd7jifnGrCyVTp-JVDtQtDKvwqtbi4ceVPhbBFWxFoOCHxRTyH7wbVpbe-34/s1600/Scene+at+a+dam-workers'%2BMontana%2Bbar%2Bfrom%2BLIFE's%2Bfirst%2Bissue%2C%2B1936.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtOVhaUCY9rgrEO74vkYN2gIDe8yRD0oQrprGYmUFF4lhWc8jlObKBotFpowouxFPtHajJFmFcPvTgrb0gd7jifnGrCyVTp-JVDtQtDKvwqtbi4ceVPhbBFWxFoOCHxRTyH7wbVpbe-34/s1600/Scene+at+a+dam-workers'%2BMontana%2Bbar%2Bfrom%2BLIFE's%2Bfirst%2Bissue%2C%2B1936.jpg" height="239" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 12px; line-height: 13.8000001907349px;">M. Bourke – White, Lavoratori della Diga di Fort Peck </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 12px; line-height: 13.8000001907349px;">in un bar, 1936, fotografia</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una crisi che se sulla
carta politica pareva essere alla fine dei suoi giorni, su quella sociale
rivelava essere ancora una triste costante nel popolo, soprattutto quello degli
stati del sud Usa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel suo reportage <i><b>You
have seen their faces</b></i> del 1938, la fotografa infatti, assieme al marito <b>Erskine
Caldwell</b>, testimoniò il dolore e la devastazione che la crisi aveva lasciato
nel cuore dei cittadini, di tutte le razze, età e ceti sociali: l’idea di certo
non fu innovativa, dato che negli stessi anni anche altri fotografi affermati
come Walker Evans, Doris Ulmann o Arthur Rothstein documentarono con le loro
foto gli stati d’animo e gli aspetti sociali derivanti dall’evoluzione storica
della Crisi, ma i suoi scatti senza dubbio rivelavano un sentimento raro da
catturare.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJWIQseyq-gDSRAZz7cPyw0pkLJtLhLQhNpf3u8SSmmURMT6Ixz0ZX9e9qNHe81p_CPElIqEQmXAMba7wdxIMMrvXfFrOgM3JSnH9hEifoqSsQ3wqYdCKpCa9y1a-3M5Gu0efFgidVjFU/s1600/couple+of+yazoo+city,+mississippi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJWIQseyq-gDSRAZz7cPyw0pkLJtLhLQhNpf3u8SSmmURMT6Ixz0ZX9e9qNHe81p_CPElIqEQmXAMba7wdxIMMrvXfFrOgM3JSnH9hEifoqSsQ3wqYdCKpCa9y1a-3M5Gu0efFgidVjFU/s1600/couple+of+yazoo+city,+mississippi.jpg" height="264" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 12px; line-height: 13.8000001907349px;">M. Bourke – White, Couple of Yazoo – Mississippi, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 12px; line-height: 13.8000001907349px;">(You have seen their faces, serie) 1937, fotografia</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b><i>La donna residente a
Locket, in Georgia</i></b>, è un esempio di quanto detto: i suoi occhi rivelano tutta
la rassegnazione e la disperazione per quanto perso durante la Crisi, cosa ben
testimoniata nelle didascalie che completavano le foto del reportage, solitamente
citazioni dei personaggi raffigurati.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E i sentimenti
predominanti sono appunto la desolazione, la tristezza, l’umiltà e la dignità,
che rimane ferma nonostante tutto. Ma senza dubbio anche le attenzioni della
fotografa alla fisiognomica ed alla psicologia, si rivelano nei suoi scatti,
come per esempio nella <b><i>coppia di Yazoo City</i></b>, che racconta nelle rughe solcate
dei volti e negli sguardi persi, le incomprensibilità che caratterizzavano gran
parte di una società ancora analfabeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV-vJDlOxcAeXH4kgsPJ-3rLVk7NijTBqm307kf9tSRNUvEFhzh1Mc2wrXbmJF2L897LDZ7-BVgfW6_uarjKIrtdkStp-sJHSFr4cEyFcylaXbDM-mXwWcryNGGxOLvr9m1_Ef_EgaNaI/s1600/resident+in+locket,,+georgia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV-vJDlOxcAeXH4kgsPJ-3rLVk7NijTBqm307kf9tSRNUvEFhzh1Mc2wrXbmJF2L897LDZ7-BVgfW6_uarjKIrtdkStp-sJHSFr4cEyFcylaXbDM-mXwWcryNGGxOLvr9m1_Ef_EgaNaI/s1600/resident+in+locket,,+georgia.jpg" height="640" width="500" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Resident
of Locket – Georgia, (You have seen their faces, serie), 1937, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjek01dUQCu0sEQ4axDO8yjPZxhB4vn86mfBKeC_kY6icjwJzBOPE_9Ekfk69cnEBPJx2pGPLqBl7evc1QbV2XlS4Iq5T_RnXlO93ViB1GjuG3oJh9SBs2xmB8yLreaqjiR11gdepi6uU/s1600/attacco+dei+nazisti+a+mosca.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjek01dUQCu0sEQ4axDO8yjPZxhB4vn86mfBKeC_kY6icjwJzBOPE_9Ekfk69cnEBPJx2pGPLqBl7evc1QbV2XlS4Iq5T_RnXlO93ViB1GjuG3oJh9SBs2xmB8yLreaqjiR11gdepi6uU/s1600/attacco+dei+nazisti+a+mosca.jpg" height="153" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Attacco dell’esercito<br /> nazista a Mosca, 1941, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con l’arrivo della
Seconda Guerra Mondiale, la Bourke – White tornò a ricoprire per
il LIFE la figura di inviata: in qualità di fotoreporter la donna nei primi
anni ’40 seguì in prima persona gli svolgimenti più significativi della guerra
nel continente; nel 1941, quando Mosca fu invasa dai nazisti, la donna
documentò l’impresa inviando alla testata gli scatti drammatici della
guerriglia in atto, fotografati da macchine appostate sui tetti dell’ambasciata
americana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWgJJ-w8LojS-B_MYhhhUBZHYTBh9LSQEG1IdyMAtg6KGia0KcM3VfRTn-IsSaGcZmf02SMeThR63RViyR0N2qt_q9gnXVfpQb7KesCumAuzvLWKJbAYlusVPE_PdR6thWEm1ehJimAz4/s1600/Norimberga+dopo+i+bombardamenti+1945.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWgJJ-w8LojS-B_MYhhhUBZHYTBh9LSQEG1IdyMAtg6KGia0KcM3VfRTn-IsSaGcZmf02SMeThR63RViyR0N2qt_q9gnXVfpQb7KesCumAuzvLWKJbAYlusVPE_PdR6thWEm1ehJimAz4/s1600/Norimberga+dopo+i+bombardamenti+1945.jpg" height="243" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Norimberga a guerra finita, 1945, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E tornata in
madrepatria, determinata a voler raccontare agli americani le imprese eroiche dei
loro soldati, ottiene i permessi necessari – con l’intercessione dell’autorevole
testata giornalistica – di partire per il fronte orientale. </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Definita “Maggie l’indistruttibile”
dall’entourage del suo giornale, la fotografa seguì le truppe sul fronte
nordafricano prima e italiano dopo, raccontando non solo gli aspetti storici
della guerra, come gli assalti degli alleati al fronte italiano nel 1944, la
desolata Norimberga postbellica o l’abominevole scoperta del lager di Buchenwald dopo la sua liberazione, ma
anche quelli più intimistici.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2id4xDu7CyqGTb8qeGonzp_0cb7IEGUwrvk-DCwDLvzY5aCdf-uUwzbeAfrVd4HdDyfmnTvqju-6QKVXyGpJMGpk1O01eqgdowo__cyhSvQXOJwVHOuE43FcAonAuDUtmeefxsNhpDWM/s1600/An+Allied+artillery+barrage+at+night,+the+Italian+front,+1944.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2id4xDu7CyqGTb8qeGonzp_0cb7IEGUwrvk-DCwDLvzY5aCdf-uUwzbeAfrVd4HdDyfmnTvqju-6QKVXyGpJMGpk1O01eqgdowo__cyhSvQXOJwVHOuE43FcAonAuDUtmeefxsNhpDWM/s1600/An+Allied+artillery+barrage+at+night,+the+Italian+front,+1944.jpg" height="200" width="147" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Assalto<br /> delle truppe alleate sul fronte<br /> italiano, 1944, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMTGnbXR4QnpdBQtONGD-kTib6GTKpStOkTszKF7Ik3s5SY6QuI1ZdidmWk_bDA0jIDNvH339qny_uCSqmArh88YBSaZoQ7oMz1SK67sn4iHbc3joQFnYYu9kKGGjFDiLELg5LYzKeWs4/s1600/Buchenwald+concentration+camp+prisoners+stare+in+disbelief+at+their+Allied+liberators,+April+1945.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMTGnbXR4QnpdBQtONGD-kTib6GTKpStOkTszKF7Ik3s5SY6QuI1ZdidmWk_bDA0jIDNvH339qny_uCSqmArh88YBSaZoQ7oMz1SK67sn4iHbc3joQFnYYu9kKGGjFDiLELg5LYzKeWs4/s1600/Buchenwald+concentration+camp+prisoners+stare+in+disbelief+at+their+Allied+liberators,+April+1945.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Lager di Buchenwald, 1945, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyNvgzr2gIr_kJhyphenhyphenAPSiz4BsKHxr3UQdWtbkjrV7XiyPIsmJRR4_rygIbzx020tVvb0JUKLxqvSBWfOkrtZlswHia0QiSNFShthJPeC2Iw0kYB7vdrsjGSypWsBA4Xzv-C0itG7egn8lg/s1600/American+bomber+and+crew+during+World+War+II,+England,+1942.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyNvgzr2gIr_kJhyphenhyphenAPSiz4BsKHxr3UQdWtbkjrV7XiyPIsmJRR4_rygIbzx020tVvb0JUKLxqvSBWfOkrtZlswHia0QiSNFShthJPeC2Iw0kYB7vdrsjGSypWsBA4Xzv-C0itG7egn8lg/s1600/American+bomber+and+crew+during+World+War+II,+England,+1942.jpg" height="150" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Aviatori
intenti a<br /> disegnare sull’aeroplano, 1942, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Divertente e
patriottico è il reportage sugli aviatori cacciabombardieri, intenti a
disegnare vignette satiriche sulla lezione da impartire ai dittatori Mussolini
ed Hitler senza trascurare l’imperatore giapponese Hiroito; molto dolce è il
suo <b><i>autoritratto sull’aeroplano militare “Peggy”</i></b>, in cui in modo austero tiene
tra le mani il suo oggetto sacro, ferma in una posa professionale ma al tempo
stesso molto femminile, così come femminili erano le donne lavoratrici per la
patria, che documentò in alcuni scatti del 1943 nell’Indiana.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAjHZGSj3SDTFrokgUxTps2Ody80TpskIDTSSekRT05V5tszMBHDXmbYzk8ndjXf4QLGksyfyMvy0-_aGRWcV5urDdRg5fVm-iRoDbd06t_Dckwat_QaxKy1Yi2-WFJeqAIYWqmZRdpu4/s1600/american+bomber+and+crew+during+world+war+II.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAjHZGSj3SDTFrokgUxTps2Ody80TpskIDTSSekRT05V5tszMBHDXmbYzk8ndjXf4QLGksyfyMvy0-_aGRWcV5urDdRg5fVm-iRoDbd06t_Dckwat_QaxKy1Yi2-WFJeqAIYWqmZRdpu4/s1600/american+bomber+and+crew+during+world+war+II.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, vignetta satirica sull’aeroplano, 1942, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx9tI1jiWcQFquiXRnpoBaXV6rnAh_KltxmpOyLLZhSi6rwcMh8aihCfRofTvHc1TJhCMZjmhZpIVu__GBgUhXLZP7iLNzG6F3_CrFAKpIs5pcrPGPW2ehQ7VQgCy81hP1dDFL_2IiZBo/s1600/donne+lavoratrici+nella+camegie+Illinois+Steel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx9tI1jiWcQFquiXRnpoBaXV6rnAh_KltxmpOyLLZhSi6rwcMh8aihCfRofTvHc1TJhCMZjmhZpIVu__GBgUhXLZP7iLNzG6F3_CrFAKpIs5pcrPGPW2ehQ7VQgCy81hP1dDFL_2IiZBo/s1600/donne+lavoratrici+nella+camegie+Illinois+Steel.jpg" height="241" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Donne
intente a lavorare nella <br />Camegie Illinois Steel, Indiana, 1943, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%; text-align: justify;"> </span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd3MP1w6zS5CaNXRV7aQZN0oHJ5g44QOegAWuOGZfdVHzIJ-CXOyrZJR6nyGNEnC6ZhYRZdIhwfZRakYkIDd6T-rO4drtukfzAGCCgskzYOzxUrk2dA2zJ4XNLKZgmjvOcIAfpVf0sg_g/s1600/minatori+d'oro.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd3MP1w6zS5CaNXRV7aQZN0oHJ5g44QOegAWuOGZfdVHzIJ-CXOyrZJR6nyGNEnC6ZhYRZdIhwfZRakYkIDd6T-rO4drtukfzAGCCgskzYOzxUrk2dA2zJ4XNLKZgmjvOcIAfpVf0sg_g/s1600/minatori+d'oro.jpg" height="200" width="159" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke - White, Minatori
<br /> in Sud Africa, 1950, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I reportage
sensazionali consegnati alla LIFE durante tutta la Seconda Guerra Mondiale, le
consegnarono indiscutibile notorietà nel settore, tanto che nell’immediato
dopoguerra tornò a lavorare su diversi fronti: nel 1946 in Pakistan ed India,
fotografò il <b>Mahatma Ghandi</b> poco prima che questi venisse assassinato, immortalandolo
nella sua solitudine all’interno del suo studio; ancora nel 1950 in Sud Africa
fotografò le terribili condizioni dei minatori d’oro scendendo con loro nelle
miniere con il rischio di trovarsi implicata in crolli o complicazioni e nel
1952 documentò la Guerra di Corea, attraverso scatti crudi che rivelavano le
atrocità di quel conflitto estremo: di forte impatto è la fotografia che vede
la testa mozzata di un guerrigliero nordcoreano in primo piano, tenuta dalla
mano di un soldato non catturato nell’immagine. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmxOslQekUKTzcCnoJIpz2bcHjH-rR0wLueuO9Aw0MdhudZoebGjWfD-vE2rIth7HXlvPjnIBdpHZL2d1oZspwEur0Vtj8QpnGALNz4N4sOQ1VlZ4ngF97U-4wMX4dsmGKvmuu5TMviPc/s1600/Mahatma+ghandi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmxOslQekUKTzcCnoJIpz2bcHjH-rR0wLueuO9Aw0MdhudZoebGjWfD-vE2rIth7HXlvPjnIBdpHZL2d1oZspwEur0Vtj8QpnGALNz4N4sOQ1VlZ4ngF97U-4wMX4dsmGKvmuu5TMviPc/s1600/Mahatma+ghandi.jpg" height="291" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Mahatma
Ghandi nel suo studio, 1946, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsCJdvesKIOBZ4qTf_HgpLhS2keX1yr_4OjyPYVuhQZAPv2u-7AsQ4FbfVPC4pnXfDsMj1l3DeFz-ZH3jZFsta-GWFwqPII4IlduQKY11mKSsy2ggJmM-0vuJSnz87SyMo3aMKxXq3_EI/s1600/testa+di+guerrigliero+nordcoreano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsCJdvesKIOBZ4qTf_HgpLhS2keX1yr_4OjyPYVuhQZAPv2u-7AsQ4FbfVPC4pnXfDsMj1l3DeFz-ZH3jZFsta-GWFwqPII4IlduQKY11mKSsy2ggJmM-0vuJSnz87SyMo3aMKxXq3_EI/s1600/testa+di+guerrigliero+nordcoreano.jpg" height="276" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Testa di
guerrigliero nordcoreano, 1952, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG9WW719l-57nxrZ6c2gsHIA_VRdpLPaeneXmdy4zL9fW9c5olhKnlJ2kHOjRnerUuVGR3o2lTGSk6fwNjxI-o8TC8gQqPmdbMlrBAVGHZK-HaUsxDfWnGpxdZKotEVXUTRIhEj2-D1H4/s1600/Home+inspection+in+a+black+neighborhood,+Greenville,+South+Carolina,+1956.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG9WW719l-57nxrZ6c2gsHIA_VRdpLPaeneXmdy4zL9fW9c5olhKnlJ2kHOjRnerUuVGR3o2lTGSk6fwNjxI-o8TC8gQqPmdbMlrBAVGHZK-HaUsxDfWnGpxdZKotEVXUTRIhEj2-D1H4/s1600/Home+inspection+in+a+black+neighborhood,+Greenville,+South+Carolina,+1956.jpg" height="207" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White, Ispettore
controlla un<br />appartamento di neri a Greensville, 1956, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma solo un anno più
tardi, all’apice della sua carriera di fotoreporter, la sua vita cambiò
radicalmente, vedendosi diagnosticata il Morbo di Parkinson. La malattia la
limitò relativamente sul lavoro di fotografa, che comunque portò a termine sino
al 1957, concentrandosi su reportage di spessore, riguardanti l’assetto
sociale, come quello sulla <b><i>segregazione razziale in South Carolina</i></b>: gli scatti
documentano la compresenza di famiglie bianche felici e umiliate serve di
colore; o la sottomissione di famiglie di colore ai controlli dei bianchi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDlyYB_Q0gnFCX0APfo8ZR8zUx9Kh8_u7sMWCz4XUAvvaeoM5_4FGonRL0lYF0LkrdKngpNVfWPvDcUrzahfFQ39uXxQRwwbW57SKvAkNCuDAocWonyic_QwvoSQE7eHvnkeHCQUNAhAU/s1600/An+African-American+maid+prepares+a+white+family's%2Bsupper%2Bin%2BGreenville%2C%2BSC%2C%2B1956.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDlyYB_Q0gnFCX0APfo8ZR8zUx9Kh8_u7sMWCz4XUAvvaeoM5_4FGonRL0lYF0LkrdKngpNVfWPvDcUrzahfFQ39uXxQRwwbW57SKvAkNCuDAocWonyic_QwvoSQE7eHvnkeHCQUNAhAU/s1600/An+African-American+maid+prepares+a+white+family's%2Bsupper%2Bin%2BGreenville%2C%2BSC%2C%2B1956.jpg" height="215" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White,
Afroamericana prepara una zuppa <br />per una famiglia bianca di Greensville, 1956, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Al 1963 quindi si deve
la sua autobiografia <b><i>Il mio ritratto</i></b>, dal cui titolo di evince il ruolo
primario avuto dalla fotografia nel corso della sua vita, e si ritira nella sua
casa in Connecticut dove passerà gli ultimi anni della sua vita, sino al
1971, godendo di quella calma che quasi mai era appartenuta al suo vivere
frenetico, anticipatore dei tempi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCwBYhVXWVqgVjP7Uy-LKx5MSxZottpzApSOgrF1oDh8NyMOKL5cJHwg7k533c1B3a9xx_0AH2yUR_WJyKjFeVnj6MHSLWhE9HioUZV-M_FQ8eGOEgsSMMD9SjZV8UPDjjVeWtgiqovog/s1600/Photographer+Margaret+Bourke-White+with+the+U.S.+Bomber+Command+in+England,+1942..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCwBYhVXWVqgVjP7Uy-LKx5MSxZottpzApSOgrF1oDh8NyMOKL5cJHwg7k533c1B3a9xx_0AH2yUR_WJyKjFeVnj6MHSLWhE9HioUZV-M_FQ8eGOEgsSMMD9SjZV8UPDjjVeWtgiqovog/s1600/Photographer+Margaret+Bourke-White+with+the+U.S.+Bomber+Command+in+England,+1942..jpg" height="640" width="468" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: black; background-image: initial; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 9pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Bourke – White,
Autoritratto sull’aeroplano “Peggy”, 1942, fotografia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-27735123515236311872014-11-29T06:07:00.000-08:002014-12-04T08:48:14.504-08:00Le bagnanti di Pierre Auguste Renoir: la bellezza che nasce dalla sofferenza <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3eV_n9DVPWEk2VHcfMKXAW5jWfaUTq6retS-Q-JY7iqBsjMvLapmQTKevGN5ynsXzgIN3lWxed5iRXKF8SN1xVWouFCQHBKM4tPCDWuZDCvAVjZmRvlM4c0ddO64C6AW2Dzb6Zj_tM-4/s1600/21.-RENOIR-Bagnanti.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3eV_n9DVPWEk2VHcfMKXAW5jWfaUTq6retS-Q-JY7iqBsjMvLapmQTKevGN5ynsXzgIN3lWxed5iRXKF8SN1xVWouFCQHBKM4tPCDWuZDCvAVjZmRvlM4c0ddO64C6AW2Dzb6Zj_tM-4/s1600/21.-RENOIR-Bagnanti.jpg" height="438" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">P. A. Renoir, Le bagnanti, 1918 - 1919, olio su tela, Musèe d'Orsay, Parigi.</span> </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_fWn-CdnRy0j5pnBinZeLcZ7ZS2U96Vd9L8cMpzwGKou0xzy_NfP0kzQLB-U9LyRVpCZuULlF2oUYbnK2kZXO_dLWJGCC35f4w4CGvpKtoxLkbYaOhHsYtEkC0NCgxWTzzZjXfWLFatw/s1600/PIERRE+AUGUSTE+RENOIR+STUDIO.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_fWn-CdnRy0j5pnBinZeLcZ7ZS2U96Vd9L8cMpzwGKou0xzy_NfP0kzQLB-U9LyRVpCZuULlF2oUYbnK2kZXO_dLWJGCC35f4w4CGvpKtoxLkbYaOhHsYtEkC0NCgxWTzzZjXfWLFatw/s1600/PIERRE+AUGUSTE+RENOIR+STUDIO.jpg" height="320" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Pierre Auguste Renoir intento a dipingere<br />nel suo studio di Cagnes. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quando <b>Pierre Auguste Renoir</b> dipinse
questo olio su tela, era ormai allo strenuo delle sue forze: quasi ottantenne,
rimasto vedovo durante la guerra, viveva i suoi ultimi giorni trascinandosi
dalla sua dimora al suo studio con l'aiuto di una carrozzella e dei suoi familiari. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /><i>
"Si lasciava trasportare come fosse un cadavere"</i>, scrisse a tal
proposito <b>Henri Matisse </b>nel suo "Scritti e pensieri sull'arte", dopo
essere stato ricevuto dal sommo artista nella sua tenuta di Les Collettes, a
Cagnes, nella primavera del '19. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Acciaccato, scarno, in
più parti bendato e troppo paralizzato dall'artrite per riuscire a tenere un
pennello, Renoir visse i suoi ultimi anni solo per dipingere, cosa che faceva
ogni giorno attraverso un pennello legato ad una maniglia imbottita e incuneata
tra il pollice e l'indice destro.<br />
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>"Lo si poteva
sorreggere abbastanza facilmente con una sola mano"</i>, scriveva ancora
Matisse circa la sua debolezza,<i> "ma i suoi occhi rivelavano tutta la vita
ancora presente in corpo."</i><br />
Tant'è vero che, assistendo al suo lavoro, lo stesso pittore affermò di Renoir
che, vederlo approcciare alla pittura, vederlo rianimarsi nonostante il
lacerante dolore che si tramutava in qualche smorfia ed in qualche lamento, era
come guardare la morte che prendeva vita. </span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><b>"Il dolore è
passato, Matisse, ma la bellezza rimane" </b></i>fu quello che Pier Auguste Renoir
affermò candidamente a Matisse con un sorriso radioso per giustificargli la sua
ostinazione a dipingere nonostante la sofferenza provocatagli dalla cosa, e
ancora in quell'occasione gli confidò che intendeva vivere finché non avesse
finito il suo ultimo canto d'amore:<b><i> Le bagnanti</i></b>.<br />
E così fu: nel dicembre dello stesso anno, dopo aver terminato il dipinto, il
sommo pittore morì, portando con sé quanto ancora di più bello avrebbe potuto creare.<o:p></o:p></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-88214880243192378372014-11-24T08:07:00.000-08:002014-12-04T08:52:59.215-08:00Il gioco nella storia dell'arte <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il percorso che ha
come soggetto il gioco nel corso della storia dell’arte è da considerarsi un
vero e proprio iter di documenti visivi, attestanti i modi in cui per secoli l’uomo ha impiegato
gran parte del suo tempo libero. Attraverso affreschi e dipinti mobili in
massima parte infatti, è ben chiara sia l’evoluzione ludica, che quella legata
al modo di rappresentarne i suoi aspetti più variegati.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Già nelle civiltà
preclassiche abbiamo una corposa testimonianza di quelli che erano i giochi
adoperati da adulti e bambini, buona parte derivante da reperti archeologici e
raffigurazioni parietali dell’antico
Egitto: mentre i più piccoli si dilettavano nell’utilizzo di bambole e palle di
pezza, i più grandi si sfidavano e si allenavano su diversi giochi da tavola, tra
cui notevole importanza ricopriva la <b>senet</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu5SGByvICxmq2v29J0mKzETIkJ-SZwkADZpO-XZ072KceRiETt_XOEXylrxtHnVPBHXSfQP6tvee8S60P01plt1KtgaoOeod8jSat7GfbGehEKQT7M2NfMmDYTuN0kPygYaqTTQaLn0w/s1600/nefertari+gioca+alla+senet+-+luxor.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu5SGByvICxmq2v29J0mKzETIkJ-SZwkADZpO-XZ072KceRiETt_XOEXylrxtHnVPBHXSfQP6tvee8S60P01plt1KtgaoOeod8jSat7GfbGehEKQT7M2NfMmDYTuN0kPygYaqTTQaLn0w/s1600/nefertari+gioca+alla+senet+-+luxor.jpg" height="264" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Nefertari gioca alla senet, XIX dinastia, affresco, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Tomba di Nefertari, Valle delle Regine di Luxor</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il gioco della senet
era da considerarsi una sorta di dama a
due, che si giocava su di una scacchiera rettangolare di 30 caselle
quadrate disposte su tre file parallele. Un gioco molto importante per gli egizi,
perché legato alla sfida estrema contro il Destino, che avrebbe deciso le sorti
dell’anima di ognuno di loro: in una visione molto mistico - religiosa della cosa
infatti, a fine partita se l’anima defunta avesse avuto la meglio, il premio
per questa sarebbe stata la vita eterna. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una raffigurazione del
rito ci viene consegnata dall’<b><i>affresco rinvenuto nell’anticamera della Tomba di
Nefertari, nella Valle delle Regine a Luxor</i></b>, nel quale la regina è intenta a
giocare alla senet con l’invisibile Destino. Nella meravigliosa e luminosa pittura
parietale, la regina non appare affatto preoccupata dal gioco che ne segnerà le
sue sorti, anzi guarda con aria ieratica ed al tempo stesso di sfida il suo
avversario, sicura delle sue nobili doti e della fortuna che l’assisterà. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOy5zjh9KuL9RsWWT0VNNb4Ajb54IHebCcorQkJMerPE5HTwSoA0IuzfXY4PUGFYlgcEZwyE3mZVV7b4awhmgebxNp7BwxZ9lUB7JqQ4Ip-4UzPvk82VZAkFJ-BJEJn5NmCV8RJKCvVUE/s1600/achille+gioca+a+dama+con+aiace.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOy5zjh9KuL9RsWWT0VNNb4Ajb54IHebCcorQkJMerPE5HTwSoA0IuzfXY4PUGFYlgcEZwyE3mZVV7b4awhmgebxNp7BwxZ9lUB7JqQ4Ip-4UzPvk82VZAkFJ-BJEJn5NmCV8RJKCvVUE/s1600/achille+gioca+a+dama+con+aiace.jpg" height="320" width="243" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Vaso a figure nere con Achille e Aiace, <br />530 ca,
Museo Gregoriano Etrusco, <br />Città del Vaticano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il gioco da tavola si
è rivelato essere un passatempo molto amato anche dai greci, come testimoniato
da diversi vasi rinvenuti nella penisola. Sicuramente però l’opera d’arte
vascolare più interessante da prendere in considerazione per delineare l’importanza
che rivestiva il gioco nella patria dei giochi olimpici, è senza dubbio il <b><i>vaso a
figure nere con Achille e Aiace</i></b>. Seppur di manifattura etrusca infatti, i
soggetti del vaso sono i due eroi greci dell’Iliade, sorpresi in un momento di
tregua durante la guerra: Achille e Aiace sono qui raffigurati</span><span class="apple-converted-space"><span style="background: white; font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></span><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">nel bel mezzo del gioco, mentre leggono
i punti realizzati dai due, rispettivamente quattro e tre, come specificato
dalle iscrizioni presenti nello spazio tra le due sagome.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il gioco dei dadi,
diletto di Achille e Aiace nella raffigurazione vascolare, fu anche uno dei
preferiti dal popolo romano, che non di rado si raccoglieva in gruppi per
giocarci. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dall’<b>Osteria della Via
di Mercurio di Pompei </b>infatti, proviene un affresco molto caratteristico che
ripropone un’accesa <b><i>partita all’alea</i></b>, un gioco di dadi e tavola disegnata equivalente
al nostro attuale backgammon. Ovviamente, - così come nel caso della senit –
anche per l’alea sono stati rinvenuti diversi reperti archeologici riguardanti
dadi e tavole da gioco, ma questo affresco rimane un documento imprescindibile
a raccontare l’essenza dell’agonismo tra gli sfidanti, supportati alle loro
spalle da amici schierati e presi dalla frenesia di vincere. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMMwq4Xn8unq0YpiObyrRGoPUH_g-SVMhv7r0RmkNS1-N68-9iZOa1jrQT84zIFPRumWYABEg-MyamnPQ8bmSZrnoGiftGiLLlnhVx_2NdtpSEZw7K22zMFLo3I8Qjbk9hfa_wT2VXFT0/s1600/-Pompeii_-_Osteria_della_Via_di_Mercurio_-_GIOCO+DI+ALEA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMMwq4Xn8unq0YpiObyrRGoPUH_g-SVMhv7r0RmkNS1-N68-9iZOa1jrQT84zIFPRumWYABEg-MyamnPQ8bmSZrnoGiftGiLLlnhVx_2NdtpSEZw7K22zMFLo3I8Qjbk9hfa_wT2VXFT0/s1600/-Pompeii_-_Osteria_della_Via_di_Mercurio_-_GIOCO+DI+ALEA.jpg" height="506" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">Giocatori di
dadi, II sec. a.C., affresco, Osteria
della Via di Mercurio, Pompei</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrd5Cjl_zmJaBPIuN7F2h-22OLvHMctADbo408Or_H_kwvNzERsBRc-ESAjbHF243TuVFrPDkzMm_Oor2Ip3LKTeiAwv1_XeaSI0SVvm1cKBtrA86iEwLri4U30FMG69b9r4CANjzRS-I/s1600/BAMBOLA+IN+AVORIO+DI+-crepereia.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrd5Cjl_zmJaBPIuN7F2h-22OLvHMctADbo408Or_H_kwvNzERsBRc-ESAjbHF243TuVFrPDkzMm_Oor2Ip3LKTeiAwv1_XeaSI0SVvm1cKBtrA86iEwLri4U30FMG69b9r4CANjzRS-I/s1600/BAMBOLA+IN+AVORIO+DI+-crepereia.jpg" height="320" width="160" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Bambola di Crepereia <br />Tryphaen, II sec. d.C,
avorio, <br />Musei Capitolini, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per i più piccoli
invece, così come detto per le civiltà precedenti, andavano di gran moda palle
di stoffa e cuoio e bamboline. Solitamente queste erano di stoffa, legno o
terracotta, raramente snodabili per via di arti collegati tra loro da perni. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente una delle
bambole più anatomicamente precise e di qualità, è quella in avorio appartenuta
alla giovane <b><i>Crepereia Tryphaen</i></b>, rinvenuta nella tomba della ragazza più di un
secolo fa e conservata attualmente ai Capitolini. La <b><i>bambola</i></b>, gioco di infanzia
della ragazza vissuta nel II sec. d.C., ormai in età adulta e probabilmente già
sposata e madre al momento della morte, recava con sé un cofanetto contenente
gioielli, pettinini, spazzole e specchi in miniatura, la cui chiave era
custodita in un anello d’oro al dito di Crepereia, cosa che attesta come
solitamente le bambole fossero delle fedeli compagne per le fanciulle, atte a
seguirle nella crescita e a non abbandonarle mai.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente una volta
cresciute, le bambole non erano più però un gioco usuale per le loro padrone,
che sicuramente preferivano divertirsi in altro modo durante l’arco della
giornata: dalla <b>Villa del Casale</b> a Piazza Armerina, il pavimento musivo di una
delle sale risalente al III secolo d.C., rivela alcuni modi di divertirsi
tipico delle ragazze d’età imperiale. Tra tutte spiccano le <b><i>due fanciulle
intente a giocare a palla </i></b>comode nel loro bikini, l’indumento a due pezzi
utilizzato dalle donne durante le gare a carattere sportivo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUjjGPyWd1b5MW0udf-10lud41wwSByAGiaF4o-bkoa0OdJWZ5ViQwM_xnKE_s40s2m5AUFG5AioVuhHxP4DItJeTYTY7m0f8J1Ffuylzk5G62XJlv18Qp__DQ4S3CIH_EEZXKe6cDIgM/s1600/mosaico+dieci+ragazze+piazza+armerina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUjjGPyWd1b5MW0udf-10lud41wwSByAGiaF4o-bkoa0OdJWZ5ViQwM_xnKE_s40s2m5AUFG5AioVuhHxP4DItJeTYTY7m0f8J1Ffuylzk5G62XJlv18Qp__DQ4S3CIH_EEZXKe6cDIgM/s1600/mosaico+dieci+ragazze+piazza+armerina.jpg" height="480" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Mosaico delle dieci ragazze, III sec. d.C., Villa
del Casale, Piazza Armerina</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_fI8kdILerJIejN6awQAelbYGxz41ZJw-S47Bs0EtfWF4rbDrGGJaMLzDFg4r0GguayVkIkRhjSEvyasxjJjvvqB5OIziZvsGireV_gsOnQLTjSwmSWDLtFqGTaiSW8rmz-NBvRGMajA/s1600/il+gioco+della+pelota,+dall'opera%2Bpoetica%2BLas%2BCantigas%2Bde%2BSanta%2Bmaria%2Bdi%2BAlfonso%2Bx%2Bil%2BDotto%2C.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_fI8kdILerJIejN6awQAelbYGxz41ZJw-S47Bs0EtfWF4rbDrGGJaMLzDFg4r0GguayVkIkRhjSEvyasxjJjvvqB5OIziZvsGireV_gsOnQLTjSwmSWDLtFqGTaiSW8rmz-NBvRGMajA/s1600/il+gioco+della+pelota,+dall'opera%2Bpoetica%2BLas%2BCantigas%2Bde%2BSanta%2Bmaria%2Bdi%2BAlfonso%2Bx%2Bil%2BDotto%2C.jpg" height="190" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Il gioco della pelota, da Las
Cantigas <br />de Santa Maria di Alfonso X, <br />XIV sec., Escorial, San Lorenzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Senza dubbio più
imbragate<b><i> le donne che giocano alla pelota</i></b>, raffigurate nella miniatura dell’opera
poetica iberica <b><i>Las Cantigas de Santa Maria</i></b>, volute da Alfonso X e custodite
presso l’<b>Escorial di San Lorenzo</b>. Come le due fanciulle che giocano a palla
nella Villa del Casale di Piazza Armerina, anche le donne che giocano alla
pelota sono intente a divertirsi con la palla di pezza, lanciata in aria da una
loro compagna munita di una mazza: si potrebbe pensare che questo gioco fosse
praticamente un antenato del baseball, da come viene raffigurato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU_jd6FL0bjNrYhu6tpyFzuti7dc1S8y1Azm9lHMLdd8ZYpUuYtCB4-DNXwTVZnvVUN3O3JSv92VB8isSJZRTTog3Gspp-JaljeFeUFy9Imt0kIDens_psEz5rXi9Yqsv4W75ef4vX-Tw/s1600/Mosaico+pavimentale+(Piacenza%2C_Savino%2C%2Bsec_%2BXI.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU_jd6FL0bjNrYhu6tpyFzuti7dc1S8y1Azm9lHMLdd8ZYpUuYtCB4-DNXwTVZnvVUN3O3JSv92VB8isSJZRTTog3Gspp-JaljeFeUFy9Imt0kIDens_psEz5rXi9Yqsv4W75ef4vX-Tw/s1600/Mosaico+pavimentale+(Piacenza%2C_Savino%2C%2Bsec_%2BXI.jpg" height="198" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giocatore di scacchi, XI sec, mosaico,<br />Basilica
di San Savino, Piacenza</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella stessa opera del
XIV secolo, trova posto anche la raffigurazione del <b><i>gioco degli scacchi</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella miniatura, due
signori appaiono intenti a giocare con pezzi e scacchiera all’interno di un
palazzo; il primo è in procinto di muovere il Re, mentre il secondo attende
paziente il suo turno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Interessante è notare
nell’illustrazione, come la scacchiera sia raffigurata verticalmente nel suo
piano d’appoggio, un’imprecisione tipica del disegno medievale pre - prospettivo
e pre – volumetrico necessaria a rivelare ogni particolare presente nella scena,
come si evince per altro in altre testimonianze precedenti e coeve, una su
tutte il <b><i>Giocatore di scacchi</i></b> del mosaico pavimentale della <b>Basilica di San Savino
a Piacenza</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdqZndP_5iYeBcNkAa_sxV90g8wC0JQQCHL_3a-hA3NAWIQbTXSegYqg2_-SLWSkYCl9Ur9Q_F8FrvaxWkbu14OGaqxtGGphyphenhyphen0BYrgbedwQmCyNH_kkXyoTQyF3HDVvQr2bOQDSuIxbRo/s1600/LibroDeiGiochi+Alphonse-le-Sage-Alfonso-X.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdqZndP_5iYeBcNkAa_sxV90g8wC0JQQCHL_3a-hA3NAWIQbTXSegYqg2_-SLWSkYCl9Ur9Q_F8FrvaxWkbu14OGaqxtGGphyphenhyphen0BYrgbedwQmCyNH_kkXyoTQyF3HDVvQr2bOQDSuIxbRo/s1600/LibroDeiGiochi+Alphonse-le-Sage-Alfonso-X.jpg" height="374" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Il gioco degli scacchi, da Las
Cantigas de Santa Maria di Alfonso X, XIV sec., Escorial, San Lorenzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOPF4Rolja8_pPbv5QdMC3txnBxK03JoF6JRq-lXnCZz-MRt0WN8JDEDtMxz1NUor1ZOS_2a1mGsLLOkrrgDrIHQV8vTC8ZpjzRr_WkTjNblxxE9QmaCs-5A-6OICaUmOAuzOC5OobJU0/s1600/Lucas+van+leyden+i+giocatori+di+scacchi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOPF4Rolja8_pPbv5QdMC3txnBxK03JoF6JRq-lXnCZz-MRt0WN8JDEDtMxz1NUor1ZOS_2a1mGsLLOkrrgDrIHQV8vTC8ZpjzRr_WkTjNblxxE9QmaCs-5A-6OICaUmOAuzOC5OobJU0/s1600/Lucas+van+leyden+i+giocatori+di+scacchi.jpg" height="246" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">L. Van Leyden, Il gioco degli scacchi, 1505, <br />olio
su tela, Staatliche Museen, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A tal punto è
simpatico notare come con l’avvento della prospettiva, la diffusione del suo
studio, e l’evoluzione del disegno quale copia dal vero, la resa della
scacchiera nella raffigurazione di ipotetiche partite, segua visioni più
realistiche. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Agli inizi del XVI
secolo, il pittore fiammingo <b>Lucas van Leyden</b>, raffigura in modo più armonioso
rispetto al passato, la volumetria della scacchiera, adagiandola elegantemente
sul tavolo. Se da un lato la prospettiva non è ancora del tutto precisa, dall’altro
è lodevole il modo in cui il dipinto documenta la dedizione da un lato e l’impazienza
dall’altro, dei due giocatori che si stanno sfidando. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLutPAJTvVIyAbEVB8oBEghVJE47A5kPAebugVJ4PiNjouGNiGGEhCTXxRw4AhjwmGeJQhn4bSE-HXM7leTF-FByAwPZfaRBp1-yBOjoeYF20ktn5TWIi21xCo4t1FAV_X8F5SeeSAj6w/s1600/Anguissola+-+Partita+a+scacchi+Poznan,+Museum+Narodowe,+1555.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLutPAJTvVIyAbEVB8oBEghVJE47A5kPAebugVJ4PiNjouGNiGGEhCTXxRw4AhjwmGeJQhn4bSE-HXM7leTF-FByAwPZfaRBp1-yBOjoeYF20ktn5TWIi21xCo4t1FAV_X8F5SeeSAj6w/s1600/Anguissola+-+Partita+a+scacchi+Poznan,+Museum+Narodowe,+1555.jpg" height="145" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Anguissola, Partita a scacchi, 1555, <br />olio su
tela, Museum Narodowe, Poznan</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Decisamente più
realistico e proporzionato, l’<b><i>autoritratto </i></b>di <b>Sofonisba Anguissola</b>, intenta a
giocare a scacchi. Nonostante la volumetria del suo profilo si annulli in una
visione bidimensionale, tavolo, scacchiera e pezzi sono resi in modo meticoloso
ed elegante: la scacchiera appare leggera nel suo spessore molto fino e nell’incavatura
interna; i pezzi sono rifiniti nei particolari, nella lucentezza delle loro
rotondità e nelle delicate cromie chiare e scure. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNmjlXW-t9mjkNdnqNNsGkCVF7sTAi7ZQKyczPEpmoPtC1PgeII6nboFY0rniarZP6q6o3aDS5qM1CFlv_soOh7p6iIbFmYpgZZ0Xdi5VN31c9KUOtZ5oP5Kd0uMH_9o0f_ULXLCACNUg/s1600/giocatori+di+dadi+biblioteca+riccardiana.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNmjlXW-t9mjkNdnqNNsGkCVF7sTAi7ZQKyczPEpmoPtC1PgeII6nboFY0rniarZP6q6o3aDS5qM1CFlv_soOh7p6iIbFmYpgZZ0Xdi5VN31c9KUOtZ5oP5Kd0uMH_9o0f_ULXLCACNUg/s1600/giocatori+di+dadi+biblioteca+riccardiana.jpg" height="200" width="194" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Scommessa al gioco dei dadi, sec.XV,<br />miniatura, Bibl. Riccardiana, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre agli scacchi,
altro gioco molto in voga nel medioevo era quello dei dadi, un gioco vietato in
molte contee perché visto come fonte di sperpero di ricchezze e di perdizione. Per
quanto però torture e pene capitali severe avrebbero dovuto garantire la messa
al bando del suddetto, il gioco dei dadi continuò a svilupparsi nella sua
illegalità, come testimoniano diverse miniature e dipinti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A testimonianza di ciò
si guardi la miniatura del XV secolo, della <b><i>Scommessa al gioco dei dadi</i></b>,
proveniente dal <b>Trattato di aritmetica di Filippo Calandri</b>. Nella miniatura in
questione, due uomini sotto un loggione sono intenti a calcolare tutte le
combinazioni possibili derivanti dai lanci dei dadi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche <b>Caravaggio</b>, due
secoli più tardi, tocca il tema del gioco d’azzardo nella sua tela de’ <b><i>I bari</i></b>,
custodita in Texas al <b>Kimbell Art Museum</b> di Fort Worth. La scena raffigura due
giocatori intenti a disputare una partita dello “zarro”, un gioco d’azzardo
bandito nella penisola perché ritenuto pericoloso per via delle risse che ne
scaturivano tra i giocatori. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel caso di genere, la
situazione raffigurata è decisamente interessante, perché attesta in modo accurato
e psicologicamente valido, il modus operandi dei bari, per cui uno dei due si
proponeva di giocare contro il fanciullo ignaro, mentre l’altro, postatosi
dietro di questo, suggeriva al primo le carte possedute dall’ingenuo ragazzino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGTUDRMoEEZwaR4j_qVnscaob4v6Ls-WHadgGGskdEsOcbj0C9OfTO0eR996SVU6nLbYbZO9xAdTqBEFAU5HoHxnUW2J436JOGV1VYrfrS6G0HYIF0n6spfU86yrFXZhsfc_8f2VqAs-M/s1600/I+bari__Caravaggio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGTUDRMoEEZwaR4j_qVnscaob4v6Ls-WHadgGGskdEsOcbj0C9OfTO0eR996SVU6nLbYbZO9xAdTqBEFAU5HoHxnUW2J436JOGV1VYrfrS6G0HYIF0n6spfU86yrFXZhsfc_8f2VqAs-M/s1600/I+bari__Caravaggio.jpg" height="492" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, I bari, 1594, olio su tela, Kimbell
Art Museum, Fort Worth</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd1hSdMoiagI0SrP5FkPiTrSAqoEBHqdK3j5_MkZPq1zcTeeoSZLtQXXVUwgjE8h6e0ZWUfq57HSVhnYdxYWPX5hdD4MfxcbZPskUzjJGPVVm2DngPQ-htodgZcP1SFIayvzZyLfGMe0c/s1600/De+la+Tour+-+Giocatori+di+dadi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd1hSdMoiagI0SrP5FkPiTrSAqoEBHqdK3j5_MkZPq1zcTeeoSZLtQXXVUwgjE8h6e0ZWUfq57HSVhnYdxYWPX5hdD4MfxcbZPskUzjJGPVVm2DngPQ-htodgZcP1SFIayvzZyLfGMe0c/s1600/De+la+Tour+-+Giocatori+di+dadi.jpg" height="229" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. De La Tour, Giocatori di dadi, 1650,
<br />olio su tela, Teesside Museum, Middlesbrough</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Qualche decennio dopo
anche <b>Georges de La Tour</b>, ripropone il tema del gioco d’azzardo, nella sua tela
<b><i>Giocatori di dadi</i></b>, custodita nel <b>Teesside Museum</b> di Middlesbrough. Come nella
migliore tradizione caravaggesca, anche qui la componente peculiare del dipinto
è data dal gioco creato dalla luce artificiale di una candela che squarcia il
buio della notte: la candela d’altronde era particolarmente legata al gioco d’azzardo,
perché costando molto, questa veniva puntualmente portata da qualche giocatore
che poi la donava al proprietario della dimora che ospitava partite e tornei. Il
detto “Il gioco non vale la candela”, deriva infatti dal lamento proveniente dai
giocatori che, avendo perso soldi o non avendo guadagnato nulla nel corso della
notte, non erano riusciti neanche a racimolare quanto speso per la candela
regalata. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjD9dfV-sdf6h7g1ilh9TWpArvV7cuDYm4QtadH_Me6Z-wLMzIJNA6V7EMdabxvPpzr46yatbNwaniG4iwH-mzOMAJxfh00GMPdljz7sf5Z17VakoRzOyhrA_84oKFAXeazTQsHEj0LaGw/s1600/Jan_Steen_giocatore+di+birilli.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjD9dfV-sdf6h7g1ilh9TWpArvV7cuDYm4QtadH_Me6Z-wLMzIJNA6V7EMdabxvPpzr46yatbNwaniG4iwH-mzOMAJxfh00GMPdljz7sf5Z17VakoRzOyhrA_84oKFAXeazTQsHEj0LaGw/s1600/Jan_Steen_giocatore+di+birilli.jpg" height="200" width="156" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Steen, Giocatori di birilli, <br />1663, olio su tela, <br />National Gallery, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un ottima descrizione
degli scontri tra i giocatori di dadi o di carte, è quindi data da <b>Jan Steen</b>
nel suo <b><i>Argomento in un gioco di carte</i></b>, olio su tela del 1656, sito allo
<b>Staatliche Museen</b> di Berlino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il dipinto infatti
raffigura la conseguenza derivante da una disputa avvenuta durante il gioco
delle carte, tra due uomini, assistiti da persone divertite dalla cosa. Mentre
la scena ritrae il dinamismo dei due litiganti, tenuti a freno dagli altri
popolani, l’occhio cade irrimediabilmente ai giochi gettati sul tavolo e sul pavimento:
alcune carte da poker e un backgammon. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre a questa
tipologia, Steen dipinse anche scene ludiche molto più armoniose e tranquille,
come <b><i>Giocatori di birilli davanti ad una locanda</i></b>, olio su tela del 1663 che
ripropone la dolcezza e la serenità di una tipica giornata passata a divertirsi
con una boccia e dieci birilli. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdaOeXvettVVNwryV9B6e0DbbmWnHGq7qTPhB4w3WXuPkzWriIjKsCiVA3kpZc2Rf9HMqT_bh4TEknhvzVQDYtypq-Ivg2mGoce0Br4RsgSgDhzHOqWcnl67EIsXdGS2AAdq9DMzWKNuM/s1600/Jan-Steen-argomento+di+un+gioco+di+carte.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdaOeXvettVVNwryV9B6e0DbbmWnHGq7qTPhB4w3WXuPkzWriIjKsCiVA3kpZc2Rf9HMqT_bh4TEknhvzVQDYtypq-Ivg2mGoce0Br4RsgSgDhzHOqWcnl67EIsXdGS2AAdq9DMzWKNuM/s1600/Jan-Steen-argomento+di+un+gioco+di+carte.JPG" height="452" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Steen, L’argomento in un gioco di carte, 1650
ca, olio su tela, Staatliche Museen, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4hgMDAgkAepCfx9GgBXA-kA71qQ9v5P5AIwU52zCEe7tSNB7cnJUe4yJGtybFwM-6YM6zIx-aZ_yj8eOFjNGIerE7TwcHvezm9Qyx8Id98YYvvspwdeidsfOmRPoItUqHhGoxIjlRh1A/s1600/Chardin+-+Castello+di+carte.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4hgMDAgkAepCfx9GgBXA-kA71qQ9v5P5AIwU52zCEe7tSNB7cnJUe4yJGtybFwM-6YM6zIx-aZ_yj8eOFjNGIerE7TwcHvezm9Qyx8Id98YYvvspwdeidsfOmRPoItUqHhGoxIjlRh1A/s1600/Chardin+-+Castello+di+carte.JPG" height="224" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. B. S. Chardin, Il castello di carte, 1737,
<br />olio su tela, National Gallery, Washington</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa serenità si
legge nel dipinto di <b>Jean Baptiste Simon Chardin,</b> che raffigura un ragazzo
intento a costruire un <b><i>Castello di carte</i></b>. L’olio su tela è importante perché racconta
un aspetto della vita quotidiana legato non ad un gioco di carte, ma ad un
passatempo ottenuto con l’utilizzo di queste. Le carte infatti, vengono svincolate
dal loro compito per essere utilizzate come sottili ed instabili mattoncini di
cartoncino, raccogliendo tutta la dedizione del fanciullo che, da perfetto
ingegnere, costruisce la sua casetta cercando ogni possibile equilibrio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOoae_3jTOKFpcWw7YvNGeCp7UTkmpoAtnkTEnBYC3TWBp39dm2SlVTjw0Se2fHHnYDwqVtYmL0flIL0c6wvduGJdppsL60IYmi58pYbsIb-tNKYSYbzOSkAg-zcL8Ycp4M_xWEuuppFA/s1600/015+Tischbein+-+Corradino+di+Swabia+e+Friedrich+di+Baden+aspettano+la+sentenza.Pietroburgo,+Hermitage,+1785.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOoae_3jTOKFpcWw7YvNGeCp7UTkmpoAtnkTEnBYC3TWBp39dm2SlVTjw0Se2fHHnYDwqVtYmL0flIL0c6wvduGJdppsL60IYmi58pYbsIb-tNKYSYbzOSkAg-zcL8Ycp4M_xWEuuppFA/s1600/015+Tischbein+-+Corradino+di+Swabia+e+Friedrich+di+Baden+aspettano+la+sentenza.Pietroburgo,+Hermitage,+1785.jpg" height="220" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="color: white;">J.H.W. Tischbein, Corradino di Svevia e </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"><span style="color: white;">Friedrich von Baden </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">aspettano la sentenza, 1785, </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, </span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">Museo dell’Ermitage, S.Pietroburgo</span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La dedizione nel gioco
tocca anche i protagonisti della tela romantica di <b>Johann Heinrich Wilhelm
Tischbein</b> del 1785, nella quale <b><i>Corradino di Svevia e Friedrich von Baden
aspettano la sentenza che li condannerà alla pena capitale </i></b>per aver tentato di
usurpare il trono di Carlo d’Angiò. Infatti i due principi sembrano quasi più
infastiditi di essere stati interrotti durante la loro partita di scacchi, che
dal fatto di essere stati condannati a morte come rivelato dal giudice Roberto
di Bari. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche con l’avvento
dell’arte contemporanea il tema del gioco continua ad essere preso in
considerazione dagli artisti delle diverse correnti, che talora attraverso di
esso, raccontano una nuova poetica ed un nuovo modo di vedere le cose. È il
caso de’ <b><i>I giocatori di carte</i></b> di <b>Paul Cezanne</b>, olio su tela del 1890, che
racconta meglio di tante altre opere il gioco geometrico e cromatico tipico del
pittore francese: i corpi dei due uomini intenti a concentrarsi sulle carte
nella locanda di paese, sono composti da rettangoli, cilindri e linee spezzate
e ricurve; i colori sono vivi e armonizzano l’intera scena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijFH7TWmBhKlzkAQeP77yR4aEhyphenhyphenXBRf3TgETndUFqKjKilnJPXpVTqwpqZYhJsHbx6nzI9cNaQQ2MwWzhF0BP4yQXP9YnL-hak1l2odqwcWl6-zdR28y7ydQjRjfZas_qB56qsTOOEtZE/s1600/i+giocatori+di+carte,+cezanne.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijFH7TWmBhKlzkAQeP77yR4aEhyphenhyphenXBRf3TgETndUFqKjKilnJPXpVTqwpqZYhJsHbx6nzI9cNaQQ2MwWzhF0BP4yQXP9YnL-hak1l2odqwcWl6-zdR28y7ydQjRjfZas_qB56qsTOOEtZE/s1600/i+giocatori+di+carte,+cezanne.jpg" height="268" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Cezanne, I giocatori di carte, 1890, <br />olio su
tela, Musèe d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV6bmlqrLrsqcs8Pj8F6WgDJahGgqDPFqCi61TU2TeEWuvfTaU4mjVjd0pGeThmB1jZBdS_ZMyUSNO-Umtco5EvZTZ-XdC8pHGbYUzOGTgFJwVVTzF2CJS4oZ6085PA8OyngpllJ98j_8/s1600/Juan-Gris+la+scacchiera.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV6bmlqrLrsqcs8Pj8F6WgDJahGgqDPFqCi61TU2TeEWuvfTaU4mjVjd0pGeThmB1jZBdS_ZMyUSNO-Umtco5EvZTZ-XdC8pHGbYUzOGTgFJwVVTzF2CJS4oZ6085PA8OyngpllJ98j_8/s1600/Juan-Gris+la+scacchiera.JPG" height="320" width="254" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Gris, La scacchiera, 1915, olio su tela, <br />Art
Institute of Chicago, Chicago</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Da Cezanne prenderanno
spunto sia <b>Pablo Picasso</b> che <b>Henri Matisse</b> per i loro stili: il primo darà il via insieme a
<b>Juan Gris</b> al cubismo (nello specifico
del tema si veda l’analitica scomposizione de’ <b><i>La scacchiera </i></b>del 1915, sita all’<b>Art
Institute di Chicago</b>); il secondo creerà le fondamenta per il fauvismo,
corrente che fa del colore il mezzo espressivo per eccellenza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E a tal proposito si
veda come Matisse sia riuscito a sposare il suo stile pittorico ed il tema del
gioco in due sue opere: <b><i>La famiglia del pittore</i></b> e <b><i>Gioco di bocce</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM3sMG9IdyYgaUe68B83yiCCnpIaqqnfYE7Ikta7yt-SaXlxm3QyqvEBwN9K9b_o1TSgkQVe3TvgmdNEV8Hkd5xEbM4jYoW_ZeHCg_84hoNlTnteMVJ6K_AwXo5VUUiLUIPACM5s1ViM4/s1600/La+famiglia+del+pittore++matisse.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM3sMG9IdyYgaUe68B83yiCCnpIaqqnfYE7Ikta7yt-SaXlxm3QyqvEBwN9K9b_o1TSgkQVe3TvgmdNEV8Hkd5xEbM4jYoW_ZeHCg_84hoNlTnteMVJ6K_AwXo5VUUiLUIPACM5s1ViM4/s1600/La+famiglia+del+pittore++matisse.jpg" height="242" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Matisse, La
famiglia del pittore, 1911, olio su tela, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel primo del 1911, è
chiaro il rimando ai diversi esperimenti di composizione decorativa, dove alle
innumerevoli stoffe che decoravano il salone di casa Matisse, si viene a
sovrapporre la rappresentazione dei diversi componenti della famiglia del
pittore: la moglie Amelie con un vestito color senape fiorato, la figlia Marguerite
con un abito lungo nero ed i piccoli Jean e Pierre assorti nel giocare a dama. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel secondo del 1915,
è evidente la riconduzione stilistica e cromatica alla<i> Danza</i> ed alla <i>Musica</i>, i
pannelli custoditi così come il <i>Gioco di bocce</i>, al Museo dell’Ermitage: i colori
principali adoperati nella tela sono il verde per il prato, l’azzurro per il
cielo, il rosa per i corpi, il rosso per il telo ed il nero per le bocce; tutto
è ricondotto ai minimi termini a creare quasi una sorta di atemporalità ed aspazialità
del gioco, esistente da sempre ed esistente per sempre. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP3nlt1X7IQINXa-pP8M_XcLt4meeeR9BNmkojNLpmK-Dh0BQSy1ILHMtGy916AI_NjeOJEGC7qO7Y5Dm_AgIpI2Lbs1cUQ1nWPOSPXczMXsh4nGukmW5eGHmwS9a22G6UF8brUK9XV4Q/s1600/Henri-Matisse-gioco+di+bocce.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP3nlt1X7IQINXa-pP8M_XcLt4meeeR9BNmkojNLpmK-Dh0BQSy1ILHMtGy916AI_NjeOJEGC7qO7Y5Dm_AgIpI2Lbs1cUQ1nWPOSPXczMXsh4nGukmW5eGHmwS9a22G6UF8brUK9XV4Q/s1600/Henri-Matisse-gioco+di+bocce.JPG" height="460" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Matisse, Gioco di bocce, 1905, olio su tela,
Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Solo cinque anni più
tardi, a Prima Guerra Mondiale finita, un altro esponente dell’Espressionismo
ritornerà sul tema del gioco: il tedesco<b> Otto Dix</b> con la sua tela de’ <b><i>Invalidi
di guerra giocano a carte</i></b>. La tela, custodita alla Neue Nationalgalerie di
Berlino, raffigura tre reduci di guerra nei quali è estremamente evidente lo
storpiamento fisico al limite dell’inverosimile: eppure nonostante i disagi e
gli impedimenti che caratterizzeranno i tre reduci fino alla fine dei loro
giorni, le loro espressioni sono tranquille, sorridenti e incentrate sulle
carte, a dimostrazione che nonostante ogni avversità che può cogliere l’uomo
nel corso della sua vita, il gioco sarà sempre una via per raggiungere momenti
di felicità e benessere dell’anima. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw3tE3LEufHVsW6Fuzlrhx3OAvAWyCRgHa9dYqWqK4sLT6fLeurDZcUbNzSBITGekP_7Ks6mzJkmesr_6SEufgrJEvbTr-qZkHSG8IUdGrvhySvh0PBdXpyyk-0FMKn_bZCtL88qI0_6w/s1600/I+giocatori+di+carte+-Otto-Dix-1920+-+neues+nationalgalerie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw3tE3LEufHVsW6Fuzlrhx3OAvAWyCRgHa9dYqWqK4sLT6fLeurDZcUbNzSBITGekP_7Ks6mzJkmesr_6SEufgrJEvbTr-qZkHSG8IUdGrvhySvh0PBdXpyyk-0FMKn_bZCtL88qI0_6w/s1600/I+giocatori+di+carte+-Otto-Dix-1920+-+neues+nationalgalerie.jpg" height="640" width="488" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">O. Dix, Invalidi di guerra giocano a carte,
1920, olio su tela, Neue Nationalgalerie, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-42708130619345960552014-11-21T07:27:00.000-08:002014-11-21T07:27:53.949-08:00NOMINATION PER IL LIEBSTER AWARD <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">A tutti gli utenti del
blog ed ai lettori abituali,</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">anche il blog Svirgolettate parteciperà al <b>LIEBSTER AWARD</b>: una catena virtuale che ha il fine di diffondere e a far
conoscere blog con meno di 200/300 followers. Detto ciò, ammetto che non amo particolarmente le catene di Sant'Antonio, ma trovo che questo giochino sia interessante per conoscere meglio la vita del blogger in questione ed il suo pensiero generale, per cui mi presterò volentieri alla cosa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il regolamento è
presto detto: in seguito alla nomination, il blog(ger) nominato deve rispondere
ad una intervista prefissata di 10 domande, quindi inserire altre dieci
nominations riguardanti blog amici.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Ad ogni modo lo riporto a seguire:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="color: #cc0000;"><b>REGOLAMENTO</b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="color: #cc0000;">Regola 1: Postare sul blog l'immagine del premio</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="color: #cc0000;">Regola 2: Ringraziare il blogger che ti ha
nominato.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="color: #cc0000;">Regola 3: Raccontare 11 cose di te</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="color: #cc0000;"><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Regola 4: </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">Nominare altri 10 blog con meno di 200/300 followers.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span style="color: #cc0000;">Regola 5: Rispondere a 10 domande di chi ti ha nominato.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="color: #cc0000;">Regola 6: Proporre 10 domande a cui i
nominati dovranno rispondere.</span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="color: #0b5394;"><b>Regola 1: Postare sul blog l'immagine del premio</b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61JaTxfFAt3p1LENZV87JlVoasJbb9m8bQkYcYwVRZ_1vTI8zUG5YrYS5YG14cpLdySVOqdnYkGvTppsyaFfYmiAqrnWA4X7gl3h0hAaOr-CVc4_Op7vBe5APkpflOuGYoatiY-N9YdE/s1600/liebster_award_logo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61JaTxfFAt3p1LENZV87JlVoasJbb9m8bQkYcYwVRZ_1vTI8zUG5YrYS5YG14cpLdySVOqdnYkGvTppsyaFfYmiAqrnWA4X7gl3h0hAaOr-CVc4_Op7vBe5APkpflOuGYoatiY-N9YdE/s1600/liebster_award_logo.jpg" height="526" width="640" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="color: #0b5394;"><b>Regola 2: <span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">Ringraziare il blogger che ti ha nominato.</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">Ringrazio Cristian di <a href="http://artesplorando.blogspot.it/">Artesplorando</a>, che mi ha nominato per l'Award. Ovviamente la stima ed il rispetto sono reciproci, per cui consiglio di visitare il suo interessante blog, che come il mio tratta di arte, facendolo in modo chiaro e scorrevole. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><span style="color: #0b5394;"><b>Regola 3: Racconta 11 cose di te</b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">01) Colleziono cartoline, che i miei amici mi spediscono da ogni parte del mondo.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">02) Sono iper geloso delle mie cose, per cui nessuno può/deve mai toccarle. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">03) Il mio rimpianto più grande è aver soggiornato a Colonia senza aver visitato il Museo Ludwig.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">04) Il mio sogno più grande è poter visitare un giorno il MoMA di New York.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">05) Sono una persona parecchio polemica, a tratti litigiosa, ma tutti mi vogliono bene. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">06) Ho scritto due romanzi, mai editi, che giacciono nella mia cartella sul PC: forse è meglio così.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">07) Quando viaggio amo assaggiare i piatti tipici del luogo: non farlo è come essere rimasti a casa.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">08) Ho sette nipotini, tre delle quali nate quest'anno: per questo i miei amici mi soprannominano "lo zio".</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">09) Sono laureato in Storia dell'Arte, ma col senno di poi, avrei scelto altro. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">10) Non so cantare, o meglio, sono stonatissimo.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;">11) A pelle, veneti, friulani e calabresi mi stanno sulle palle. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<b><span style="color: #0b5394;"><span style="line-height: 18.3999996185303px;">Regola 4: </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">Nominare altri 10 blog con meno di 200/300 followers</span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<b><span style="color: #0b5394;"><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">La lista dei blog a cui dare un premio prevede la nomination di 10 di loro. Ma per onestà intellettuale debbo ammettere che al momento sento di voler/poter nominare solo otto blog, perché tra tutti, sono quelli che seguo abitualmente e con cui solitamente interagisco. Ho scelto in base al mio gusto personale ed ai contenuti riscontrati nei suddetti, che spaziano dal carattere formativo di alcuni di loro, a quello satirico e dissacratorio di altri, a quello di denuncia di altri ancora. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>01) BREADCRUMBS<span style="color: #6aa84f;"> http://ottaviomussari.wordpress.com/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>02) IL BLOG DEL PROFESSORE <span style="color: #6aa84f;">http://stefanocominale.blogspot.it/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>03) MUSEANDO @ ROMA <span style="color: #6aa84f;">http://museandoatroma.blogspot.it/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>04) A DESTRA E A MANCA <span style="color: #6aa84f;">http://adestraeamanca.blogspot.it/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>05) SCICCHERIE<span style="color: #6aa84f;"> http://leoman3000.wordpress.com/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>06) DICE CHE A ROMA <span style="color: #6aa84f;">http://diceche.blogspot.it/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>07) ATHENAE NOCTUA<span style="color: #38761d;"> </span><span style="color: #6aa84f;">http://athenaenoctua2013.blogspot.it/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>08) LO SGARGABONZI <span style="color: #6aa84f;">http://sgargabonzi.com/</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>09) ---------------------------------------------------------------------------</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="line-height: 18.3999996185303px;"><b>10) ---------------------------------------------------------------------------</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><span style="color: #0b5394;"><b>Regola 5: Rispondere a 10 domande di chi ti ha nominato.</b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>1) Perché hai aperto
il blog?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il mio blog nasce dall’esigenza
di poter raccontare le mie esperienze e i miei pensieri (personali e non)
riguardanti il mondo che mi circonda; un mondo che riguarda princi palmente l’arte,
ma che spazia con molto interesse anche al cinema, la musica e la televisione.
D’altronde debbo ammettere che ho sempre amato scrivere, per cui l’unione di
passione ed esigenza, si è tramutata in questo blog poliedrico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>2) Ci parli un po’
delle tue passioni? </b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La mia passione
primordiale è la storia dell’arte. Un amore che rimarrà solo una passione
giustappunto coi tempi che corrono, visto l’assetto lavorativo nell’ambito. Amo
anche viaggiare e conoscere il mondo: quando non mi è possibile farlo in prima
persona, mi piace visitare gli anfratti della Terra con la Street View di Google
Maps e visitare i musei con i Virtual Tour; inoltre colleziono cartoline che
tutti i miei amici puntualmente mi inviano durante i loro viaggi, ben sapendo
di farmi cosa graditissima. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>3) Quanto pensi che i
commenti e le interazioni siano utili per un blogger e in che modo?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I commenti, le interazioni,
i dibattiti, sono utili per un blogger solo quando hanno una base critica
costruttiva. A volte mi è capitato nel mio blog di ricevere commenti sterili a
qualche mio articolo dal tema delicato (la poetica di Bukowski piuttosto che la
chiacchierata mostra bufala “Ojo del culo” di Serralves) che ho comunque lasciato
sulla pagina (sono un tipo molto democratico e lascio spazio ad ogni tipo di
giudizio nei confronti dei miei articoli) ma non senza averlo screditato dal
mio punto di vista. Ad ogni modo mi piace molto confrontarmi con i miei
lettori, sia sul blog che sulla pagina Facebook di Svirgolettate, e apprezzo
sempre i tantissimi complimenti ricevuti. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>4) Di cosa parli nel
tuo blog?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel mio blog, come
dicevo pocanzi, parlo soprattutto di arte. Cerco di farlo con parole chiare in
modo che anche il concetto più complesso possa apparire semplice a chi non ha mai
approcciato con la critica e la storia dell’arte, soprattutto per quanto ne
concerne l’arte contemporanea, che per quanto cronologicamente è la più vicina
alle nostre generazioni, concettualmente pare essere la meno capita. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>5) Hai creato un
rapporto di amicizia con altri blogger? Vi siete mai conosciuti personalmente?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con alcuni blogger ho
un ottimo rapporto di amicizia; si tratta per lo più di amici con cui ho
convissuto per anni o che frequento tutt’ora durante il tempo libero. Altri
blogger sono stati una piacevole sorpresa: tra tutti Claudia, blogger di Museando
@ Roma, con la quale ho instaurato dapprima un rapporto di feeling
intellettuale, poi di amicizia una volta conosciutala. Una persona che
stimo tantissimo, preparata, colta, intelligente e piena di vita che ha fatto
del suo progetto un’ottima carta da giocare. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>6) Come immagini il
tuo blog tra due anni? Vorresti vederlo crescere/cambiare e in che modo?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Non so come sarà il
mio blog tra due anni. Devo ammettere che quando due anni fa lo fondai, non mi
sarei mai aspettato di vederlo crescere in modo così esponenziale, né di
ricevere costantemente complimenti dai lettori. Sicuramente quello che mi
auspico di fare da qui a due anni sarà concentrarmi sulla pubblicità del mio
progetto, dato che mi sono reso conto di averlo fatto conoscere poco sui
socialnetworks: ma questo dipende anche un po’ dal mio carattere, non mi piace
insistere e “obbligare” la gente a fare qualcosa, per cui non sto lì a spammare
il mio blog ovunque e ogni volta che posso. Mi accontento delle letture
derivate dalla ricerca sui motori internet, che per ora è sufficiente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>7) La cosa che sai
fare meglio?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Questa è una domanda
che andrebbe rivolta a chi mi conosce o a chi ha avuto a che fare con me sul
piano lavorativo e professionale. Ad ogni modo mi rendo conto che se proprio
dovessi dare una risposta, la mia pecca è data dal fatto che amo prendere il
comando e decidere per gli altri, il che non è sempre un bene, ma non è neanche
sempre un male. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>8) Quanto tempo
dedichi al tuo blog?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nei primi tempi
riuscivo a scrivere un articolo ogni giorno, complice il mio lavoro presso l’Archivio
Centrale di Stato, che di giorno in giorno mi permetteva di scoprire tante
notizie interessanti legate all’arte. Negli ultimi mesi scrivo più di rado,
dovendo conciliare questa mia passione con il lavoro e con altri impegni; forse
però a differenza dei primi tempi adesso scrivo su argomenti che mi colpiscono
più del solito. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>9) Come nascono i tuoi
post?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I miei post nascono
soprattutto dalla mia voglia di raccontare le mie considerazioni a riguardo di
eventi, mostre o opere d’arte, ma anche dall’esigenza di voler intensificare la
documentazione inerente ad argomenti poco trattati su internet o difficili da
reperire: un esempio tra tutti è l’articolo su Otto Dix, esponente dell’espressionismo
tedesco. Facendo ricerche sul pittore mi sono reso conto che del pittore non vi
sono molte fonti corpose su internet e così decisi di scrivere un post che
fosse un sunto ma anche una visione storico – critica dell’artista. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>10) Un saluto a chi
legge?</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Saluto i miei lettori
abituali e non, sperando di riuscire sempre a soddisfare le curiosità che
cercate nell’affidarvi ai miei articoli. Ad ogni modo ricordo che per ogni
richiesta o chiarimento, la mia mail è <a href="mailto:a.d.fiorini@gmail.com">a.d.fiorini@gmail.com</a>
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><span style="color: #0b5394;"><b>Regola 6: Proporre 10 domande a cui i nominati dovranno rispondere</b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><span style="color: #0b5394;"><b><br /></b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>01) Quali sono i motivi che ti hanno spinto ad aprire il tuo blog?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>02) Di cosa tratti nel tuo blog?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>03) Chi il lettore ideale del tuo blog?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>04) Come valuti la presenza di forti critiche ai tuoi articoli?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>05) Il tuo modo di essere nella vita privata rispecchia la tua figura di blogger?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>06) Quanto tempo dedichi al tuo blog?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>07) Come il tuo blog può contribuire a quanto presente/non presente su internet?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>08) Qual è il tuo libro (o se preferisci film) preferito?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>09) Quale paese vorresti visitare se ti regalassero un biglietto A/R senza limiti chilometrici?</b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px; text-align: start;"><b>10) Cosa ti auguri per il tuo blog? </b></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-26458372992785381402014-11-17T09:54:00.000-08:002014-12-04T08:56:20.509-08:00La musica nella storia dell'arte<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Arte e Musica nei
secoli dei secoli si sono rivelati essere due elementi di un binomio perfetto
atto a rivelare le sensazioni, i sentimenti ed il vissuto provati dell’uomo,
nei loro lati positivi piuttosto che negativi. Basti pensare che l’importanza
assegnata ad entrambe è quasi sempre andata di pari passo sin dagli albori delle
civiltà classiche, tant’è vero che è possibile addirittura considerare tre
diversi aspetti del binomio Arte – Musica: l’<b>Arte che racconta la Musica e la sua storia</b>;
l’<b>Arte che analizza la Musica</b>; l’<b>Arte che
supporta la Musica</b>. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNWzdtIW8ZmI8xopTlpxYbGqYVBiMpVlP7TFsrACuXK0VHppBqzLQyLpKxyk_1KNdkZxm6fU-ilmUkboOJQSrb6sHoAALP9v-O3PqEqOhutbnGRSTwh1hwByEGLCQS-bVyfr9xXVnfNS4/s1600/teatro+di+epidauro.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNWzdtIW8ZmI8xopTlpxYbGqYVBiMpVlP7TFsrACuXK0VHppBqzLQyLpKxyk_1KNdkZxm6fU-ilmUkboOJQSrb6sHoAALP9v-O3PqEqOhutbnGRSTwh1hwByEGLCQS-bVyfr9xXVnfNS4/s1600/teatro+di+epidauro.JPG" height="213" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Policleto il Giovane, Teatro di Epidauro, 340 a.C., Epidauro</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per intenderci
infatti, riferendoci all’ultimo caso, basti pensare agli anfiteatri ed ai
teatri greci e romani, dotati di un’ottima acustica al fine di rendere perfette
le performance teatrali che ivi si svolgevano, come il <b><i>Teatro di Epidauro</i></b> o
l’Arena di Verona. Il primo, incastonato in una collina, fu costruito nel IV
secolo a.c. sotto la guida dell’architetto <b>Policleto il Giovane</b> e rasenta la
perfezione a livello acustico: tutt’oggi gli artisti che si esibiscono nella
cavea del monumento non hanno bisogno di usare microfoni, dato che anche il
minimo rumore si diffonde nitidamente sino all’ultima fila. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivofVgkjLw3FHTQqDzLXm3Y1jWHkAP1-uWXdTxkWo2DJqVrAEMTRkkLdqv68rRwmZA_LBA3vSOfECltOex5R-fuAAQrfmpDLGBMAlbsWYhm5_gaQCdPY1dnsJXbH85rh-u_3Zdi3Gx2sM/s1600/arena-di-verona.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivofVgkjLw3FHTQqDzLXm3Y1jWHkAP1-uWXdTxkWo2DJqVrAEMTRkkLdqv68rRwmZA_LBA3vSOfECltOex5R-fuAAQrfmpDLGBMAlbsWYhm5_gaQCdPY1dnsJXbH85rh-u_3Zdi3Gx2sM/s1600/arena-di-verona.jpg" height="140" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Arena di Verona, I sec. d.C., Verona</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Idem per l’<b><i>Arena di
Verona</i></b>, costruzione romana del I sec. d.C., atta inizialmente ad ospitare
spettacoli ludici come la lotta dei gladiatori. Solo nel '900 però, in seguito
alla dimostrazione lampante di quanto perfetta fosse l’acustica al suo interno,
divenne sede del celebre festival operistico per volere del tenore Giovanni
Zenatello ed ancor oggi ospita concerti di ogni genere musicale, per quanto il
monumento si presti in modo ottimale per le esecuzioni liriche. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHQCr7mKnm6fubkMtdS7NEoDTTYPG6GLxkQRuq9e-DgqHGinAy6qcXsl_YdyJcH32H6NlpMAaQJuLlCOqWPsPyoVjBvGW-gY01L9iaXnNUCESG2msOTr-5T311SO9N160FaZjpZS5HqOc/s1600/suonatore+di+lira+museo+nazionale+di+atene.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHQCr7mKnm6fubkMtdS7NEoDTTYPG6GLxkQRuq9e-DgqHGinAy6qcXsl_YdyJcH32H6NlpMAaQJuLlCOqWPsPyoVjBvGW-gY01L9iaXnNUCESG2msOTr-5T311SO9N160FaZjpZS5HqOc/s1600/suonatore+di+lira+museo+nazionale+di+atene.jpg" height="320" width="278" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Suonatore di lira, II millennio a.C., marmo,
<br />Museo Nazionale, Atene</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma come anzidetto, il
binomio Arte – Musica oltre a rivelare la prima quale supporto alla seconda, si
esplica anche nel racconto della musica attraverso l’arte: nei millenni in cui
si è snodata via via la storia dell’arte, diverse opere infatti testimoniano
l’evoluzione della musica e degli strumenti musicali nel corso dei secoli, sin
dalle prime civiltà mediterranee: esemplari sono statuine e vasi che inneggiano
il tema, come il <b><i>Suonatore di lira</i></b> proveniente dalle Isole Cicladi o il vaso
raffigurante <b><i>Orfeo che suona la lira</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel primo caso, la
statuetta di 22 centimetri in marmo proveniente da Keros, è la raffigurazione di
un omino che suona la lira: nella schematizzazione geometrica delle forme
tipica dell’arte cicladica, dove il corpo del suonatore si viene a costruire
nell’assemblaggio di cilindri di diverse dimensioni e nell’abbozzo molto
limitato dei tratti fisiognomici, spunta la lira a creare un gioco di linee e
di volume; una lira che seppur priva delle sottili corde, ben testimonia
l’utilizzo dello strumento.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Lo stesso discorso
vale per l’anfora a colonnette rosse e sfondo nero raffigurante Orfeo che suona
la lira. L’opera d’arte vascolare proveniente dall’Attica e custodita al
Pergamon Museum di Berlino, raffigura il mito di Orfeo, figlio della Musa della
poesia epica e del canto Calliope, che con la sua lira riusciva ad ammaliare
nemici, aggirare ostacoli e compiere azioni eroiche: rinomato è l’aneddoto
legato alla morte dell’amata Euridice ed alla sua discesa negli inferi con il
fedele strumento musicale. Un tema, quello di Orfeo, ripreso anche in epoca
romana come testimoniato dal pavimento musivo custodito presso il Museo
Archeologico di Palermo: l’<b><i>Orfeo circondato da animali</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWMOpUM_vbtHv_6f72eOjVpVeb3NTFR_7SgK40kivoJkaJgL9IChIJ_1FqPSzm-yCF2n_M6Qf90INgDt-FaeZBtqsEAkoxmg_YJzdHFgYt8WX_gyY7S9CnEvcpBm5s_XcoFZq4MKshaSM/s1600/Orfeo+che+suona+la+lira.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWMOpUM_vbtHv_6f72eOjVpVeb3NTFR_7SgK40kivoJkaJgL9IChIJ_1FqPSzm-yCF2n_M6Qf90INgDt-FaeZBtqsEAkoxmg_YJzdHFgYt8WX_gyY7S9CnEvcpBm5s_XcoFZq4MKshaSM/s1600/Orfeo+che+suona+la+lira.jpg" height="320" width="277" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Vaso di Orfeo che suona la lira, 430 a.C.,<br /> terracotta, Pergamon Museum, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYK9YpMncqGK5vEU6J5TUZ-R0q_CuJGYUmjWbov-gbudJAhCNhMeS6Aa3XbZYBRxK3BKrJep-d4E5snidXNSBWXJZqpn_nQRJcc62jFLJZtd5XXBQnuaZT44kLYsmAIqCEGVZ-zFNKUnA/s1600/Orfeo+circondato+da+animali.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYK9YpMncqGK5vEU6J5TUZ-R0q_CuJGYUmjWbov-gbudJAhCNhMeS6Aa3XbZYBRxK3BKrJep-d4E5snidXNSBWXJZqpn_nQRJcc62jFLJZtd5XXBQnuaZT44kLYsmAIqCEGVZ-zFNKUnA/s1600/Orfeo+circondato+da+animali.jpg" height="320" width="301" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Orfeo circondato da animali, I – II sec. d.C.,
mosaico<br /> pavimentale romano, Museo Archeologico, Palermo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Già in età etrusca
però l’arte peninsulare aveva approcciato in modo lodevole con il concetto di
musica, per cui il pavimento musivo di Palermo non è da considerarsi un tema
poi così straordinario: già nel VII sec. a.C., gli <b><i>affreschi della Necropoli di
Tarquinia</i></b> raccontano gli aspetti ludici del buon vivere etrusco, raffigurando suonatori
di flauti e di lire accompagnati da danzatori, che avvolti nelle loro tuniche
colorate, si dilettano nell’esecuzione di musiche da intrattenimento.
Interessante si rivela la figura del suonatore dell’<i>aulos</i>, il doppio flauto
usato da greci, etruschi e romani, perché intento a soffiare nel bocchino: le
guance gonfie e arrossate per lo sforzo rivelano un’attenzione ai particolari
lodevole; apprezzabile è anche lo studio dinamico sulle dita occupate a coprire
e scoprire i fori dell’aulos. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcF2eXUzUcVB0pDOv0mlbvMyYl50gHiYrUa-4ZM5zbSrany9SEvL9HmguYkcuXEMXkhfjW26SKjpjGsFhGoNC7KuntKbQ9jAjMHFawvLq2-Gjdt9ZTmevOyVBg5roTJUh2Rv4RVBcdgZ4/s1600/suonatore-di-flauto-etrusco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcF2eXUzUcVB0pDOv0mlbvMyYl50gHiYrUa-4ZM5zbSrany9SEvL9HmguYkcuXEMXkhfjW26SKjpjGsFhGoNC7KuntKbQ9jAjMHFawvLq2-Gjdt9ZTmevOyVBg5roTJUh2Rv4RVBcdgZ4/s1600/suonatore-di-flauto-etrusco.jpg" height="398" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Suonatori di flauto e lira, VII sec.
a.C., affresco, Necropoli, Tarquinia. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Uno strumento che per
secoli, addirittura millenni, vede il suo utilizzo prima nelle domus di
patrizi, imperatori e matrone, poi nelle regge di principi, marchesi e conti, e
ancora nelle corti dei signori medievali: un excursus quello dell’aulos,
testimoniato da diversi sculture e dipinti, come la statuina del <b><i>Suonatore di
doppio flauto</i></b>, sita al Museo di scultura antica Barracco, la <b><i>Ragazza che suona
l’aulos</i></b>, sul lato sinistro del Trono Ludovisi del VI sec. a.C. ed il suonatore
di doppio flauto ritratto nell’affresco dell’<b><i>Investitura di San Martino</i></b>, opera
di <b>Simone Martini</b> del 1318.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg19xOZTP_CfJTxMDMWg7X6ncEb5RFb-Hfkq51wBPxThNqx_2I9YIBi_hby6fBVP97Mxf6pPR2oquyiKVKdh2NNxjdxKdT95sgBdJjZM-W-RbQDXMpLVWEf06EI5LN8UeCOvi9wiTqiiI4/s1600/suonatore_di_doppio_flauto+-+museo+barracco+a+roma.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg19xOZTP_CfJTxMDMWg7X6ncEb5RFb-Hfkq51wBPxThNqx_2I9YIBi_hby6fBVP97Mxf6pPR2oquyiKVKdh2NNxjdxKdT95sgBdJjZM-W-RbQDXMpLVWEf06EI5LN8UeCOvi9wiTqiiI4/s1600/suonatore_di_doppio_flauto+-+museo+barracco+a+roma.jpg" height="200" width="125" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Suonatore di aulos, <br />VI sec. a.C,
calcare,<br /> Museo scultura antica, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5s_qDLVFE7lRQYMAET6N0Twwb9L0Rn0-bI6C94wWHUclIHHKJagPuM8C1VgYmW9zzoc14D0H_4ZH_JO5vRbinI7xUItwNN6bI_tNovLq8-I2gMLXTx5mgbKRWaUKo9tBtG__JI1hc97Q/s1600/Simone_Martini+investitura.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5s_qDLVFE7lRQYMAET6N0Twwb9L0Rn0-bI6C94wWHUclIHHKJagPuM8C1VgYmW9zzoc14D0H_4ZH_JO5vRbinI7xUItwNN6bI_tNovLq8-I2gMLXTx5mgbKRWaUKo9tBtG__JI1hc97Q/s1600/Simone_Martini+investitura.jpg" height="200" width="148" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">S. Martini, Investitura <br />di San Martino, 1318, affresco, <br />Basilica di San Francesco, Assisi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXquQZX0j9VVnqCH-KXO-UO_t3Rbk7Ar1X0pRGNqxKJ3Jf1a6KF90uHK65le_slMcGbvniqBa_fcZTbxdLR6lFdqVcgnRq5lvKVYUPauwWtxzzAvSBG366QRnoPrOM92OM24xbkLSvzwQ/s1600/ragazza+che+suona+l'aulos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXquQZX0j9VVnqCH-KXO-UO_t3Rbk7Ar1X0pRGNqxKJ3Jf1a6KF90uHK65le_slMcGbvniqBa_fcZTbxdLR6lFdqVcgnRq5lvKVYUPauwWtxzzAvSBG366QRnoPrOM92OM24xbkLSvzwQ/s1600/ragazza+che+suona+l'aulos.jpg" height="200" width="150" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Trono Ludovisi, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">VI sec. a.C., </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">marmo, </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Museo </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Nazionale Romano, Roma</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre ai dipinti ed
alle sculture, anche i codici miniati nel medioevo si rivelano un ottimo mezzo
per documentare e trasmettere il sapere musicale. Una delle più complete fonti artistico
letterarie a riguardo è il codice del XIV secolo,<b><i> Remède de
Fortune </i></b>del poeta e musicista <b>Guillaume de Machaut</b>, nel quale trovano
spazio interessanti e affascinanti miniature raffiguranti suonatori di strumenti
musicali di vario genere, tra cui il flagioletto, la citola, l’arpa, la tromba,
la viella, il corno, la ribella, il flauto a tre buchi, i naccheroni, la
cornamusa ed il tamburo.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8Ratdpkm20kxcnMWaza42-wHY8887sMg2xgv5Gcng983lKZcWyK8y7pUXDLvST9RIZv_brZCYsFSoiUZOL7yTlQ74fidS2XUeqXH_CRjXL2fzya3eYEhnwV4QJe1-kNOJciBIoaL2sUc/s1600/Rem%C3%A8de+de+Fortune.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8Ratdpkm20kxcnMWaza42-wHY8887sMg2xgv5Gcng983lKZcWyK8y7pUXDLvST9RIZv_brZCYsFSoiUZOL7yTlQ74fidS2XUeqXH_CRjXL2fzya3eYEhnwV4QJe1-kNOJciBIoaL2sUc/s1600/Rem%C3%A8de+de+Fortune.jpg" height="426" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"><span lang="FR" style="font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;">Guillaume de Macaut, Remede de fortune, sec. </span><span style="font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;">IV., codice miniato</span></span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-mN6CMpRdvThwcnZJDRnCIuVA5Nl53jzOsg8P1leAo_B7uraR8cvxsTTknQ90xAQcXmrrvJGMoopCV-p_rwtVPcenqMCr-1qoXh4LNCsvA4IRrNYQebLp_UF8FEwwl9b0v_LYILcN_Go/s1600/Cantigas+escorial.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-mN6CMpRdvThwcnZJDRnCIuVA5Nl53jzOsg8P1leAo_B7uraR8cvxsTTknQ90xAQcXmrrvJGMoopCV-p_rwtVPcenqMCr-1qoXh4LNCsvA4IRrNYQebLp_UF8FEwwl9b0v_LYILcN_Go/s1600/Cantigas+escorial.jpg" height="200" width="165" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: IT; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="background-color: black; color: white;">Cantigas de Santa Maria</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Altro codice
interessante è il <b><i>Cantigas de Santa Maria</i></b>, opera letteraria cortese del
XIV secolo, commissionata da <b>Alfonso X re di Castiglia e Leòn</b>, custodito nel
Monastero dell'Escorial, a San Lorenzo, in Spagna, che si apre a quarantuno
miniature che illustrano suonatori che si dilettano in strumenti a percussioni,
a fiato, ad arco ed a corda. Tra le diverse illustrazioni di musici di liuti,
viole e flauti, compare l’unica raffigurante un tamburo a calice, chiamato
darabukka o darbuka, l’equivalente di quello che attualmente viene definito
bongo africano: i due musici nella miniatura, seduti ad un trono, sono intenti
a suonare un piccolo flauto ed a suonare il darabukka, sorretto sul fianco da
una piccola cordicella. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3eZHH-ussnFoxhmVucpCbsqZlBLtfT4MFL6p9ZnAZM4zelJiaKT3MQKABw_CrWWOHxZcddW5yh_KVtnqVcnUEZUe3DM3vFouNaZVd0k9PRt26Hx-84aEmhAf8d4kENHDF6fADfnAx0SU/s1600/cantigas+dell'escorial.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3eZHH-ussnFoxhmVucpCbsqZlBLtfT4MFL6p9ZnAZM4zelJiaKT3MQKABw_CrWWOHxZcddW5yh_KVtnqVcnUEZUe3DM3vFouNaZVd0k9PRt26Hx-84aEmhAf8d4kENHDF6fADfnAx0SU/s1600/cantigas+dell'escorial.jpg" height="320" width="223" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Cantigas Santa Maria, XIII sec, miniatura,
<br />Monastero dell’Escorial, San Lorenzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzm4seFGlulLxe22YgK10vknwcMIk9vWhSsQxSTrN_S_tKZ1KhrDIyyRdMcvJaJDnWuUbDjN84_RmeZIk5rsvpSdI-mwGzwNV6m3-Onsh0eAd9wfUNTvcY_5PiTIkMG0oHRj-8fweATy8/s1600/coppie-di-suonatori+di+tamburo+a+tre+buchi,+cantigas+dell'escorial.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzm4seFGlulLxe22YgK10vknwcMIk9vWhSsQxSTrN_S_tKZ1KhrDIyyRdMcvJaJDnWuUbDjN84_RmeZIk5rsvpSdI-mwGzwNV6m3-Onsh0eAd9wfUNTvcY_5PiTIkMG0oHRj-8fweATy8/s1600/coppie-di-suonatori+di+tamburo+a+tre+buchi,+cantigas+dell'escorial.jpg" height="320" width="226" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Cantigas Santa Maria, XIII sec, miniatura,
<br />Monastero dell’Escorial, San Lorenzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quanto descritto fa
della miniatura un ottimo documento artistico, perché di rado nella storia dell’arte
il tamburo è stato protagonista di dipinti o sculture; tra le poche
testimonianze della raffigurazione dello strumento musicale però, trova luogo l’affresco
della <b><i>Danza delle donzelle nel giardino dell’amore</i></b> che <b>Andrea di Bonaiuto</b>
dipinse nel cappellone di Santa Maria Novella a Firenze, nel 1318. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiYzUVMkt3FmJcaefG_u8HZAPA_Uag7aRIKcHKXiKzdKk6Kihy1xW0PLLXTeVChoD3agt2hX0PNd_2NqEHINWyo-Nghn9b15bDIp2WAv_vW_AFvB-MJ6OgU81KbRdwSpGdXyBp8IUKiUs/s1600/Danza+delle+donzelle+nel+giardino+d'amore.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiYzUVMkt3FmJcaefG_u8HZAPA_Uag7aRIKcHKXiKzdKk6Kihy1xW0PLLXTeVChoD3agt2hX0PNd_2NqEHINWyo-Nghn9b15bDIp2WAv_vW_AFvB-MJ6OgU81KbRdwSpGdXyBp8IUKiUs/s1600/Danza+delle+donzelle+nel+giardino+d'amore.jpg" height="408" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. di Bonaiuto, Danza delle donzelle nel
giardino d'amore, 1365, affresco, Santa Maria Novella, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgckD8rJ290qRzmKbBWIsSAa4HTAnHdKPb2TkwEqRkgCNtimOHRNif6Nvod3IHS0aj45w8eGbeyUeZwfzHpPxgFfvdV08KuqFj9bfegoZ9KV0cNMpFv_P1KXGlSV94-eVt2lmtt6IRkZIM/s1600/Portale+di+Santiago+di+Compostela.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgckD8rJ290qRzmKbBWIsSAa4HTAnHdKPb2TkwEqRkgCNtimOHRNif6Nvod3IHS0aj45w8eGbeyUeZwfzHpPxgFfvdV08KuqFj9bfegoZ9KV0cNMpFv_P1KXGlSV94-eVt2lmtt6IRkZIM/s1600/Portale+di+Santiago+di+Compostela.jpg" height="187" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Maestro Matteo, Portico della Gloria, 1168 –
1188, <br />pietra, Cattedrale Santiago di Compostela</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Parlando di Arte e Musica
nel Medioevo, non si può non tener conto della religiosità che tal volta
accomuna le opere d’arte che trattano il tema in questione: i portali delle
cattedrali romaniche e gotiche, in più occasioni ospitano sculture di santi o
angeli muniti di strumenti musicali intenti a suonare e decantare le lodi di
Dio, come nel <b><i>Portale di Sant’Anna a Notre Dame</i></b> di Parigi o nel <b><i>Portale della
Gloria </i></b>a Santiago di Compostela, la cui lunetta è composta da santi muniti di
strumenti a corda, arpe e flauti che attorniano la figura imponente del Cristo
in gloria. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Qualche secolo più
tardi <b>Hans</b> <b>Memling</b>, nel 1485 ca, illustra nella sua tavola cinque <b><i>Angeli Musicanti</i>
</b>muniti di diversi strumenti a fiato e a corda: una visione perfetta dell’arte
fiamminga che connubia in questo caso l’algidità delle figure alla resa precisa
e meticolosa degli strumenti musicali. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdtpx9KdBDByDU0W8M789UqGr-buveCQ0mDtkPM4BDdD12vtUtNAuOdjJ1bEjvBQG_Qtgoq5HQ8Bk7B6A-qOItL7gtCskjlr2SDY6cOj-4dzTBOrY4VfGsD1jHsHiBLV4xDu9Zpfy3eHo/s1600/Memling_angeli+musicanti.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdtpx9KdBDByDU0W8M789UqGr-buveCQ0mDtkPM4BDdD12vtUtNAuOdjJ1bEjvBQG_Qtgoq5HQ8Bk7B6A-qOItL7gtCskjlr2SDY6cOj-4dzTBOrY4VfGsD1jHsHiBLV4xDu9Zpfy3eHo/s1600/Memling_angeli+musicanti.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">H. Memling, Angeli musicanti, 1485, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">Koninkijk Museum, olio su tavola, Anversa.</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche un altro pittore
fiammingo, <b>Hieronymus Bosch</b> relegò un tocco religioso all’idea di musica
inserita nel suo <b><i>Giardino delle delizie</i></b>, dipinto negli stessi anni degli Angeli
Musicanti di Memling, ma a differenza di questo introdusse gli strumenti nella
predella del trittico rappresentante l’inferno: il suono prodotto dagli
strumenti non è più musica celestiale ma rumore, caos, fastidio; chi la suona è
un orrido essere e ciò che ne può derivare non può avere nulla di melodico. A
dimostrazione di quest’ultima visione, è notizia diffusa l’esperimento
effettuato da Amelia, una blogger americana che dopo aver decifrato il
pentagramma, ha suonato al piano quelle note, le ha registrate e le ha messe su
YouTube: il risultato è una musica angosciante ed inquietante: qui, il video dell'esecuzione del motivo: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=qPA4OW2FjFg" style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">https://www.youtube.com/watch?v=qPA4OW2FjFg</a></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3tWbfli5mv-YyOcUA0BuW19u7rg7GRna3V0VJphJ74f-6ZAZlMqKSiqGPzlbfC0sxnzF0RnG3K6W-JvMIlLH3ifEpLro5HdLl3XO8i4h-WECHZD0FWwVALB0_TexN4OdJNysL1SyZBK0/s1600/TRITTICO+DELLE+DELIZIE+BOSCH.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3tWbfli5mv-YyOcUA0BuW19u7rg7GRna3V0VJphJ74f-6ZAZlMqKSiqGPzlbfC0sxnzF0RnG3K6W-JvMIlLH3ifEpLro5HdLl3XO8i4h-WECHZD0FWwVALB0_TexN4OdJNysL1SyZBK0/s1600/TRITTICO+DELLE+DELIZIE+BOSCH.jpg" height="338" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Bosch, Trittico delle delizie, 1480, olio su
tavola, Museo del Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1371JJsU2pwaaT0Ip77XNzIRbFwD6oSKvuUorgVeqafPc1Odfn6Cv89XUrCvMnrzK02ajFMEmoJAofxk7cKrgKbUwQDOTnudb5uNmchHRHr56JC8_p2gICz2ZYiVPhDsc0LHx3dQ1FgE/s1600/Caravaggio_-_Il_riposo_durante_la_fuga_in_Egitto.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1371JJsU2pwaaT0Ip77XNzIRbFwD6oSKvuUorgVeqafPc1Odfn6Cv89XUrCvMnrzK02ajFMEmoJAofxk7cKrgKbUwQDOTnudb5uNmchHRHr56JC8_p2gICz2ZYiVPhDsc0LHx3dQ1FgE/s1600/Caravaggio_-_Il_riposo_durante_la_fuga_in_Egitto.jpg" height="257" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, Riposo
durante fuga in Egitto, 1595, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">olio su tela, Galleria Doria Pamphilj, Roma</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Bosch però non è l’unico
attento al particolare dello spartito quale messaggio di una più profonda
analisi dell’opera: due secoli più tardi <b>Caravaggio </b>farà lo stesso nel suo
<b><i>Riposo durante la fuga in Egitto</i></b>, del 1595. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti, nello spartito
tenuto in mano da Giuseppe durante l’esecuzione dell’angelo con violino e
archetto, è stata identificata la partitura di un motivetto del
compositore fiammingo Noel Bauldewijn, basato sul testo del Cantico
dei Cantici e intitolato "<i>Quam pulchra es</i>". <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">D’altronde è
giustificabile questa precisione nel genio lombardo, considerando che la musica
è una componente essenziale nelle sue opere: la versione del <b><i>Suonatore di liuto</i></b>
custodita al Metropolitan di New York lo conferma, dato che il musicista intento a
deliziarsi con il liuto, è attorniato da altri strumenti e da un verginale che
riproduce la partitura di un madrigale di Francesco de Layolle intitolato “<i>Lassare
il velo</i>”. <o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBupZTwsZ0-VqU8I6wx-THreAXy5dFE3lcmej3dxcgtGyFnj-EfQ4-ezHu4qEVN_t71L0t8yHJUWYOiGF8hyphenhyphenhyq6VJUBiebRiY17OjTQLc9r_IOoMMJ_4bILZWypgGvfYYbcZQssywSrE/s1600/1596_Caravaggio+suonatore+di+liuto+metropolitan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBupZTwsZ0-VqU8I6wx-THreAXy5dFE3lcmej3dxcgtGyFnj-EfQ4-ezHu4qEVN_t71L0t8yHJUWYOiGF8hyphenhyphenhyq6VJUBiebRiY17OjTQLc9r_IOoMMJ_4bILZWypgGvfYYbcZQssywSrE/s1600/1596_Caravaggio+suonatore+di+liuto+metropolitan.jpg" height="500" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Caravaggio, Suonatore di liuto, 1597, olio su
tela, Metropolitan Museum, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel XVII secolo </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">Caravaggio </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">non fu il solo ad interessarsi alla figura del Suonatore di liuto, per
quanto la sua versione risulti indiscutibilmente di qualità rispetto a tante
altre, tra cui quella di </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Bernardo Strozzi</b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> al Kunsthistorisches di Vienna, il
cui cantante tiene tra le mani un liuto molto lontano dalle rifiniture, dalla
lucidità e dalla levigatezza di quello del pittore lombardo. </span><br />
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Infatti tra gli altri sperimentatori del tema vi fu </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 18.3999996185303px;">Franz Hals</b><span style="font-size: 12pt; line-height: 18.3999996185303px;">, tra i massimi esponenti del Seicento olandese. Il suo </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><i>Suonatore di liuto</i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> è</span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> catturato in un
momento di felicità derivante dal suono del suo strumento: dal ritratto di
evince l’idea di un uomo letteralmente innamorato del suo liuto perfettamente
rifinito nella delicatezza delle corde e nel rosone della cassa.</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd624VtIXzb0Ix4GuNR6igjIAnE6YtIejRQW7FQehF3cii2zD6IMrcKlx9Rp6rnu2ICWXGiHk8wb3JTterc7QiRpAWYqtMDE0RHR3I7bEn7xYGB3MenLjYfc19ou6QxpZMAcniDGAq5CM/s1600/suonatore+di+liuto+bernardo+strozzi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhd624VtIXzb0Ix4GuNR6igjIAnE6YtIejRQW7FQehF3cii2zD6IMrcKlx9Rp6rnu2ICWXGiHk8wb3JTterc7QiRpAWYqtMDE0RHR3I7bEn7xYGB3MenLjYfc19ou6QxpZMAcniDGAq5CM/s1600/suonatore+di+liuto+bernardo+strozzi.jpg" height="320" width="248" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">B. Strozzi, Suonatore di liuto, 1630 ca., <br />olio su
tela, Kunsthistorisches Museum, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-0MLG5EcANsyVm5iP6Vr957hzyiskY78LyQZlQ4IMoTdZGkKdpf8i-QvqRy5t3BE6QbZZfZIUsqm_Xkw43J-CPmcry1syUSsT4lfa_iyjdpCBBnx0FLBqHMpCJnyvYW34x26xecN15ZQ/s1600/Frans_Hals_-suonatore+di+liuto.jpg" imageanchor="1" style="background-color: black; margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="color: white;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-0MLG5EcANsyVm5iP6Vr957hzyiskY78LyQZlQ4IMoTdZGkKdpf8i-QvqRy5t3BE6QbZZfZIUsqm_Xkw43J-CPmcry1syUSsT4lfa_iyjdpCBBnx0FLBqHMpCJnyvYW34x26xecN15ZQ/s1600/Frans_Hals_-suonatore+di+liuto.jpg" height="320" width="283" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Hals, Giovane
suonatore di liuto, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">1625, olio su tela, Museo del Louvre, Parigi.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgme2Sk578C6rsa_CnQpdggH7tnUyz7b9lwP8xYW6rB6xaUbWfepvv3_vhPblMSlHN5if-6q2Xrr4LVx3m7Bx33E7CGH3MTpCrKQzrVz-NgTEYMOaNCIc2lI0lLUQn2YPrpnmMMooBXzxY/s1600/santa+cecilia+saraceni.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgme2Sk578C6rsa_CnQpdggH7tnUyz7b9lwP8xYW6rB6xaUbWfepvv3_vhPblMSlHN5if-6q2Xrr4LVx3m7Bx33E7CGH3MTpCrKQzrVz-NgTEYMOaNCIc2lI0lLUQn2YPrpnmMMooBXzxY/s1600/santa+cecilia+saraceni.jpg" height="320" width="252" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">C. Saraceni, Santa Cecilia e l’Angelo, 1610,
olio<br /> su tela, Galleria Nazionale di Arte Antica, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche <b>Carlo Saraceni</b>,
amico di scorribande di Caravaggio riproduce nella sua <b><i>Santa Cecilia con l’Angelo</i></b>,
strumenti musicali ben rifiniti e dolcemente modellati, come il grande violone
sorretto dall’angelo ed il liuto suonato dalla santa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Essendo la stessa,
protettrice della musica, degli strumentisti e dei cantanti, la scena dell’incontro
di Cecilia con l’angelo si tramuta in un vero e proprio concerto, in cui la
santa è raggiunta dall’angelo mentre sta accordando un arciliuto, attorniata da
spartiti, un’arpa, strumenti a fiato, un flauto ed un violino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Saltando di circa due
secoli, si arriva invece a scrutare nel rapporto Arte – Musica una visione più intimistica
del concetto. Ricordando infatti la ritrattistica seicentesca del suonatore di
liuto, che pareva posare nel suo splendore durante l’esecuzione, il suonatore
ritratto nell’Ottocento è più raccolto nei suoi studi e nel suo mondo: a tal
proposito è interessante notare la differenza di atteggiamento di due suonatori
di cornamusa, il primo coevo ai pittori analizzati poc’anzi del XVII secolo, il
secondo appartenente alla cerchia degli artisti del XIX secolo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il <b><i>Suonatore di
cornamusa</i></b> di <b>Blomaert Abraham</b>, è un uomo ritratto nel pieno della sua
esecuzione musicale, conscio della sua bravura: con i suoi occhi scruta il
pittore e quasi se ne compiace di essere ritratto assieme al suo strumento.<b><i> Il
Suonatore di cornamusa </i></b>di <b>Thomas Couture</b> invece, è assorto nella sua musica e
non si cura del mondo che lo circonda. I colori caldi della tela contribuiscono
a gettare sulla figura una sorta di sacralità; l’ambientazione neutra lo allontana
da ogni possibile riferimento spaziale e temporale: esistono solo lui e la
musica in quel momento è questo è tutto quello che conta. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm9PNFnskm3yWE0tBDfm3ZqsW7xMIFG4pLAeQSEVjPISJs6GyNHh2i9D20d0j4TiDBY7ktcjGcNNWbtFGJCG3557MjGrYKu0WFaSIQwrAUHMCRQQ3Tni87QY4lFCo6k_PUgdTicFUxjx0/s1600/bloemaert_abraham+il+suonatore+di+cornamusa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhm9PNFnskm3yWE0tBDfm3ZqsW7xMIFG4pLAeQSEVjPISJs6GyNHh2i9D20d0j4TiDBY7ktcjGcNNWbtFGJCG3557MjGrYKu0WFaSIQwrAUHMCRQQ3Tni87QY4lFCo6k_PUgdTicFUxjx0/s1600/bloemaert_abraham+il+suonatore+di+cornamusa.jpg" height="400" width="305" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">B. Abraham, Il suonatore di cornamusa, XVII
sec., <br />olio su tela, Residenzgalerie, Salisburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4n-7a48vkOznU4E3ayYdPcJmP2IU3noQAiAsq7M0nOr1pzpjxIhrEpnwzdrTcvy_AvlmU8aQp-HlC720MUsiPzu548wt_TjwYlYo-lf3W52iUpIUm9LZoSrKrcx2UmM_hYnHOqDo0MBo/s1600/thomas_couture+suonatore_di_cornamusa_1877.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4n-7a48vkOznU4E3ayYdPcJmP2IU3noQAiAsq7M0nOr1pzpjxIhrEpnwzdrTcvy_AvlmU8aQp-HlC720MUsiPzu548wt_TjwYlYo-lf3W52iUpIUm9LZoSrKrcx2UmM_hYnHOqDo0MBo/s1600/thomas_couture+suonatore_di_cornamusa_1877.jpg" height="400" width="298" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">T. Couture, Il suonatore di cornamusa 1877, olio
su tela, <br />National Gallery of Ireland, Dublino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDFXboMKWPO-4vsGY58okpiQJ0LOwUAeah6P3qsGdhTh62zLKfg2ZSYjjhT9JFSCrXWpwhPPH2lu3dLENNtgCHsV5ufyGKusK_K-mBWGvHfGEvCGcLFAaVEmsHJBEMh-wuZ4cXeIzNHQw/s1600/chitarra+-+picasso+-+moma.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDFXboMKWPO-4vsGY58okpiQJ0LOwUAeah6P3qsGdhTh62zLKfg2ZSYjjhT9JFSCrXWpwhPPH2lu3dLENNtgCHsV5ufyGKusK_K-mBWGvHfGEvCGcLFAaVEmsHJBEMh-wuZ4cXeIzNHQw/s1600/chitarra+-+picasso+-+moma.jpeg" height="200" width="139" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Picasso, Chitarra, <br />1912, assemblaggio,<br /> MoMA, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con l’arrivo del
Novecento ovviamente con il concetto di arte viene in qualche modo a
modificarsi anche la resa del concetto di musica. Emblematici sono i due
artisti “antagonisti” tra loro, <b>Henri Matisse</b> e <b>Pablo Picasso</b>, che rielaborano
il mondo della musica secondo le loro visioni artistiche. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Picasso la onora nell’assemblaggio
<b><i>Chitarra</i></b> del 1912, attualmente sito al MoMA di New York; la cui opera si rivela
l’idealizzazione tridimensionale della musica, che acquista consapevolezza
attraverso una volumetria, uno spessore ed una forma concreti. La Chitarra di
Picasso non è più solo un’opera d’arte rappresentativa di qualcosa, ma diviene
essa stessa mezzo per l’esistenza di quella cosa, essendo a tutti gli effetti
uno strumento capace di riprodurre suono. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQnQTBSFTcyf6CExb079Y4xr6lTo5DN-b3Q65QQbwuXoEO9K4FBN2J9Yi1ypiAJ4bIVGfeht-byN2UzuVZJWAWryFX8eQoJz2S5jzqY69QwzMfQWppApwOsdgvQFHVs7VPk_QN6L8gQyA/s1600/matisse_musica+ermitage.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQnQTBSFTcyf6CExb079Y4xr6lTo5DN-b3Q65QQbwuXoEO9K4FBN2J9Yi1ypiAJ4bIVGfeht-byN2UzuVZJWAWryFX8eQoJz2S5jzqY69QwzMfQWppApwOsdgvQFHVs7VPk_QN6L8gQyA/s1600/matisse_musica+ermitage.jpg" height="210" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Matisse, La musica, 1910, olio su tela, <br />Museo
dell’Ermitage, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Matisse lo fa nel suo
dipinto <b>Musica</b>, olio su tela del 1910, custodito all’Ermitage Museum di San
Pietroburgo. Il dipinto (propedeutico alla Danza), nelle sue stratosferiche
dimensioni è semplice ed essenziale nell’uso di tre semplici colori: il rosso
per i corpi dei cinque musici, il verde per il prato, l’azzurro per il cielo.
Anche la scena è semplice all’inverosimile: cinque personaggi si dislocano sul
prato verde, uno suona il violino, uno un doppio flauto, gli altri tre cantano.
Eppure nella semplicità della resa pittorica e del soggetto della tela, si
legge la complessità di una visione musicale che si allarga dagli albori del
tempo ai tempi moderni (l’aulos ed il violino) nonché la sua completezza (la
musica è suono, melodia ma anche voce, secondo la classica filosofia greca che
soleva vedere nelle muse Euterpe, Erato e Talia l’esplicazione non solo della
teatralità ma anche dell’arte musicale). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDv4PaL1-yhrwqD4FuuPODrLt-RvimuRsMcsvWYn-9GxcyyFZT_7Y4YaPh_z4by01pBUSC5IhVBVtge7mChIMnZ23dulp74TjQcQ35-DcAdEGkTub8RMv5AoLBwlkgM4QslPYqyRJVjVg/s1600/paesaggio+alberato+ritmico,+klee.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDv4PaL1-yhrwqD4FuuPODrLt-RvimuRsMcsvWYn-9GxcyyFZT_7Y4YaPh_z4by01pBUSC5IhVBVtge7mChIMnZ23dulp74TjQcQ35-DcAdEGkTub8RMv5AoLBwlkgM4QslPYqyRJVjVg/s1600/paesaggio+alberato+ritmico,+klee.JPG" height="320" width="245" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Klee, Paesaggio alberato ritmico, 1920,<br /> olio
su tela, Collezione privata.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A concludere, la terza
considerazione riguardante il binomio Arte – Musica, tocca la sfera
analitica: l’Arte infatti soprattutto nell’ultimo secolo, è stata adoperata da
diversi artisti per dare un significato visivamente emozionale alla musica, primi
fra tutti <b>Paul Klee</b> e <b>Vasilij Kandinskij</b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Klee nella sua
carriera di artista sviluppò diverse teorie che sposavano arte e musica, una
tra queste riguardava l’utilizzo del grafema sul supporto artistico, quale elemento segnico. Esattamente come nel pentagramma ogni grafema ha la sua
validità e la sua ragione d’essere, così nella tela vista come pentagramma,
ogni segno, ogni grafema trova la sua collocazione: interessante è il dipinto
<b><i>Paesaggio alberato ritmico</i></b>, dove lo sfondo è visto come un pentagramma idealizzato
nel quale trovano luogo note e grafemi musicali in qualità di alberi ed
elementi naturali.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A concludere Kandinskij,
l’artista che forse meglio di tutti è riconducibile all’analisi della musica
nell’arte. Il pittore infatti nel suo scritto <i>De Blaue Reiter</i>, spiega la sua
visione dell’arte come elemento strettamente legato alla musica e dà voce alle
emozioni apportate da queste due espressioni artistiche, per cui ogni colore
usato in un dipinto ha un suo corrispettivo strumento musicale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Di uno dei suoi
dipinti più celeberrimi, la <b><i>Composizione N°VI</i></b>, egli scrisse: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>“Vedo degli azzurri,
dei gialli e dei rossi meravigliosi e vedo un nero più o meno opaco quali
colori preponderanti nella tela.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>E dovrei sentire dei
flauti (l'azzurro), delle trombe (i gialli) e delle tube (i rossi) quindi; poi
la pace. Una lunga pace data da misto di nero e grigio. La quiete che calma le trombe
e affievolisce i flauti.”</i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">All’attenta lettura
della spiegazione della poetica artistica del pittore russo, le linee sinuose
della Composizione N°VI ben si tramutano in musica, una musica che si vede. Le
corde se smosse creano il suono, e questo lo si può addirittura percepire quasi
fosse un suono emesso da antiche orchestre imperiali, fiere nelle loro divise
di tutto punto, rigide, morali, ricordo andato di una società che fu, ma che
rimane persistente nelle menti nuove fresche d'avanguardia.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quindi una musica che
forse poteva collimare con lo sfarzo dell'Impero Russo e con l'energia delle
agitazioni pre-rivoluzionarie, in un epoca di attaccamento alla tradizione e di
forte voglia di innovazione. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimLI8mg8jrSkhmcE30jQqlwOJtYBuBU8QeczroDHkVQWyTqQMW1N4sHCAqH1Qsw4qpni8Dtml9vd9g9Tdr77dJI4_6M0Rgrit-RYuOGj_-iy0OUmd_U7-JyQmAmtqNeSEF1aOnYdKQF5g/s1600/composition-vi-KANDINSKIJ.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimLI8mg8jrSkhmcE30jQqlwOJtYBuBU8QeczroDHkVQWyTqQMW1N4sHCAqH1Qsw4qpni8Dtml9vd9g9Tdr77dJI4_6M0Rgrit-RYuOGj_-iy0OUmd_U7-JyQmAmtqNeSEF1aOnYdKQF5g/s1600/composition-vi-KANDINSKIJ.jpg" height="420" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Kandisnkij, Composizione n°VI, 1913, olio su
tela, Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> POST CORRELATI:</span></div>
<ul>
<li><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/11/la-danza-nella-storia-dellarte.html">La danza nella storia dell'arte</a></span></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-15663056316954613552014-11-09T11:43:00.002-08:002014-12-20T16:43:34.716-08:00Edvard Munch, l'urlo, la morte, il dolore <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><i>"Camminavo lungo la strada con due amici quando il sole
tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue. Mi fermai, mi
appoggiai stanco morto ad una palizzata. Sul fiordo nero-azzurro e sulla città
c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici continuavano a camminare e io
tremavo ancora di paura... e sentivo che un grande urlo infinito pervadeva la
natura."<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDHJW8wU2S02DEts0g8558iHRp2g5JKOxyllaTZ13VV31r4oXT2hQaspqmYYzzhvetDuRaolqrQ1WU5egbe9yjV82UduH6UOwOAt7XDgKDutXJPqxi6glCNb5OxNmc4mkn2u8beAwcWPA/s1600/Edvard+Munch.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDHJW8wU2S02DEts0g8558iHRp2g5JKOxyllaTZ13VV31r4oXT2hQaspqmYYzzhvetDuRaolqrQ1WU5egbe9yjV82UduH6UOwOAt7XDgKDutXJPqxi6glCNb5OxNmc4mkn2u8beAwcWPA/s1600/Edvard+Munch.JPG" height="320" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">Edvard Munch davanti al dipinto </span><span style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">Il sole</span><span style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;"> </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: black; color: white;"><span style="font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">nel</span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 15.3333320617676px;">l’atelier a Skrubben, 1910, fotografia</span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Queste meravigliose
righe che paiono essere state vergate da un poeta decadentista di fine secolo
diciannovesimo, sono a tutti gli effetti la spiegazione della forte emozione
che spinse <b>Edvard Munch </b>a dipingere il suo masterpiece, l’opera che l’ha
relegato tra gli artisti immortali di tutti i tempi: l’<b><i>Urlo</i></b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Per contestualizzare l’opera
al meglio, è ovviamente imprescindibile uno sguardo a quella che furono la
personalità e la vita dell’artista, che fu pittore, incisore e all’occorrenza
scrittore, nonché al suo stile pittorico ed alla sua poetica. Edvard Munch
infatti fu il fondatore dell’<b>Espressionismo di stampo tedesco </b>(dove per tedesco
si intende l’area geografica che copre Germania, Danimarca e paesi scandinavi), uno stile
caratterizzato dall’uso di colori forti e violenti, a creare larghe campiture
ad olio, piuttosto che vigorose virgolettate a tempera. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiymPFKuHR8FQG8yrI1RcvI6gX7su5C53a0fqXx-3W6HQylCSg8wDm5E1iF79dhCfrhQHguejybAlg76BYywv9q2cALmWNxjz-9vRgZP8d94iv9dbZpgVJDGxLEH2xZOMz0-slUjQnbcP0/s1600/laura+and+edvard+Munch.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiymPFKuHR8FQG8yrI1RcvI6gX7su5C53a0fqXx-3W6HQylCSg8wDm5E1iF79dhCfrhQHguejybAlg76BYywv9q2cALmWNxjz-9vRgZP8d94iv9dbZpgVJDGxLEH2xZOMz0-slUjQnbcP0/s1600/laura+and+edvard+Munch.jpg" height="400" width="291" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Laura ed Edvard Munch, 1863, </span></span><span style="background-color: black; color: white;">fotografia</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Edvard Munch, norvegese di
nascita, nasce nel 1863 a Loten, un piccolo comune della contea di Hedmark, nell’entroterra della
nazione scandinava. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un luogo che gli segnò l’esistenza perché qui sin da bambino,
il pittore dovette combattere con due eventi che lo debilitarono nella psiche:
prima la morte di sua madre Laura durante la tenera età, poi la morte di sua sorella Sofie per tubercolosi, durante la sua adolescenza. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Due
eventi che sicuramente segnarono il modo di vedere il mondo attorno a sé dell’artista,
che frequentando prima l’Accademia di Belle Arti di Oslo ed i suoi salotti
letterari, poi la movida parigina a contatto con artisti del calibro di
Gauguin, Van Gogh e Toulouse Lautrec, ebbe modo di acquisire anche la visione d’insieme del nuovo
gusto contemporaneo; un nuovo gusto che però era ancora talmente
avanguardistico da non riscontrare un apprezzamento unanime dalla società. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5mu_tqJoDW0jmHmbK-rt3lB3kNMYISgv_9NutZURIydnJL84Liq0kp9dy2lfjFVXFaB2mjO2SCo810Wm-Qyp3oPjivY7vpHlwSOOBhAwbsGG5K1SKfX5UHwKsUxGanyEz21CfrP43Ub8/s1600/Edvard+Munch-Labambina+malata++galleria+nazionale+di+oslo.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5mu_tqJoDW0jmHmbK-rt3lB3kNMYISgv_9NutZURIydnJL84Liq0kp9dy2lfjFVXFaB2mjO2SCo810Wm-Qyp3oPjivY7vpHlwSOOBhAwbsGG5K1SKfX5UHwKsUxGanyEz21CfrP43Ub8/s1600/Edvard+Munch-Labambina+malata++galleria+nazionale+di+oslo.JPG" height="310" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">E. Munch, La fanciulla malata, 1885, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 15.3333320617676px;">olio su tela, Galleria Nazionale, Oslo</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tant’è vero che, la
sua prima retrospettiva da artista a Berlino nel 1892, fu letteralmente
stroncata dalla critica benpensante del tempo, che analizzando tutte le opere
esposte, trovò disdicevoli la maggior parte di esse: sicuramente grande clamore
suscitò <b><i>La fanciulla malata</i></b>, olio del 1885, in cui il pittore racconta il
dolore per la morte della sorella Sofie e la sofferenza provata per la perdita
della cara mamma, traslate sulla tela nelle figure della ragazza a letto dal
volto segnato dall’arrivo incombente della morte, e di sua madre stanca e
debilitata al suo capezzale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ed un anno più tardi
quindi giunge l’<b><i>Urlo</i></b>. Come scritto nella descrizione appuntata dallo stesso
Munch nel suo diario mentre era ricoverato presso l’ospedale di Nizza, il
dipinto racconta la scena precisa in cui il pittore fu colpito da un forte
senso di paura, sgomento e irrequietezza
mentre passeggiava in compagnia di due amici sul ponte di Nordstrand, un
piccolo paesotto nei pressi di Oslo, oggi inglobato alla città come quartiere.
Sul piano compositivo infatti è ben ravvisabile la figura dell’artista in primo
piano fermo sul ponte e dei due amici indefiniti nelle loro sagome scure sullo sfondo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiIeOvrZtDVca6m08Cru1flsV6STEkuUhiZkI0Va9AQ1KW5I7Cj3n-tf-4pmAydD0LSfeTFQe2ETgKdOdPEFOG4q8zzmiiC5p_uXSF2FVqSEAUcM26d3JIfGkxC53dk2h4phIjXBBJPhQ/s1600/edvard_munch_l_urlo_1893.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiIeOvrZtDVca6m08Cru1flsV6STEkuUhiZkI0Va9AQ1KW5I7Cj3n-tf-4pmAydD0LSfeTFQe2ETgKdOdPEFOG4q8zzmiiC5p_uXSF2FVqSEAUcM26d3JIfGkxC53dk2h4phIjXBBJPhQ/s1600/edvard_munch_l_urlo_1893.jpg" height="640" width="494" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Munch, L’Urlo, 1893, olio tempera e pastello
su cartone, Galleria Nazionale, Oslo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I preludi dell’Espressionismo.
L’esplosione dell’espressionismo. Il racconto è chiaro, eppure è tramutato in uno
scenario che relega il pittore come unico protagonista della vicenda,
nonostante la compresenza dei due amici: cosa giustificata dal fatto che i due
signori con lui non possono comprendere lo stato d’animo dell’artista, che per
quanto è in compagnia, in quel momento è solo a lottare con le sue paure, col
suo senso di smarrimento. E qui infatti il soggetto si autorappresenta con le
sembianze abominevoli di un uomo scarnito e scavato, quasi fosse un teschio
ricoperto solo di pelle, dagli occhi sgranati e la bocca spalancata come se
fosse atterrito.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw_872ZfVCbe8Paidqq2WmRdqhNShixLSXeum-eaJ10Af6AyeiUERmvdHyR1AwNufNvm-3jaN8YsDEXI53u_51sAjhXTbSMbCGRhx-3HK-LV9qAr3zdhAeSlgd6T6Nc2ECkB20NtnuPZE/s1600/Edvard_Munch_-_Madonna_1894+Galleria+Nazionale+di+Oslo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw_872ZfVCbe8Paidqq2WmRdqhNShixLSXeum-eaJ10Af6AyeiUERmvdHyR1AwNufNvm-3jaN8YsDEXI53u_51sAjhXTbSMbCGRhx-3HK-LV9qAr3zdhAeSlgd6T6Nc2ECkB20NtnuPZE/s1600/Edvard_Munch_-_Madonna_1894+Galleria+Nazionale+di+Oslo.jpg" height="400" width="307" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Munch, Madonna, 1894, <br />olio su tela, Galleria
Nazionale, Oslo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il tutto avviene sul
ponte quindi, che pare essere infinito nel suo snodarsi obliquamente dall’angolo
destro inferiore della tela sino ai 3/5 del lato sinistro; un ponte balaustrato
in legno che rimane dritto, che ha un inizio ed una fine - per quanto non
raffigurati nella tela – esattamente come il vissuto dell’uomo: il ponte è la
vita, che tutti siamo destinati a percorrere e lui è lì, fermo immobile in quel
momento preciso del suo percorso, attonito e sconvolto dalla crisi di panico in
atto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre al ponte, il
resto della composizione segue linee ondulate, che consegnano alla scena un
dinamismo angosciante, distorto, shockante e pressante che, combinato ai colori
caldi del cielo e dei fiordi, e freddi del mare, rappresenta in pieno il
manifesto dell’Espressionismo di stampo tedesco che verrà ripreso in seguito da
artisti del calibro di <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/04/otto-dix-e-lorrore-della-guerra.html">Otto Dix</a> e <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/07/ernst-ludwig-kirchner-e-il-die-bruck.html">Ernst Ludwig Kirchner</a>; un manifesto che </span><span style="font-size: 16px; line-height: 18.3999996185303px;">nell’artista norvegese</span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> vedrà
il suo continuum con altre versioni dell’<b><i>Urlo</i></b>, con la serie delle
<b><i>Madonna</i></b> (cinque versioni tra gli anni 1894 – 1895) e con dipinti che
ripropongono la versione atterrita dell’uomo come <b><i>Sera sul viale Karl Johan</i></b>.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU6f30KsXInsNS6vc4D-iAVrdOfsFZz44J-WcU3ag83lE_Ki0mVleN9kYtNRpxK8ho8CWRO04OQpFd-jcD5GuKfn1TbcVNhHHLU33rw4t1nKOhTryK_ZYoixIplyfZZe3079DLuE2mx-E/s1600/munch-sera-nel-corso-carl-johan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU6f30KsXInsNS6vc4D-iAVrdOfsFZz44J-WcU3ag83lE_Ki0mVleN9kYtNRpxK8ho8CWRO04OQpFd-jcD5GuKfn1TbcVNhHHLU33rw4t1nKOhTryK_ZYoixIplyfZZe3079DLuE2mx-E/s1600/munch-sera-nel-corso-carl-johan.jpg" height="434" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Munch, Sera sul viale Karl Johan, 1892, olio
su tela, Commune Ramus Meters Collection, Bergen</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’<i>Urlo</i> si rivelerà quindi
nel corso del XX secolo, essere non solo l’opera simbolo dell’Espressionismo,
ma addirittura dell’arte contemporanea mondiale: un percorso turbolento quello
fatto dal dipinto, che vede dapprima il suo diniego nell’etichetta di Arte Degenerata
durante il periodo nazista, poi la collocazione delle sue versioni nella
Galleria Nazionale di Oslo e nel Museo dedicato allo stesso Munch dallo Stato a
seguire la morte del suo creatore, ed ancora il doppio furto del dipinto
conservato al Museo Munch, datati al 1994 e 2006. In quest'ultimo caso il dipinto fu trafugato assieme alla
versione della <i>Madonna</i> ivi conservata, ma fortunatamente solo due anni dopo entrambe le opere sono state ritrovate, restaurate, e dal 2008 tornate quindi a padroneggiare nuovamente le sale del museo. <o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">POST CORRELATI:</span><br />
<br />
<ul>
<li><span style="line-height: 18.3999996185303px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/12/emil-nolde-la-violenza-del-colore.html">Emil Nolde: la violenza del colore, l'individualità del tocco</a></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/04/otto-dix-e-lorrore-della-guerra.html">Otto Dix e l'orrore della guerra</a></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/07/ernst-ludwig-kirchner-e-il-die-bruck.html">Ernst Ludwig Kirchner e il Die Brucke: l'idea di un ponte per un'umanità migliore </a></li>
</ul>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-9282335303070692082014-09-10T15:13:00.001-07:002014-12-04T09:01:50.646-08:00La rappresentazione della notte nella storia dell'arte <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3QvUCe0CI1yfUegFrHZQl77IvFOUhwYJumeGWOSBfhKa2DpKveMHNHQ0Qpw2iPTv8MrJJpEk3zQ1uYbWoHd_lp74Iz3NuzHGudiIqPi7v2X9uJLGRAalYfErW5Mz8qVKVEeSuQyV4y2c/s1600/la+ronda+di+notte+_Rembrandt.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3QvUCe0CI1yfUegFrHZQl77IvFOUhwYJumeGWOSBfhKa2DpKveMHNHQ0Qpw2iPTv8MrJJpEk3zQ1uYbWoHd_lp74Iz3NuzHGudiIqPi7v2X9uJLGRAalYfErW5Mz8qVKVEeSuQyV4y2c/s1600/la+ronda+di+notte+_Rembrandt.jpg" height="166" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Rembrandt, La ronda di
notte, 1642, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">olio su tela, Rijksmuseum, Amsterdam</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Seguendo il tema della
descrizione di un excursus che analizzi la rappresentazione delle diverse fasi
del giorno, dopo aver visto quanto accade nel giorno e nella notte, è la volta
di guardare a come nel corso dei secoli, diversi artisti hanno raffigurato l’idea
della notte nei suoi molteplici significati.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Perché la notte non è
da sempre stata vista solo come sfondo ideale a romantici paesaggi, ma anche
come emblema del buio e del mistero; il luogo in cui accadono avvenimenti
pericolosi o sovversivi: la più conosciuta <b><i>La Ronda di notte </i></b>di <b>Rembrandt</b> o il
meno noto <b><i>San Pietro liberato dall’Angelo</i></b> di<b> Stom</b>, ne sono un esempio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSGqwuftoV_l87qJzXQr_Kh-V5tmCvaxn_kW_yAGpUG4T7_TYm36Yf6DtuAXAjDfjC3nBuFDwSukTgnUmBTUNLi2hmUShyphenhyphenRheBo8J3RJ8eW20mhqR74mVOdMY-A0a_r_TxDpO-vIB-WSc/s1600/san+pietro+liberato+dall'angelo%2C%2Bmatthias%2Bstom.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSGqwuftoV_l87qJzXQr_Kh-V5tmCvaxn_kW_yAGpUG4T7_TYm36Yf6DtuAXAjDfjC3nBuFDwSukTgnUmBTUNLi2hmUShyphenhyphenRheBo8J3RJ8eW20mhqR74mVOdMY-A0a_r_TxDpO-vIB-WSc/s1600/san+pietro+liberato+dall'angelo%2C%2Bmatthias%2Bstom.jpg" height="217" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Stom, San Pietro liberato dall’Angelo, XVII
sec., <br />olio su tela, Pinacoteca Provinciale, Bari</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In pittura però,
esulando dal significato esoterico della notte, che è visibile in alcune
interpretazioni oniriche delle pitture parietali egizie e delle primitive
civiltà, tra le prime rappresentazioni della volta celeste vi sono i mosaici
paleocristiani bizantini. Volte stellate, semplici nella bicromia blu – oro che
riconducono alla dualità oscurità – luce divina; complesse nella composizione,
in cui la disposizione geometrica degli astri luminosi tocca livelli di armonia
assoluta: si veda tra tutti il mosaico della <b><i>Volta stellata </i></b>nel <b>Mausoleo di
Galla Placidia</b> a Ravenna, opera del V secolo d.C.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSvX1JAGbzb3CsM8a-w2_xK0L39X-KMjAe2YIrdqNcx1ZGOPvpewRch7vl6XTfa6oZ66_GJXqCtpYFFgXpU43BzmxPif9cg4GGy7o-ii7h-O7-xDQjbXkDJPAdBJK0vn8pPTCynxKLkn8/s1600/Mausoleo+di+Galla+Placidia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSvX1JAGbzb3CsM8a-w2_xK0L39X-KMjAe2YIrdqNcx1ZGOPvpewRch7vl6XTfa6oZ66_GJXqCtpYFFgXpU43BzmxPif9cg4GGy7o-ii7h-O7-xDQjbXkDJPAdBJK0vn8pPTCynxKLkn8/s1600/Mausoleo+di+Galla+Placidia.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Volta stellata, V secolo d.C., mosaico, <br />Mausoleo
di Galla Placidia, Ravenna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un modo di
rappresentare la notte, questo, fortunato e standardizzato per secoli, secondo
i precetti della pittura bizantina, che vede la sua evoluzione con l’avvento
della pittura latina, con <b>Giotto</b>. In diverse occasioni il
pittore apre i suoi pannelli ad uno scenario notturno, anche se nonostante l’innovazione
di una visione minimale del cielo scuro, il suo modo di rappresentare la
notte non rende giustizia alla complessità atmosferica dell’arco temporale: il
cielo notturno di Giotto è una semplice distesa di un blu verdastro molto
chiaro, che ancora per alcuni versi rende la scena estemporanea al momento in
cui sta accadendo, come ben si evince, per esempio, dal pannello riguardante il
<b><i>Sogno di Innocenzo III</i></b>, tratto dal ciclo della Vita di San Francesco nella basilica omonima di Assisi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Circa 150 anni dopo,
sarà <b>Piero della Francesca </b>a rendere giustizia alle sfumature ed alla “luce”
che si diramano dalla notte: d’altronde il pittore è un artista che
rivoluzionerà il concetto di luce e luminosità nella storia dell’arte, per cui è
eccezionale notare come i suoi studi si siano resi validi anche al periodo
della giornata in cui paradossalmente regna l’oscurità. Piero della Francesca
però illumina il cielo con le stelle, viste come piccoli puntini di luce in un
cielo blu, e seguendo la stessa scia illumina la tenda in cui avviene <b><i>Il sogno
di Costantino</i></b> ed i personaggi presenti, con la luce prodotta da una luna, però
assente nell’affresco. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihFWbEgQHx0pqA7KJjpkiPn63pLuiVT6r8A_DHCzHHeLFmoDoNGtswNdl3Hyl8flb9Zn1MxQ0_4x01rCVeEY_FpDW4Wmrr045q0T-uvP8YqQ6P5eiSScV-8W_j6rLLQnR13WmLYxffmBY/s1600/Giotto+-+sogno+di+innocenzo+III.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihFWbEgQHx0pqA7KJjpkiPn63pLuiVT6r8A_DHCzHHeLFmoDoNGtswNdl3Hyl8flb9Zn1MxQ0_4x01rCVeEY_FpDW4Wmrr045q0T-uvP8YqQ6P5eiSScV-8W_j6rLLQnR13WmLYxffmBY/s1600/Giotto+-+sogno+di+innocenzo+III.JPG" height="320" width="283" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giotto, Sogno di Innocenzo
III, 1295 – 1300, <br />affresco, Basilica di San Francesco, Assisi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7WGz97sTaYG-5kW5YWhDwD5wPiddFsqW-2vV_6sB4vvIuQgLhm18LIifEZ2u1YxsYOkmywOK4YxY8R9QcIdgMyk4DIZ5YoYiCP__jeaw21VvnOJBFK6zGGl8FBVUoqy2RPwEtCWeMHOI/s1600/Piero_della_Francesca_sogno+di+costantino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7WGz97sTaYG-5kW5YWhDwD5wPiddFsqW-2vV_6sB4vvIuQgLhm18LIifEZ2u1YxsYOkmywOK4YxY8R9QcIdgMyk4DIZ5YoYiCP__jeaw21VvnOJBFK6zGGl8FBVUoqy2RPwEtCWeMHOI/s1600/Piero_della_Francesca_sogno+di+costantino.jpg" height="320" width="176" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. della Francesca, Il
sogno di <br />Costantino, 1458 – 1466, affresco,<br /> Basilica di San Francesco, Arezzo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Circa dieci anni dopo
l’esecuzione dell’affresco di Piero della Francesca nella Basilica di San
Francesco di Arezzo, sarà <b>Paolo Uccello</b> a consegnare alla notte una nuova
visione, non solo atmosferica ma anche e soprattutto mistica: la <i><b>Caccia
notturna</b></i>, custodita all’Ashmolean Museum di Oxford, racconta una scena venatoria
che si svolge in piena notte, dove le stelle e la luna (un sottilissimo
spicchio) che sono alti e ben visibili nel cielo, fanno da preludio ad un forte
sentimento di angoscia e mistero, in una visione onirica che ben si sposa con
il disturbo creato dallo spazio indefinito nella sua profondità, nella sua
prospettiva e nella sua volumetria bidimensionale. <o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTNwLIuwRqCNWpBUG6pNz3PJfE0BDmxtwYmaonWO5S8TUSw56aYpyPYM99Pc5eU0rN5-rYhT66C-AU66Rm5QeT38FG_8du-grQjdxCL7fzYB2ktmWyQey6dgiwvW-IGO2omMlEgEvAFu0/s1600/caccia+notturna+paolo_uccello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTNwLIuwRqCNWpBUG6pNz3PJfE0BDmxtwYmaonWO5S8TUSw56aYpyPYM99Pc5eU0rN5-rYhT66C-AU66Rm5QeT38FG_8du-grQjdxCL7fzYB2ktmWyQey6dgiwvW-IGO2omMlEgEvAFu0/s1600/caccia+notturna+paolo_uccello.jpg" height="242" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Uccello, Caccia
notturna, 1470, tempera su tavola, Ashmolean Museum, Oxford</span></span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMEwyUUG3nopmVIFg6FP6OYu-wPRwdZArxGaaarlaDODCxfplh6gEEspHslZX1Z4j4rYn00t6vxuJ4gpTRv3FY4o7GO8yKmCazYqo1ihN6kZZsIr1PeIq1Me-Kt4H3pZ9fF1XPi9oOIi4/s1600/pieta+sebastiano+del+piombo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMEwyUUG3nopmVIFg6FP6OYu-wPRwdZArxGaaarlaDODCxfplh6gEEspHslZX1Z4j4rYn00t6vxuJ4gpTRv3FY4o7GO8yKmCazYqo1ihN6kZZsIr1PeIq1Me-Kt4H3pZ9fF1XPi9oOIi4/s1600/pieta+sebastiano+del+piombo.jpg" height="320" width="239" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">S. del Piombo, Pietà, 1516, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">olio su tela, Musei Civici, Viterbo</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nel XVI secolo la
situazione non si evolve di molto: la notte continua ad essere raffigurata come
un momento di oscurità in cui l’unica fonte di luce proviene dalla luna; una
luna capace di assolvere l’onere di illuminare il mondo con i suoi delicati
raggi. Anche <b><i>Sebastiano del Piombo</i></b> nella sua <b>Pietà</b>, racconta di una luna piena
e magniloquente, che dall’alto della sua postazione, nascosto da un velo di
nuvole rese da pennellate veloci e striate, avvolge con la sua luce la Vergine
e la salma del Cristo defunto, regalando loro un momento intimistico che
coincide con la preghiera della donna a Dio e con l’innalzarsi del suo sguardo
al cielo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sicuramente i primi
secoli in cui prende piede, si sviluppa e si irradia la pittura latina, vede
sperimentazioni e valutazioni sul tema, nella tendenza a creare luce laddove vi
è assenza di luce: un atto dovuto in pieno Umanesimo e Rinascimento, in cui è
la curiosità, lo studio e la voglia di copiare perfettamente la natura a
spingere gli artisti a superarsi il più possibile. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: right;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq9bbP2Nw4uidkpiivdgJ7zE44_c98q08DpXyRGpQJyw2Jmh3glfRqMim6Z6OG3xbGoB_iHODcklJ91P4z1NgI0NAXw780RfiVTFl7yQYbmOZVR6llg12LNPVOPUiOW1fg6Ul4bvZH_Po/s1600/Conversion_on_the_Way_to_Damascus-Caravaggio_(c.1600-1).jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq9bbP2Nw4uidkpiivdgJ7zE44_c98q08DpXyRGpQJyw2Jmh3glfRqMim6Z6OG3xbGoB_iHODcklJ91P4z1NgI0NAXw780RfiVTFl7yQYbmOZVR6llg12LNPVOPUiOW1fg6Ul4bvZH_Po/s1600/Conversion_on_the_Way_to_Damascus-Caravaggio_(c.1600-1).jpg" height="200" width="151" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">Caravaggio, Conversione di </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">San Paolo, </span><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">1601, olio su tela, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;"> S. Maria del Popolo, Roma</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con l’arrivo del
Seicento però, la concezione della notte prende risvolti diversi. Precursore del
nuovo modo di vedere la notte è <b>Caravaggio</b>, il pittore che forse più di altri
viene ricordato per i suoi giochi di luce e oscurità. Proprio lui racconta la notte
attraverso gli interni; una notte in cui regna un buio totale e indefinito, che
viene annullato in alcuni tratti da un’intensa luce, proveniente da fonti
diverse: a volte è una luce divina a illuminare il contesto, a volte è una luce
artificiale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nella <b><i>Conversione di
San Paolo</i></b>, tela custodita nella Cappella Cerasi a Santa Maria del Popolo a
Roma, è ben visibile quanto detto: in un clima di oscurità notturna, il San
Paolo caduto viene illuminato da un’esplosione di luce divina, che illumina il
suo corpo e lo spazio che lo circonda. Una luce necessaria non solo a definire
il racconto, ma anche a definire la natura divina dell’evento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgthqAD_erauURiFxStp7Qjjg3Bq7LYbhPrBz0Otyq_2fwwjej68sLUPA9pLI34LLcjrQHNfkm4XstDqDtjPkkWYCOPTq3l2UXMBDE5EP38CL-_t-TBH1hWvDglyhc_JXqpC9ZCTqFQK3c/s1600/domenico-corvi-la-morte-di-seneca.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgthqAD_erauURiFxStp7Qjjg3Bq7LYbhPrBz0Otyq_2fwwjej68sLUPA9pLI34LLcjrQHNfkm4XstDqDtjPkkWYCOPTq3l2UXMBDE5EP38CL-_t-TBH1hWvDglyhc_JXqpC9ZCTqFQK3c/s1600/domenico-corvi-la-morte-di-seneca.jpg" height="226" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">D. Corvi, La morte di Seneca, 1790, </span><br />
<span style="background-color: black; color: white; font-family: 'Times New Roman', serif; line-height: 14px;">olio su tela, Fondazione Roma, Roma</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il gioco dettato dalla
luce artificiale (piuttosto che divina) in piena notte, verrà poi ripreso in
più vedute nei secoli a venire. Ben chiaro è il dipinto di Stom già nominato
agli inizi di questa svirgolettata, ma ancor più evidente sono le tele dei
secoli successivi, perché vedono la compresenza della luce artificiale e dello
scenario notturno nello sfondo. </span><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Affascinante è il
dipinto di </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Corvi</b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"> della Fondazione Roma, che raffigura </span><b style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><i>La morte di
Seneca</i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">. La scena dell’esecuzione capitale del filosofo romano, viene illuminata
da una fonte artificiale proveniente probabilmente dal fulcro in cui avviene il
misfatto, per quanto non visibile (ma fanno fede le ombre proiettate); sullo
sfondo però una luna piena luminosissima e candida, illumina un cielo nuvoloso
e chiaro.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9K0b7bRGRSbpk1OJfn7pMem74Cu7pVF4NBp-aI8JWAo_8sF_YhEqm0ie71LPWw3FRYCr0lkhl_-G1LUpEw23u2Iz37ytkHQOYW3yzZBpFSMerW3oZpUvjaiSxxFV5B-Y_B7Fzv7fYIc8/s1600/goya_fucilazione-3-maggio.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9K0b7bRGRSbpk1OJfn7pMem74Cu7pVF4NBp-aI8JWAo_8sF_YhEqm0ie71LPWw3FRYCr0lkhl_-G1LUpEw23u2Iz37ytkHQOYW3yzZBpFSMerW3oZpUvjaiSxxFV5B-Y_B7Fzv7fYIc8/s1600/goya_fucilazione-3-maggio.jpg" height="241" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">F. Goya, Le fucilazioni del 3 maggio, <br />1814,
Museo del Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quello che però non
accade in Goya e Pellizza da Volpedo, che ambientano i loro aneddoti storici in
una notte che a differenza di quella del Corvi, non gode della luminosità della
luna e delle stelle.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I due pittori infatti
vedono il cielo notturno come una distesa di colore scuro, reso d'altronde tramite
larghe campiture di colore, che fa solo da accompagnamento alla scena che si
accingono a raccontare; scena che viene totalmente illuminata da fonti
artificiali: nel caso della <b><i>Fucilazione del 3 maggio</i></b> di <b>Goya</b>, la luce proviene
unicamente dalla lanterna dei soldati francesi, mentre il cielo nero è smorzato
nella cromia da nuvole diradate, create con tonalità leggermente più chiare;
nel caso del <b><i>Quarto Stato </i></b>di <b>Pellizza da Volpedo</b>, la luce arriva unicamente da
una fonte non visibile proveniente dal punto di vista dello spettatore, mentre
dietro il cielo, non è tetro come quello di Goya, ma appare comunque anonimo
nelle sue tonalità di viola e blu scuro che sfumano tra loro. <o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4-RlkErRcmt1Tb-dme0MrZV9RCwg7jmNhRQrmPpEQ6oTQmhx7oYd6FU71Wl894sGzWZ_1hNHGFOiSxCuJ9b_kKSd88AMisRkfFv-mKIP7v1_aak0ba6DtOQ0sqxWsXUeZwXtX_QcmJCo/s1600/quarto-stato+pellizza+DA+VOLPEDO.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4-RlkErRcmt1Tb-dme0MrZV9RCwg7jmNhRQrmPpEQ6oTQmhx7oYd6FU71Wl894sGzWZ_1hNHGFOiSxCuJ9b_kKSd88AMisRkfFv-mKIP7v1_aak0ba6DtOQ0sqxWsXUeZwXtX_QcmJCo/s1600/quarto-stato+pellizza+DA+VOLPEDO.jpeg" height="328" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Pellizza da Volpedo, Il quarto stato, 1896 –
1901, olio su tela, Galleriad’Arte Moderna, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg_sLwJkfmb070KIEhCYc0AW_Ax92cAIcytxSNn4GKayLMyaR5c8Hd8WD5ZTwHxM-9SnMxyRLMvQVIjLOiKl6fGGHdNx4Qo47bStyaBESTRpvvxR0fxIzK0ReWnmLNPFDIXT_F44NO4ts/s1600/John+Atkinson+Grimshaw.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg_sLwJkfmb070KIEhCYc0AW_Ax92cAIcytxSNn4GKayLMyaR5c8Hd8WD5ZTwHxM-9SnMxyRLMvQVIjLOiKl6fGGHdNx4Qo47bStyaBESTRpvvxR0fxIzK0ReWnmLNPFDIXT_F44NO4ts/s1600/John+Atkinson+Grimshaw.jpg" height="214" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. A. Grimshaw, In Peril, 1879, olio su tela,
<br />Leeds Museums and Galleries, Leeds</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma questi casi non
sono validi a rendere generica una visione della notte che non trova riscontri
poi in altri pittori, in pieno Ottocento. Infatti il secolo si apre a numerose
visioni di carattere scientifico, interpretativo ed espressionistico della
notte: ne sono esempio Monet e Grimshaw, che a distanza di pochi anni l’uno
dall’altro, raccontano due modi totalmente diversi di vedere la notte. <b>Grimshaw
</b>infatti, nella sua tela <b><i>In Peril</i></b>, racconta una visione tardo-romantica della
notte, celata da un branco di nuvole soffici e biancastre, che nascondono non
solo il cielo scuro, ma anche la luna piena.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><b>Monet</b>, nella sua <b><i>Le
port du Havre</i></b>, del 1873, racconta invece una notte che è tutto un tripudio di svirgolettate
vigorose di blu e azzurri; una notte che è una fusione cromaticamente armoniosa
tra cielo e mare, il cui punto di rottura tra le due realtà viene definito
meramente da intensi punti luce bianchi e rossi, mentre quello di ulteriore
congiuntura viene reso dal groviglio indefinito delle barche a vela.<o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPmzVGIdJ7txeX55sjDP675TE1jzE5_U0F1Ug8FumnK_UbIwWB_2MgaXBbl_jWioc8dC3zNTlumrnVDpkXwD_LJKyN_5TWT6SbKKH6WfR8oBVOfXm7gmZBIPwp9HwCjGPHHe9t9gkzYY4/s1600/le+port+du+havre+-+monet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPmzVGIdJ7txeX55sjDP675TE1jzE5_U0F1Ug8FumnK_UbIwWB_2MgaXBbl_jWioc8dC3zNTlumrnVDpkXwD_LJKyN_5TWT6SbKKH6WfR8oBVOfXm7gmZBIPwp9HwCjGPHHe9t9gkzYY4/s1600/le+port+du+havre+-+monet.jpg" height="476" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">C. Monet, Le port du Havre, 1873, olio su tela,
Collezione privata</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A seguire <b>Van Gogh</b>,
nel biennio 1888 – 89, si concede ad una visione della notte, che nelle sue
molteplici rivisitazioni, viene comunque resa luminosa dalla presenza di stelle
meravigliose. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E se la <b><i>Notte sul
Rodano </i></b>lascia negli animi il lontano ricordo delle stelle bizantine dei mosaici
ravennati, in un cielo reso da pennellate veloci ed estremamente materiche, la <b><i>Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles</i></b>,
dello stesso anno, vede già il modificarsi degli astri del cielo da stelle a
più punti, in circolari punti luce che aprono ad aloni più dolci, che si
stemperano nella notte scura.<o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJP0NhKwpT2j_d6uf9FuDzrgOEJoHufopilPh4si4-GBCpKQYLdbCCb9Bv8OK5Jbmq5IQgnUXk0wFEs6LWyIq47dy4H3pkdDj2_opDsFcuTEvdSPQcSFRgMNMZ6OmiEoxbp0ffB7U7dJA/s1600/notte-stellata-sul-rodano-van-gogh.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJP0NhKwpT2j_d6uf9FuDzrgOEJoHufopilPh4si4-GBCpKQYLdbCCb9Bv8OK5Jbmq5IQgnUXk0wFEs6LWyIq47dy4H3pkdDj2_opDsFcuTEvdSPQcSFRgMNMZ6OmiEoxbp0ffB7U7dJA/s1600/notte-stellata-sul-rodano-van-gogh.jpg" height="213" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Van Gogh, Notte stellata sul Rodano, 1888,
<br />olio su tela, Musèe d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2TdZFNn6S2IV634lmZfjPTGDoLn1J2Rz73Vha-j31bgg5kDxGM3_VPkT3MVlBFwtmsYFtmAtfvqV3LB_j21u_d5AhhcKEgyTlxUFm0a1gVUxVzsLEXJPnHtM8Efv9kHfstGT6ypiViis/s1600/Van+gogh,+terrazza+dul+caff%C3%A8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2TdZFNn6S2IV634lmZfjPTGDoLn1J2Rz73Vha-j31bgg5kDxGM3_VPkT3MVlBFwtmsYFtmAtfvqV3LB_j21u_d5AhhcKEgyTlxUFm0a1gVUxVzsLEXJPnHtM8Efv9kHfstGT6ypiViis/s1600/Van+gogh,+terrazza+dul+caff%C3%A8.jpg" height="200" width="166" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Van Gogh, Terrazza del caffè la <br />sera, Place
du Forum, 1888, olio su<br /> tela, Museo Kroller Muller, Otterlo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una modifica che
giunge all’apice nel dipinto custodito al MoMA di New York, <b><i>La notte stellata</i></b>,
il cui cielo notturno che sovrasta la città di Saint Remy de Provence, si
rivela un turbinio delicato e inquietante, luminoso, quieto ed esplosivo, di
luci e colori. La pasta materica del colore, le pennellate veloci ma metodiche,
l’andamento curvilineo ondeggiante preciso, lo rendono tra le rappresentazioni
notturne più favolistiche di tutti i tempi.<o:p></o:p></span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3uCLbkX-OL277jZhr5Ms6INMel4gMr9kRuAC16UVYFduKYxLxH-1fchnPDqBLzXvMsFH6FNRzWIWHwu5JqPRm6IOJmP_tGzNmo6nuPFI5xVtzGpW3RB6hhGQpK6zMKmY_sugOadPnqKA/s1600/la-notte-stellata-van-gogh.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3uCLbkX-OL277jZhr5Ms6INMel4gMr9kRuAC16UVYFduKYxLxH-1fchnPDqBLzXvMsFH6FNRzWIWHwu5JqPRm6IOJmP_tGzNmo6nuPFI5xVtzGpW3RB6hhGQpK6zMKmY_sugOadPnqKA/s1600/la-notte-stellata-van-gogh.jpg" height="400" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">V. Van Gogh, Notte stellata,
1889, olio su tela, MoMA, New York.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Post correlati:</span><br />
<br />
<ul>
<li><span style="line-height: 18px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-del-giorno-nella.html">La rappresentazione del giorno nella storia dell'arte</a></span></li>
<li><span style="line-height: 18px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-del-tramonto-nella.html">La rappresentazione del tramonto nella storia dell'arte</a></span></li>
</ul>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-34154160097669930772014-09-04T03:03:00.001-07:002014-12-04T09:07:55.005-08:00La rappresentazione del tramonto nella storia dell'arte <div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il tramonto nella
storia dell’arte è stato rappresentato in diversi modi, con diverse tecniche, ed ha spesso assunto
vari significati simbolici: la sua magia effettivamente si riscontra nel suo
ruolo di transito tra due realtà ben definite come il giorno e la notte, che
simboleggiano da sempre bene e male, bianco e nero, vita e morte. Spesso il tramonto
infatti connubia il sonno dei soggetti rappresentati o preannuncia un triste
destino, altre volte conclude un'azione, spesso illumina paesaggi di colori
caldi e morbidi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Come già asserito nel
post propedeutico riguardante la raffigurazione del giorno nella storia dell’arte,
prima dell’avvento della pittura cosiddetta latina, è praticamente raro
riscontrare la presenza di un tramonto in un dipinto, essendo ormai quotato lo
sfondo dorato bizantino, e ancora nel Trecento non è del tutto affermata. Ma a
partire dal Quattrocento, il nuovo interesse per la natura, le attenzioni verso
il clima, la luce e il paesaggio, portano il tramonto ad avere un ruolo del
tutto particolare.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUJXcNTN8ke6xCDYg8EqpwbLg8uu6kMhhKS6T6oyk2iwc7sOglJ_1mgl78qYy2CZjl1XyLp9ADqWlTyaPKg1mYqYihtfuco4UE69x64OxvfoOs37mp9eGa_MabECrRw7i1lQy4sE6e1e8/s1600/foppa,+fanciullo+che+legge+cicerone.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUJXcNTN8ke6xCDYg8EqpwbLg8uu6kMhhKS6T6oyk2iwc7sOglJ_1mgl78qYy2CZjl1XyLp9ADqWlTyaPKg1mYqYihtfuco4UE69x64OxvfoOs37mp9eGa_MabECrRw7i1lQy4sE6e1e8/s1600/foppa,+fanciullo+che+legge+cicerone.jpg" height="243" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Foppa, Fanciullo che legge Cicerone, 1464,
<br />affresco staccato, Wallace Collection, Londra</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A partire dall’affresco
di <b>Vincenzo Foppa </b>raffigurante il <i><b>fanciullo che legge Cicerone</b></i>. Il seguente, un
tempo facente parte del Banco Mediceo di Milano ed attualmente pezzo cardine
della Wallace Collection di Londra, è uno degli emblemi del Rinascimento: il
fanciullo che legge Cicerone, raffigura la riscoperta delle civiltà classiche e
il nuovo interesse nei confronti della filologia. Un emblema che respira
un’aria particolare grazie al tramonto che fa da sfondo al dipinto murale:
l’atmosfera rappresentata dal Foppa è rarefatta e multicolore, calda e così
delicata da trascinare la scena in un mondo indefinito, per alcuni tratti appartenente al
mondo coevo al pittore, per altri rimasto ancora agli anni della magniloquenza
romana. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il Foppa d’altronde
non era nuovo alla resa del tramonto in un’opera d’arte: già circa otto anni
prima, nella sua tavole de’ <b><i>I tre crocifissi</i></b> ora all’Accademia Carrara di
Bergamo, aveva ambientato la scena in un ambiente dalle colline dolcemente
scoscese e arrotondate, a cui fa da sfondo un tramonto che non è quello
stemperato dell’affresco del Banco Mediceo, poiché a differenza di questo,
presenta un contrasto più netto tra i colori caldi del sole ancora presente e
quelli freddi della notte incombente, attraverso pennellate orizzontali di
luce, parallele tra loro, su un cielo reso per larghe campiture.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ed è interessante
notare come circa un secolo dopo, <b>Jacopo Bassano</b> nella sua <b><i>Crocifissione</i></b>,
riprende in considerazione alcuni elementi presenti nel dipinto del Foppa, ma
al tempo stesso ne modifichi drasticamente altri. Rimane nella tela del Bassano
il contrasto tra il blu della notte nella parte bassa del cielo e gli aranci e
i marroni della parte alta, nonché l’andamento orizzontale delle pennellate;
viene altresì modificata la resa delle nuvole, più vaporose anziché diradate e
nette nella loro definizione. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXRdYBp3qmjohKIQlgw7SUxk9dc02N63bJfW3H6wWt1Mrjmcfij7mm-bOXsMQyCTT7o75Pjo4UXoZaWxNeflCzcwozsQdT-g7LAaaObCBdSv7sK5eivojjzqKUHf5uhy2W55zxgmJTGj8/s1600/Vincenzo+Foppa,+I+tre+crocifissi,.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXRdYBp3qmjohKIQlgw7SUxk9dc02N63bJfW3H6wWt1Mrjmcfij7mm-bOXsMQyCTT7o75Pjo4UXoZaWxNeflCzcwozsQdT-g7LAaaObCBdSv7sK5eivojjzqKUHf5uhy2W55zxgmJTGj8/s1600/Vincenzo+Foppa,+I+tre+crocifissi,.jpg" height="400" width="222" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Foppa, Tre crocifissi, 1456, tempera <br />su
tavola, Accademia di Carrara, Bergamo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz4o5DoV2n6alwKGofZuF095diZ7efo2HwV5b0ookbW_wpsWazcGFiN1CMTXbSORJ_JwtJBU-iMypldTkFGxE1A7w_mSKSc6LWSfTkI5XV6flhtUI1LDb8-TMaSXuz1k9J_ROrwzbDyQI/s1600/crocifissione+bassano.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz4o5DoV2n6alwKGofZuF095diZ7efo2HwV5b0ookbW_wpsWazcGFiN1CMTXbSORJ_JwtJBU-iMypldTkFGxE1A7w_mSKSc6LWSfTkI5XV6flhtUI1LDb8-TMaSXuz1k9J_ROrwzbDyQI/s1600/crocifissione+bassano.JPG" height="400" width="216" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Bassano, Crocifissione, 1562, <br />olio su tela,
Museo Civico, Treviso</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma la sintesi dei due
pittori analizzati, è riscontrabile agli inizi del XVI secolo nel massimo
esponente della pittura tonale veneta: <b>Tiziano</b>. Osservando il <b><i>Polittico
Averoldi</i></b>, che regna nella Chiesa dei Santi Nazario e Celso a Brescia, è
interessante vedere come siano presenti gli elementi base presi in
considerazione nelle opere del Foppa e del Bassano (la cui opera è più tarda di
quella di Tiziano): simile al primo è la resa della parte bassa del tramonto
del polittico (presente anche in altre opere del Tiziano come il <b><i>Ritratto di
Carlo V a cavallo)</i></b>, simile al secondo è quella nuvolosa della parte alta, per
quanto, sia notevole l’influsso giorgionesco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfNE7jm12nWfXHawsGq8t-0NyT6DN0r-i8UMt0brwbm-xihLkPsHvY0nfKMIrcsWz_S-3leWnQjDn0DaTPL2zNRZE1aQVq3_TEgor_MQlMZ89PxkwhU-a8oryn4ylJ5919cxeLUlQgn8s/s1600/Polittico_averoldi_tiziano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfNE7jm12nWfXHawsGq8t-0NyT6DN0r-i8UMt0brwbm-xihLkPsHvY0nfKMIrcsWz_S-3leWnQjDn0DaTPL2zNRZE1aQVq3_TEgor_MQlMZ89PxkwhU-a8oryn4ylJ5919cxeLUlQgn8s/s1600/Polittico_averoldi_tiziano.jpg" height="320" width="315" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Polittico Averoldi, 1520, olio su tela,
<br />Chiesa di San Nazario e Celso, Brescia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgA9f_jQbASiXnhwlooCb2d-6OJkGGuJDSPvjTGHwWKS751OFyIRTjPZ1HQe8ZdwM0A7mZ368EDn_MWA0UTaOnt6wn_FYL0yvxEEspcT99DUu8QO0KafZiejVxpkTYqb3GAFQw_MWdhKjw/s1600/carlo-v-cavallo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgA9f_jQbASiXnhwlooCb2d-6OJkGGuJDSPvjTGHwWKS751OFyIRTjPZ1HQe8ZdwM0A7mZ368EDn_MWA0UTaOnt6wn_FYL0yvxEEspcT99DUu8QO0KafZiejVxpkTYqb3GAFQw_MWdhKjw/s1600/carlo-v-cavallo.jpg" height="320" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Tiziano, Ritratto di Carlo V a cavallo, 1548,
<br />olio su tela, Museo del Prado, Madrid</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHZhyHREy-_by5ErQrygkDvHXTqr-baq4Cbsa8Wz8EACw7AiD2yLW8oLLDHgzuFycgq-Ksna5DCJRQ3o_ViiKoNMojWjtlRydp4fTM0EMXf4VUv2IIbN3izUgHTf5OV5O3MuMl97_IIdI/s1600/domenichino+riposo+di+venere.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHZhyHREy-_by5ErQrygkDvHXTqr-baq4Cbsa8Wz8EACw7AiD2yLW8oLLDHgzuFycgq-Ksna5DCJRQ3o_ViiKoNMojWjtlRydp4fTM0EMXf4VUv2IIbN3izUgHTf5OV5O3MuMl97_IIdI/s1600/domenichino+riposo+di+venere.jpg" height="245" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Domenichino, Riposo di Venere, XVII sec., olio
su tela,<br /> Ermitage Museum, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Si veda infatti la
<b style="font-style: italic;">Venere dormiente </b>del <b>Giorgione</b><i style="font-weight: bold;">,</i> datata 1508, le cui nuvole volumetriche e ovattate disegnano
forme similari a quelle di Tiziano. Il tramonto che fa da sfondo alla tela, è
qui necessario perché parte integrante del racconto: il riposo del sole,
concilia con quello della dea, in un tripudio di colori caldi che sfumano
l’atmosfera, il paesaggio e la pelle della Venere. Ed è la stessa idea che
toccherà il <b>Domenichino</b> circa un secolo dopo, quando raffigurerà una Venere
adagiata e attorniata da putti, in procinto di riposarsi cullata da un tramonto
che è un armonioso fondersi di azzurri del cielo ed aranci dei cirri e dei cumuli
in piena campagna.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1nCGuE9xyeSP8JOXsdPLLrdctArdbIhnfin-kBo35abiWCWoe6ldly-wUYrb9nxwUtCssZqTnHn4fzCEsr0sigEntE1KF6D6byM7vJclPS6UIjeF4DPE6ummSDDRtup52eNEzxWBnR4c/s1600/Giorgione,_venere+dormiente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1nCGuE9xyeSP8JOXsdPLLrdctArdbIhnfin-kBo35abiWCWoe6ldly-wUYrb9nxwUtCssZqTnHn4fzCEsr0sigEntE1KF6D6byM7vJclPS6UIjeF4DPE6ummSDDRtup52eNEzxWBnR4c/s1600/Giorgione,_venere+dormiente.jpg" height="392" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giorgione, Venere dormiente, 1508, olio su tela,
Staatliche Kunstsammlungen Gemalde Gallerie, Dresda</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvLacA3YphOP-zXeynudyuGMexxQvIieg5Fam9VR4bZRiWN9FtbzkoJ4GIxSQqHvpxuD8e5DyhkMbXpPrkTmpSfsgc7z-AN_o9-hucfqMjx1B-yPsYVL8EuMFm7j7pRzMARGe-bcDHxp0/s1600/Porto_con_Villa_Medici+lorain.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvLacA3YphOP-zXeynudyuGMexxQvIieg5Fam9VR4bZRiWN9FtbzkoJ4GIxSQqHvpxuD8e5DyhkMbXpPrkTmpSfsgc7z-AN_o9-hucfqMjx1B-yPsYVL8EuMFm7j7pRzMARGe-bcDHxp0/s1600/Porto_con_Villa_Medici+lorain.jpg" height="244" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">C. Lorrain, Porto con villa Medici, <br />1637,
Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche il Domenichino
si interessa infatti alla copia del paesaggio così come tanti suoi colleghi del
secolo: il Seicento infatti come si sa, vede approfondirsi un interesse mirato
allo studio degli spazi aperti fra i pittori fiamminghi, ma non solo: anche in
Italia, soprattutto nell’area pontificia, si sviluppa questa nuova
rivisitazione del genere. Tra i massimi esponenti vi è <b>Lorrain</b>, che in più di
un’occasione si apre allo studio del tramonto nei suoi paesaggi italiani: si
veda nello specifico <b><i>Porto con Villa Medici</i></b>, del 1637. Quello che spicca
immediatamente, decentrato ma punto luce della tela, è il sole ormai tangente
allo specchio d’acqua, dal quale si dirama una luce omogenea che sfuma
nell’azzurro del cielo e illumina le nuvole relegandole un volume delicato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7nVDoz-ciykTeBcNC18XUttPhPSvYzvFav-0csQjeRl2G6e63nxZLcTy6_9rvc1lQq5A26egO0a_li-DY4BNIKqvJ56dh9QyrgxzPOrnV3QUNohytzFqvU0Gl0EdqsiajF06Cz2X9sew/s1600/rembrandt+il+mulino.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7nVDoz-ciykTeBcNC18XUttPhPSvYzvFav-0csQjeRl2G6e63nxZLcTy6_9rvc1lQq5A26egO0a_li-DY4BNIKqvJ56dh9QyrgxzPOrnV3QUNohytzFqvU0Gl0EdqsiajF06Cz2X9sew/s1600/rembrandt+il+mulino.jpg" height="265" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Rembrandt, Il mulino, 1650 ca, olio su tela, <br />National Gallery
of Art, Washington</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ovviamente però,
parlando di pittura paesaggistica del Seicento, non si può non tenere in
considerazione <b>Rembrandt</b>; in particolare del suo meraviglioso dipinto de’ </span><b style="font-size: 16px; line-height: 18px;"><i>Il mulino</i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il paesaggio è
semplice quanto maestoso: su una rupe a strapiombo su un lago, si erge maestoso
un mulino di tre quarti, fiero delle sue quattro eliche. A chiudere l’armonia
del quadro un tramonto “stratificato” perché luminosissimo nella parte
centrale, molto più cupo e spento in quelle periferiche della tela, che si apre
a grosse nubi scure.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un soggetto che un
giovane<b> Mondrian </b>riprenderà nel 1907, riproponendolo nella sua tela <b><i>Mulino di
sera</i></b>. Per quanto l’impostazione del soggetto paia similare a quella di
Rembrandt, cambia in Mondrian la concezione del tramonto, vista da questo come
un’esplosione armoniosa di calda luce: il tramonto di Mondrian è poetico,
tiepido, atmosferico nei leggeri tocchi di colori caldi accostati ad un bianco
comunque sempre presente. Infine le sagome degli uccelli fanno da nitido
contrasto al cielo, rendendo quest’ultimo ancora più luminoso di quanto
dovrebbe apparire.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8RFX-WQWX0ASNol7L1Dg2Zn0N2L-YTT2063oBOQXVxBJwKQgbz_TF9EAUmx0AcLYdndNswBVBhiD1QRTMlSoP9I9261-bB-wwCQroSJ8Lo7ZNHv1OoTacBu2I5ppP_VeF5qoQPYX_wog/s1600/Piet-Mondrian-Mill-in-the-evening.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8RFX-WQWX0ASNol7L1Dg2Zn0N2L-YTT2063oBOQXVxBJwKQgbz_TF9EAUmx0AcLYdndNswBVBhiD1QRTMlSoP9I9261-bB-wwCQroSJ8Lo7ZNHv1OoTacBu2I5ppP_VeF5qoQPYX_wog/s1600/Piet-Mondrian-Mill-in-the-evening.JPG" height="350" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Mondrian, Mulino, 1907, olio su tela,
Geemente Museum, L’Aja</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra la fine del XVIII
secolo e gli inizi del XIX, in pieno clima neoclassico e romantico, anche il
tramonto diventa un simbolo cromatico del sentimento storico del tempo. È
chiaro in <b>Angelica Kauffman</b>, che nel ritratto di <b><i>Francesco e Alessandro
Papafava</i></b>, rappresenta un tramonto fatto di rosa, viola, blu luminosi che si
fondono tra loro a creare un’atmosfera intimista e romantica; è ancora più
chiaro nall’<i style="font-weight: bold;">Allegoria della Russia </i>di<i style="font-weight: bold;"> </i><b>Veit</b>, che trascina nella sua idea di
tramonto, le stesse cromie e gli stessi effetti che sono stati della Kauffman,
che sono in genere della pittura tedesca.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9OGPhGd1aoJ-msxA0swom-dpQfx4PWD23crnReB8thlaPLiRt0cNhoHfil5q5PH3ruUfexPtvR34Lg7ulv6Me63PYU2aaDb9PKpXkFgl8FzSdmYMeqHWi-V_Hn7IitZ1VjZUbshau_wQ/s1600/10407506_10205137865114430_5320306428846243133_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9OGPhGd1aoJ-msxA0swom-dpQfx4PWD23crnReB8thlaPLiRt0cNhoHfil5q5PH3ruUfexPtvR34Lg7ulv6Me63PYU2aaDb9PKpXkFgl8FzSdmYMeqHWi-V_Hn7IitZ1VjZUbshau_wQ/s1600/10407506_10205137865114430_5320306428846243133_n.jpg" height="278" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">A. Kauffmann, Ritratto di Alessandro e Francesco
Papafava, <br />1803, olio su tela, Palazzo Papafava, Padova</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj210Xc4G_oYluQ1lDCo0x0EgmB35UOEXQKsFMqsI0LNeZPCqUiY-3qtJN8s1zYlpRKivNlYkYPv6qHXgGvEM4OXA_p3v4uPIFURhgkOhFcnbU_Xyl8ohJ-sK4PUNbq8iy-NSTH5d6p6s/s1600/Allegory-of-Russia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj210Xc4G_oYluQ1lDCo0x0EgmB35UOEXQKsFMqsI0LNeZPCqUiY-3qtJN8s1zYlpRKivNlYkYPv6qHXgGvEM4OXA_p3v4uPIFURhgkOhFcnbU_Xyl8ohJ-sK4PUNbq8iy-NSTH5d6p6s/s1600/Allegory-of-Russia.jpg" height="320" width="258" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P. Veit, Allegoria della Russia, 1840, olio su
tela, <br />Ermitage Museum, San Pietroburgo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’idea di tramonto
quindi, come fattore utile a rivelare un sentimento, come simbolo di un sentire
comune o di un avvenimento. È quanto accade peraltro nella <b><i>Zattera della Medusa</i></b>
di <b>Gericault</b>, in cui la tragedia della nave coloniale si apre ad una visione
tragicamente drammatica e cruda in cui la morte e la disperazione sono le
protagoniste assolute. Il tramonto qui, con i suoi colori, non solo fa da
triste cornice cromatica al triste avvenimento, ma quasi ne preannuncia la
tragedia, simboleggiando esso per primo una fine: quella del sole, che è vita,
e l’irruento intercedere della notte, che è buio, notte, oscurità. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxFzYuJDwskuLFlTofFOfIs6YdGhfZMMaW8ubTqmzDixYgFt7ff90dMen0oxJQe8LlVb0icvHvX2MUjUkWOIA6zHTfvARmnlpV9deuQ91FuMdGIO54-sFB7fMgZvY0zg0fzlQpw_gCAyA/s1600/JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_zattera_della_Medusa_(Museo_del_Louvre%2C_1818-19).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxFzYuJDwskuLFlTofFOfIs6YdGhfZMMaW8ubTqmzDixYgFt7ff90dMen0oxJQe8LlVb0icvHvX2MUjUkWOIA6zHTfvARmnlpV9deuQ91FuMdGIO54-sFB7fMgZvY0zg0fzlQpw_gCAyA/s1600/JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_zattera_della_Medusa_(Museo_del_Louvre%2C_1818-19).jpg" height="436" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">T. Gericault, La zattera della Medusa, 1818,
olio su tela, Museo del Louvre, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-9skUZ79lx4Z9YZwESn_1fRL_x73PO3GRsIAt-TdMlDDlJDc2qYbKUCh9eW9WkpKAjgyf_4HGfXIUu9NSO5ZEJrUihgvd0mu63pfAWw3X_7R9BSGF83elcT3coTMZyZ9iKZxvPZV95eo/s1600/800px-JEAN-FRAN%C3%87OIS_MILLET_-L'_%C3%81ngelus_Museo_de_Orsay%2C_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-9skUZ79lx4Z9YZwESn_1fRL_x73PO3GRsIAt-TdMlDDlJDc2qYbKUCh9eW9WkpKAjgyf_4HGfXIUu9NSO5ZEJrUihgvd0mu63pfAWw3X_7R9BSGF83elcT3coTMZyZ9iKZxvPZV95eo/s1600/800px-JEAN-FRAN%C3%87OIS_MILLET_-L'_%C3%81ngelus_Museo_de_Orsay%2C_.jpg" height="266" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. F. Millet, L’Angelus, 1858, <br />olio su tela,
Musèe d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il tramonto visto come
fine della giornata, fine di un momento, sarà ripreso quarant’anni dopo da
<b>Millet</b> nel suo <b><i>L’Angelus</i></b>, un dipinto dai forti connotati sacrali. Quello di
Millet però, non è un tramonto esplosivo come quello di Rembrandt, né caldo
come quello di Lorain, né romantico come quello di Veit: è un tramonto
intimistico, educato e silenzioso. In punta di piedi, arriva e sancisce la fine
della giornata dei due contadini che vivono alla giornata e vivono secondo la
giornata: la loro sveglia coincide con l’alba, il pranzo con il sole alto nel
cielo, e la fine dei lavori con il tramonto e la recita dell’Angelus, secondo
un incastro solido ed una convivenza
equilibrata tra religione e natura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLFdX6cIn9vB6jZOV0dzfzEdoq6vwDnNEn05YlAyYwUEp5uFC1OgqtA-ApNzHuog-KnivF6pIMjMBst07ED8LkJgM-H8qWvQiBQn4SK0_kEQ7R2a6Tk4Eo3hlvLeA8N8N_t2jtxhTIVWk/s1600/il+seminatore+van+gogh.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLFdX6cIn9vB6jZOV0dzfzEdoq6vwDnNEn05YlAyYwUEp5uFC1OgqtA-ApNzHuog-KnivF6pIMjMBst07ED8LkJgM-H8qWvQiBQn4SK0_kEQ7R2a6Tk4Eo3hlvLeA8N8N_t2jtxhTIVWk/s1600/il+seminatore+van+gogh.jpg" height="252" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Van Gogh, Seminatore al tramonto, 1888, <br />olio
su tela, Museo Kroller Muller, Otterlo</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Al dipinto di Millet
si rifà <b>Van Gogh</b> nel suo <b><i>Seminatore</i></b> del Museo Koller Muller di Otterlo. Dal
primo, il pittore olandese riprende la concezione della sacralità del lavoro
nei campi, ma nulla di più. Perché il tramonto di Van Gogh è esplosione di
vita, è l’irradiamento materico e vigoroso della luce emanata dal centrale disco d’oro, che sfuma nella
bionda distesa di grano. Il seminatore di Van Gogh non sembra accettare
serenamente la fine della giornata come quello di Millet, ma pare non curarsene
per continuare pacificamente il suo lavoro: d’altronde come potrebbe con un
gioco di luci e calore così intenso? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhenUEgZml7AMq4Qf1qheWDzII1qLOpdm3f6YrvpQwu9VSGujrPwI9nCxjSZhL4Dl4RIXmeb16iH9_WpbvSgxVqdAYqdHkHMqYN1Gj9KPq3cCkziPIC7QfciJ3IwjR1zU3zlgA4dkc47b0/s1600/urlo-munch.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhenUEgZml7AMq4Qf1qheWDzII1qLOpdm3f6YrvpQwu9VSGujrPwI9nCxjSZhL4Dl4RIXmeb16iH9_WpbvSgxVqdAYqdHkHMqYN1Gj9KPq3cCkziPIC7QfciJ3IwjR1zU3zlgA4dkc47b0/s1600/urlo-munch.jpg" height="320" width="260" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Munch, L’urlo, 1893, olio su tela, <br />Galleria
Nazionale, Oslo.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In fondo ogni pittore
ha visto nel tramonto l’interpretazione che meglio ha preferito. E se per
Millet il tramonto è la dolce fine di una serena giornata e per Van Gogh è
l’esplosione di luce prima della notte, per <b>Munch</b> il tramonto è stato la
rivelazione della sua angoscia esistenziale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti, celeberrimo è
il suo dipinto de’ <b><i>L'Urlo</i></b>, che questo eseguì nel 1893, il cui protagonista
fermo su un ponte, emana un urlo lancinante:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i> “Camminavo lungo la strada con due
amici quando il sole tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso
sangue. Mi fermai, mi appoggiai stanco morto ad una palizzata. Sul fiordo
nero-azzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici
continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura... e sentivo che un
grande urlo infinito pervadeva la natura.”</i> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ben chiare allora, a lettura della
descrizione, diviene l’atipica resa del tramonto, attraverso larghe pennellate
ondulate di gialli, rossi e azzurri. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In totale antitesi
<b><i>Lusso Calma e Voluttà</i></b> di <b>Matisse</b>, dipinto circa dieci anni dopo l’Urlo. In
perenne ricerca della luce ideale, approdato sulle coste del sud della Francia,
Matisse dipinse questa tela cercando di assorbire le influenze di Seurat per
quanto riguarda la tecnica del puntinismo, e di Manet e Cezanne per quello dei
soggetti (La colazione sull’erba del primo e le bagnanti del secondo). E Lusso
Calma e Voluttà è il suo esperimento riuscito, l’esatto connubio tra la luce
ideale – quella del tramonto – e il soggetto giusto, per arrivare al concetto
di armonia, felicità e tranquillità, in un accostamento metodico di lingue di
colore gialle, rosa, viola, rosse e azzurre, al fine di rappresentare quel
luogo dove, come recita la poesia di Baudelaire a cui si era ispirato il
pittore: “<i>..tutto è ordine e beltà, lusso, calma e voluttà</i>”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifd4tEj6jXpbe3gyhpAGaxbmRCTnazd0rz0RKX4m4YPatDUpvldkLonmP5XFHaGAS9h1yP_tS7hxZE0zMh7yRxiFMY6LkcK_LtvHQrFxjwRZPQL4j9PRYA4ixerX23PMSfbcgGqD3gox0/s1600/1904_henri_matisse_lusso_calma_e_volutt%C3%A0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifd4tEj6jXpbe3gyhpAGaxbmRCTnazd0rz0RKX4m4YPatDUpvldkLonmP5XFHaGAS9h1yP_tS7hxZE0zMh7yRxiFMY6LkcK_LtvHQrFxjwRZPQL4j9PRYA4ixerX23PMSfbcgGqD3gox0/s1600/1904_henri_matisse_lusso_calma_e_volutt%C3%A0.jpg" height="508" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">H. Matisse, Lusso, Calma e Voluttà, 1904, olio
su tela, Musèe d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Post correlati:</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<ul>
<li><span style="line-height: 18px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-del-giorno-nella.html">La rappresentazione del giorno nella storia dell'arte</a></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-della-notte-nella.html">La rappresentazione della notte nella storia dell'arte</a></li>
</ul>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-11989435924409523282014-09-02T04:02:00.001-07:002014-12-04T09:09:52.834-08:00La rappresentazione del giorno nella storia dell'arte <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1qThVCmWjzTbTnUhbFYSbYniXw3I3jJ7yVmNP-whMz5YY7Bch3PG7xlUKXAhLkYeHe9WFVFhfrK77S_8hOwFauy72-RSt2SRWWadktz7YXYgHL7XxQvJ66qSeyvJOKM_b2OvZgyusmY/s1600/Palazzo-Massimo-villa-di-Livia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1qThVCmWjzTbTnUhbFYSbYniXw3I3jJ7yVmNP-whMz5YY7Bch3PG7xlUKXAhLkYeHe9WFVFhfrK77S_8hOwFauy72-RSt2SRWWadktz7YXYgHL7XxQvJ66qSeyvJOKM_b2OvZgyusmY/s1600/Palazzo-Massimo-villa-di-Livia.jpg" height="238" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giardino del ninfeo
della Villa di Livia, 40 d.C., </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">affresco, Museo Nazionale Romano, Roma.</span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La lettura dell’info
riguardo la mostra che si terrà alla Basilica Palladiana di Vicenza dal 24
dicembre 2014 al 15 giugno 2015 dal titolo <a href="http://www.lineadombra.it/tutankamon-caravaggio-van-gogh/mostra-approfondimento">“TUTANKHAMON, CARAVAGGIO, VAN GOGH. La sera e i notturni dagli Egizi al Novecento”</a>, mi ha fatto riflettere circa un
percorso che illustrasse l’evoluzione della resa (pittorica) delle diverse fasi
del giorno nel corso della Storia dell’arte. Perché così come i diversi
soggetti e temi già trattati, anche l’effetto climatico atmosferico ha avuto un
forte ascendente nella fortuna critica di diverse opere d’arte se non proprio
si è rivelato quale aspetto fondamentale di una determinata corrente artistica
(vedi la pittura tonale veneta rinascimentale).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Trattando del tema del
giorno in questa svirgolettata, inteso come arco di tempo che vede la nascita e
la presenza del sole alto nel cielo, non posso che creare un preambolo molto
sintetico che vede il difficile riscontro di una resa atmosfericamente
“giornaliera”, negli affreschi e nelle pitture parietali delle civiltà
classiche: vale uno per tutti, l’<b><i>affresco raffigurante un giardino</i></b>,
originariamente sito nel ninfeo di Villa Livia e attualmente staccato e
custodito a Palazzo Massimo a Roma, che vede l’innalzarsi delle foltissime e
verdi piante su una distesa di un azzurro accesso, che relega piattezza e
uniformità all’idea di cielo che l’artista voleva raffigurare. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3E1zT1KGNsnfnYjBYq7L8KoIu0MDFX6eJSOy82ms19QCG07c79eattXK6Ctr6V1vW2AnXiDvGsVL2KnAyJ3heS3AVCpESh-BdXDIKwon-kNfzHWdHdvMEuzqkntLECHQZgfj7K7a-Jd4/s1600/Mausoleo+di+galla+placidia,+buon+pastore.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3E1zT1KGNsnfnYjBYq7L8KoIu0MDFX6eJSOy82ms19QCG07c79eattXK6Ctr6V1vW2AnXiDvGsVL2KnAyJ3heS3AVCpESh-BdXDIKwon-kNfzHWdHdvMEuzqkntLECHQZgfj7K7a-Jd4/s1600/Mausoleo+di+galla+placidia,+buon+pastore.jpg" height="225" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Buon Pastore con il gregge, V sec., mosaico,
<br />Mausoleo di Galla Placidia, Ravenna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una situazione che con
l’arte paleocristiana vede un’evoluzione non solo cromatica, ma anche
temporale. Perché seppur vero che si riscontrano mosaici che vedono la
collocazione di un soggetto o di un evento in un periodo giornaliero definito
dalla chiarezza di un cielo limpido, come nel mosaico del <b><i>Buon Pastore con il
gregge </i></b>nel Mausoleo di Galla Placidia, in Europa si va ormai delineando un
elemento di stampo bizantino che si trascinerà per circa un millennio: lo
sfondo oro, colore nobile dal triplice scopo: rendere più luminosi mosaici e pitture,
annullare l’idea di spazio e tempo, donare ieraticità e sacralità ai santi
raffigurati: un esempio fra tutti, rimanendo a Ravenna, la <b><i>Trasfigurazione con
Sant’Apollinare</i></b> nel catino absidale della basilica omonima.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZd5qKkjrUKq20WEZetekgi6MMNCk3G4wTt3JI_0ZdAjcB7Y368D3ZsT9q8VGeA2QcfotPmL5Cow_7gdBcLHsbqvF72xA0_HMjIifzTyJWVi3X-Je__ZB77ewxX0ZMf6zXV6iLZmQ-BWA/s1600/S.Apollinare+in+classe,+Trasfigurazione.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZd5qKkjrUKq20WEZetekgi6MMNCk3G4wTt3JI_0ZdAjcB7Y368D3ZsT9q8VGeA2QcfotPmL5Cow_7gdBcLHsbqvF72xA0_HMjIifzTyJWVi3X-Je__ZB77ewxX0ZMf6zXV6iLZmQ-BWA/s1600/S.Apollinare+in+classe,+Trasfigurazione.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Trasfigurazione con Sant’Apollinare e il gregge,
VI sec.,<br /> mosaico, Basilica di Sant’Apollinare in Classe, Ravenna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">È nel pieno basso
medioevo, con l’avvento della pittura di carattere “latino”, che torna a farsi
spazio l’idea di giorno vista come cielo azzurro e laddove possibile, sole
giallo. <b>Giotto</b>, ad esempio, nel ciclo delle <b><i>Storie di San Francesco</i></b> nella Basilica di Assisi, semplifica il cielo come larghe campiture di toni diversi
di azzurro, non discostandosi di molto dalla resa romana vista nell’affresco
del giardino di Villa Livia. Sicuramente più avvincente è quello che fa <b>Maestro
Venceslao</b> invece nel suo <b><i>Ciclo dei Mesi</i></b> nel Castello del Buon Consiglio a
Trento, circa un secolo dopo: negli undici pannelli affrescati (il mese di
marzo era stato dipinto su una tavola, andata persa durante un incendio), è di
grande effetto la presenza del sole stilizzato come un cerchio argenteo con
punte serpentinate, che fa da protagonista su un cielo di un blu molto intenso.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEires2pWTDJo6HtKxzXAA53mLtZ1EuzYPWH1WUI0y7TLzyYL7RsIZq5rlcxIgqvudjqCU9SbppCQ82G8SlpqgKlTRs43ZpIlRTzlY5ssG-GrEOXjyHmIO67gIElvCo3oqbEHNw5hDqv_2g/s1600/giotto+assisi+basilica++superiore+la+rinuncia+ai+beni+paterni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEires2pWTDJo6HtKxzXAA53mLtZ1EuzYPWH1WUI0y7TLzyYL7RsIZq5rlcxIgqvudjqCU9SbppCQ82G8SlpqgKlTRs43ZpIlRTzlY5ssG-GrEOXjyHmIO67gIElvCo3oqbEHNw5hDqv_2g/s1600/giotto+assisi+basilica++superiore+la+rinuncia+ai+beni+paterni.jpg" height="320" width="288" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Giotto, La rinuncia ai beni paterni, 1295 –
1300, <br />affesco, Basilica di San Francesco, Assisi. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7iwF3Ye7fPIabK40VRNYYTOpuBTOqyEIUoTLNLLu5fJ1XXyIPkzco7fYhQpBI88kICm-XJSXGtcBWZYjgTI4lH9sFe_P8uLaUhxp3ZncNozTWhKBgId-ac_EjgM1UaHyU8_-zNu5xnyg/s1600/ciclo+dei+mesi+trento.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7iwF3Ye7fPIabK40VRNYYTOpuBTOqyEIUoTLNLLu5fJ1XXyIPkzco7fYhQpBI88kICm-XJSXGtcBWZYjgTI4lH9sFe_P8uLaUhxp3ZncNozTWhKBgId-ac_EjgM1UaHyU8_-zNu5xnyg/s1600/ciclo+dei+mesi+trento.jpg" height="320" width="225" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Maestro Venceslao, Ciclo dei Mesi, 1400, <br />affresco, Castello del Buonconsiglio, Trento</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La stessa iconografia
che riprende poi il <b>Bramantino</b> agli inizi del 1500 nelle sue opere: il sole del
pittore lombardo però, perde le punte serpentinate per acquistare fattezze
antropomorfe. Così accade nel <b><i>Ciclo
dei mesi</i></b>, dal cui cartone per l’arazzo raffigurante il mese di luglio, si
evince al centro del primo quadrante dell’opera un sole umanizzato, provvisto
di occhi, naso e bocca e addirittura espressivo; così accade nella
<b><i>Crocifissione</i></b> custodita nella Pinacoteca di Brera, che vede la compresenza
durante il giorno non solo del sole – fisiognomicamente molto simile a quello
del Ciclo dei mesi – ma anche la luna. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUBZ3UATCsBLimxeykwSZ8Ij8kMhPaCN1e3nU1cVqZSy00mjG01l-_DVh4evl62NI0zdPrYp8Q06Vby_x6cf4LwumwRra98R9nRaUlSIuttM_s2PH0FSeecKFf7ccTLpLpOhsgm5WNla4/s1600/bramantino+il+ciclo+dei+mesi+-+luglio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUBZ3UATCsBLimxeykwSZ8Ij8kMhPaCN1e3nU1cVqZSy00mjG01l-_DVh4evl62NI0zdPrYp8Q06Vby_x6cf4LwumwRra98R9nRaUlSIuttM_s2PH0FSeecKFf7ccTLpLpOhsgm5WNla4/s1600/bramantino+il+ciclo+dei+mesi+-+luglio.jpg" height="303" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Bramantino, Il ciclo dei mesi - luglio, 1504,
cartone d’arazzo, <br />Civici Musei del Castello Sforzesco, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifSzoOxRlyofQYiutOc4OhJtOqVWmGdN_UHBsD5az6liugBWf-FiX88nULFMQ6I5ddEkXvspyMYV0LdB_5g2HgGr55gk3WrNg82N1Pufw3CKCgl_Hx78w9B86z5-mNXS8t2V_5PFgnCDI/s1600/bramantino.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifSzoOxRlyofQYiutOc4OhJtOqVWmGdN_UHBsD5az6liugBWf-FiX88nULFMQ6I5ddEkXvspyMYV0LdB_5g2HgGr55gk3WrNg82N1Pufw3CKCgl_Hx78w9B86z5-mNXS8t2V_5PFgnCDI/s1600/bramantino.jpg" height="320" width="235" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Bramantino, Crocifissione, 1501 – 1511, <br />olio su
tela, Pinacoteca di Brera, Milano</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXQObmT42XuK4xZAT2IC9FuAOI4qya9cZ5tj6V0nMt3yF0RlKJIHo5pCdRcJU_OH5TkBzqHsuh6gQwUVp7UFMJFyu-BOEhLFcHAc24t0YvR8GXgAlGDZ_rf-C_3WFF_0KAxXaWcMOhYRs/s1600/van+eyck,+polittico+dell'agnello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXQObmT42XuK4xZAT2IC9FuAOI4qya9cZ5tj6V0nMt3yF0RlKJIHo5pCdRcJU_OH5TkBzqHsuh6gQwUVp7UFMJFyu-BOEhLFcHAc24t0YvR8GXgAlGDZ_rf-C_3WFF_0KAxXaWcMOhYRs/s1600/van+eyck,+polittico+dell'agnello.jpg" height="186" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Van Eyck, Polittico dell’agnello mistico (predella),
<br />1426 - 1432, olio su tavola, Cattedrale di San Bavone, Gand</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Negli stessi anni a
Roma sono attivi <b>Raffaello</b> e<b> Leonardo</b>, che a differenza del Bramantino, rendono
l’idea del giorno in modo sicuramente più verosimile. Entrambi attingono molto
da quella che è la pittura paesaggistica fiamminga sviluppatasi nel
Quattrocento, di cui esemplare degno di nota è <b><i>Polittico dell’agnello mistico</i></b>
del <b>Van Eyck </b>nella Cattedrale di San Bavone a Gand (nel quale appare anche un
sole reso splendidamente): il primo nell’armonia bicromatica del cielo azzurro
e delle nuvole bianche vaporose - vedi la <b><i>Madonna del Belvedere</i></b>; il secondo
nell’accordo tra paesaggio ed effetto atmosferico di stampo nordico – vedi la
<b><i>Monna Lisa</i></b> e la <b><i>Monna Vanna</i></b>. Effetto che però non supera quello dei pittori
veneti come Giorgione e Tiziano, maestri della pittura tonale atmosferica. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2SopjWNUfK1smgPouDw9rHRSGb8u0ALG-saRZtSXESh3aOs-7lVgnBSfTHSnvK04UXiVh8rw4G-UKKvZq7mFq6p0hUxzdY9zFZtAYC9TiSjjsNafwGZA4MDeSQIuM8EI3CnbDDel8rVs/s1600/Raffaello_belvedere_madonna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2SopjWNUfK1smgPouDw9rHRSGb8u0ALG-saRZtSXESh3aOs-7lVgnBSfTHSnvK04UXiVh8rw4G-UKKvZq7mFq6p0hUxzdY9zFZtAYC9TiSjjsNafwGZA4MDeSQIuM8EI3CnbDDel8rVs/s1600/Raffaello_belvedere_madonna.jpg" height="320" width="251" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Raffaello, Madonna Belvedere, 1506, olio su<br /> tavola, Kunsthistorisches Museum, Vienna</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidEmQNhQDrvK8rCakRnqOQfIF7w09PP7B-hlEYfmwW98dqRKvijIV6Z2-cO6Zv9yWDlI_8H2uz3EdOZ6WdUWguYp68got1_NIVgLyiQwvE3cLa0w7zjkf7LkL-PK2uKO_gh8UizV37seE/s1600/monna-lisa-monna-vanna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidEmQNhQDrvK8rCakRnqOQfIF7w09PP7B-hlEYfmwW98dqRKvijIV6Z2-cO6Zv9yWDlI_8H2uz3EdOZ6WdUWguYp68got1_NIVgLyiQwvE3cLa0w7zjkf7LkL-PK2uKO_gh8UizV37seE/s1600/monna-lisa-monna-vanna.jpg" height="224" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> <span style="background-color: black; color: white;"> Leonardo, Monna Vanna Leonardo Monna Lisa</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> 1510 ca, olio su tavola, 1503 - 1514, olio su tavola,</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;"> Collezione privata, Svizzera. Museo del Louvre, Parigi. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un’attenzione
particolare, resa ancor più meticolosa dai pittori fiamminghi del XVIII secolo,
che aprono ad una visione decisamente sublime del paesaggio, visto come un’armoniosa
unione di colori, sensazioni e visioni prospettiche. <b><i>La veduta di Deft </i></b>di
<b>Vermeer </b>è un masterpiece dell’artista, che oltre alla tela raffigurante la
stradina della stessa città, non si era aperto allo studio dei paesaggi e delle
vedute cittadine. Indiscutibile il talento con cui rappresenta gli edifici che
si affacciano al fiume, inondati della luce del sole mattutino e scuriti dalle
ombre dei lati non toccati; affascinante la resa ovattata delle nuvole: un
tripudio di sfumature di diversi bianchi e grigi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXvf3Ydyh4xPRg8UnJuLiWt_Xt_0TRi6Php6aWIv0zeUGbw4GuPrqadnFxCYx6cNkKT5XLabt_6jrFyh7wGhoJRWoCXTcDx85pEHCpJ7jPsKdBOS2lu2kNVTbu_asdOGiNIQ4nUSm5V2k/s1600/vermeer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXvf3Ydyh4xPRg8UnJuLiWt_Xt_0TRi6Php6aWIv0zeUGbw4GuPrqadnFxCYx6cNkKT5XLabt_6jrFyh7wGhoJRWoCXTcDx85pEHCpJ7jPsKdBOS2lu2kNVTbu_asdOGiNIQ4nUSm5V2k/s1600/vermeer.jpg" height="398" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Vermeer, Veduta di Deft, 1660, olio su tela,
Mauritshuis, L’Aja</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo4-Z6fmqu-oPhSrljLqIQZ5j44qRpY2Ui1uDM55uQcF_H2WecK0U_6oE_IGLJY9UjH1o1UzjRcUDWRVKq3zxQQI_g0DYWLndlBM5KBomUSZzhxZmlxIvS2Ldj_0-R2rOWx3i9TSLmGro/s1600/constable,+studio+di+nuvole.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo4-Z6fmqu-oPhSrljLqIQZ5j44qRpY2Ui1uDM55uQcF_H2WecK0U_6oE_IGLJY9UjH1o1UzjRcUDWRVKq3zxQQI_g0DYWLndlBM5KBomUSZzhxZmlxIvS2Ldj_0-R2rOWx3i9TSLmGro/s1600/constable,+studio+di+nuvole.jpg" height="195" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Constable, Studio di nuvole, 1822, olio su
carta, <br />The National Gallery of Victoria, Melbourne</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Simile al suo modo di
ritrarre il cielo mattutino nuvoloso è <b>Constable</b>, che nel 1822 si dà allo
<b><i>Studio delle nuvole</i></b>: un olio su carta in cui è ben visibile lo studio
meticoloso del cielo e delle nuvole che lo governano. Seppur mantenendo un
effetto vaporoso tipico dei pittori fiamminghi del Seicento, Constable in
questo dipinto consegna al cielo una volumetria non indifferente, ed un gioco
di colori che ben raccontano l’incontro
delle nuvole con la luce del sole. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcrpft3VkmUlMAEREKTodjHo5NW9M2YaGLH1yC1Tp-al47_BeZRJf3UpmG7-XKwIMWMGqjZSm3i0L1rhXgBUc0aCmp0RYjRvx7QHfK-N51IxIFcRcJ_AEr0_rJAj47_Tx6MlqS1MhNwiU/s1600/canaletto,+canal+grande+e+chiesa+della+salute.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcrpft3VkmUlMAEREKTodjHo5NW9M2YaGLH1yC1Tp-al47_BeZRJf3UpmG7-XKwIMWMGqjZSm3i0L1rhXgBUc0aCmp0RYjRvx7QHfK-N51IxIFcRcJ_AEr0_rJAj47_Tx6MlqS1MhNwiU/s1600/canaletto,+canal+grande+e+chiesa+della+salute.jpg" height="218" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">Canaletto, Il canal grande e la Chiesa della
Salute, <br />1730, olio su tela, Collezione privata.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Diversa invece è la
visione del cielo giornaliero del Canaletto, che in pieno Settecento rimane
fedelissimo alla copia dal vero dei paesaggi (soprattutto veneti), pur
consegnando al cielo un tocco di vigore: si veda nello specifico la tela
raffigurante il <b><i>Canal Grande e la Chiesa della Salute</i></b>, sul cui sfondo si apre
un cielo stratificato da nuvole caratterizzate da svirgolettate corpose che le rendono
sin troppo materiche. Molto simile a quello del <b>Canaletto</b> sarà il cielo
raffigurato da <b>Monet</b> nella tela de’ <b><i>La passeggiata</i></b>, in cui dietro la statuaria
figura della moglie Camille, si erge un cielo azzurro contrassegnato da larghe
e vigorose svirgolettate di un bianco “illuminato e scaldato” dalla presenza di
un sole nascosto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ3iK1iHU9Ehjk-atDcLrvNMlEPvmeYak71E-gyTFpzwjoZawhvCGAeMwsZUAtDia63ssPzKVQBO8Sx4jjfv2zV3NnRPYUyMvxAWH4ktmtAqdpZTIYWCdhEDGEX0xmqZv9J6LtDRLMQ2A/s1600/Claude+Monet+-+La+passeggiata.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ3iK1iHU9Ehjk-atDcLrvNMlEPvmeYak71E-gyTFpzwjoZawhvCGAeMwsZUAtDia63ssPzKVQBO8Sx4jjfv2zV3NnRPYUyMvxAWH4ktmtAqdpZTIYWCdhEDGEX0xmqZv9J6LtDRLMQ2A/s1600/Claude+Monet+-+La+passeggiata.JPG" height="640" width="522" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">C. Monet, La
passeggiata, 1875, olio su tela, National Gallery, Washington</span></span>. </span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyuaLJDhLm7jHNR8sAPMtnc0su0VOPqu4-qO1GKs9ytS6-7IxtBglUDi4cHYtQOQscBbh-4ulL4G6oGOx2ZjWhCYDPWzLreXmcMuQQrgVH4OHll8k5fYb9s0SKAAacbn0csKu5LSh-Cp0/s1600/VAN-GOGH-Vincent-Olive-Trees-with-Yellow-Sky-and-Sun-1889.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyuaLJDhLm7jHNR8sAPMtnc0su0VOPqu4-qO1GKs9ytS6-7IxtBglUDi4cHYtQOQscBbh-4ulL4G6oGOx2ZjWhCYDPWzLreXmcMuQQrgVH4OHll8k5fYb9s0SKAAacbn0csKu5LSh-Cp0/s1600/VAN-GOGH-Vincent-Olive-Trees-with-Yellow-Sky-and-Sun-1889.jpg" height="259" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">V. Van Gogh, Olivi con cielo giallo e sole,
1889, olio su tela, <br />The Minneapolis Institute of Art, Minneapolis</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Poetica è la visione
di <b>Van Gogh </b>del cielo che si erge sull’<b><i>uliveto</i></b> da lui rappresentato, che
vagamente ricorda nel suo effetto dorato la concezione di tempo indefinito bizantino;
al centro del dipinto, in alto, si erge il sole, una fiera e magniloquente
palla d’oro: da esso scaturisce tutta l’energia che inonda il quadro,
sottoforma di leggere ma intense pennellate parallele alla circonferenza del
sole, che trascinano da questo il calore ed il colore lucente dell’astro. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Quell’astro che
permette la vita e che scandisce ciclicamente il tempo dell’uomo, nascendo e
morendo ogni giorno, per poi rinascere ancora: una visione mistica quella dell’alba,
ripresa da più pittori, tra cui<b> Giuseppe Pellizza da Volpedo</b>, che regala alla
stella un’ode dipinta in cui proprio il sole è il protagonista assoluto, nel
bagliore accecante della sua sfera luminosa e nello straripante calore emesso
dai delicati raggi che inondano tutta la tela. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfah7cMGAbFgTH5z9C1ounhGPE6m0npt0khRdKkkZaCz4NMKyKx9N-5KBbh76j94ldFMYfuTjDBqk0o7K0zujbeEkLKcJUKvK5P_KGrhk7yPYl90v_CQn8cOemMH7axK8NI_fvSQGzSOs/s1600/the-sun-giuseppe-pellizza-da-volpedo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfah7cMGAbFgTH5z9C1ounhGPE6m0npt0khRdKkkZaCz4NMKyKx9N-5KBbh76j94ldFMYfuTjDBqk0o7K0zujbeEkLKcJUKvK5P_KGrhk7yPYl90v_CQn8cOemMH7axK8NI_fvSQGzSOs/s1600/the-sun-giuseppe-pellizza-da-volpedo.jpg" height="640" width="636" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Pellizza da
Volpedo, The sun, 1904, olio su tela, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma.</span></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Post correlati:</span><br />
<ul>
<li><span style="line-height: 18px;"><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-del-tramonto-nella.html">La rappresentazione del tramonto nella storia dell'arte</a></span></li>
<li><a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/09/la-rappresentazione-della-notte-nella.html">La rappresentazione della notte nella storia dell'arte</a></li>
</ul>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-81678795439219318832014-08-20T09:35:00.001-07:002014-12-04T09:10:50.000-08:00I Capolavori dell'Arte, collana del Corriere della Sera, firmata Philippe Daverio <table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_a9XSXAFmY-0g9p0XwXJ5zc-imdzowSrVsnbMXRC6_nrh2qirRFx8Qpl690YvQ7bLDT5RbSrQQbWeyx7NgJ4jUHa7f_LcXGfao0JD6WVcNZaOd7VFxeaaYsWnq6CbDksmY8Ehz9X20DI/s1600/philippe+daverio.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_a9XSXAFmY-0g9p0XwXJ5zc-imdzowSrVsnbMXRC6_nrh2qirRFx8Qpl690YvQ7bLDT5RbSrQQbWeyx7NgJ4jUHa7f_LcXGfao0JD6WVcNZaOd7VFxeaaYsWnq6CbDksmY8Ehz9X20DI/s1600/philippe+daverio.jpg" height="320" width="246" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Philippe Daverio, storico dell'arte,critico,<br />giornalista, scrittore ed autore televisivo.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In qualità di blogger
d’arte, mi ritrovo spesso ad indicare mostre o retrospettive che ho visitato e
mi hanno particolarmente colpito o che potrebbero rispecchiare l’interesse di
qualunque estimatore di storia dell’arte perché ben costruite ed allestite. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Mai è accaduto – sinora
– che facessi lo stesso per collane tematiche edite da riviste e quotidiani,
poiché il mio scetticismo verso gli autori di quelle opere, mi porta a
diffidare a grandi linee della loro effettiva validità.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Dico sinora, perché
proprio in quest’occasione vi consiglierò una collana edita a partire dal <b>28
agosto 2014</b> dal <b>Corriere della Sera</b>, che tratterà ben 35 capolavori d’arte in
altrettante uscite. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">A convincermi la
pubblicità di questa collana, devo ammettere, è stata la lettura dell’autore
della stessa, il critico d’arte e giornalista <b>Philippe Daverio</b>, figura
affermata nel panorama critico / storico artistico, già autore e conduttore di
programmi ben strutturati come Passepartout, Il capitale ed Emporio Daverio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYsESjNEknfHijlvKLEEf5fo0Yiy4pT7ArlAnBV7BRFJ8tjWv12YTrtZlEDBC77spkabgyW53ZFZRwQVc8jRFxjFn3yidSZl2OT0YpUFXV2zGrbmpHWvZ7iMHnaYve33RYa0qJzmQ-JSM/s1600/Gustav_Klimt_le+tre+et%C3%A0.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYsESjNEknfHijlvKLEEf5fo0Yiy4pT7ArlAnBV7BRFJ8tjWv12YTrtZlEDBC77spkabgyW53ZFZRwQVc8jRFxjFn3yidSZl2OT0YpUFXV2zGrbmpHWvZ7iMHnaYve33RYa0qJzmQ-JSM/s1600/Gustav_Klimt_le+tre+et%C3%A0.jpg" height="397" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">G. Klimt, Le tre età, 1905, olio su tela,
<br />Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Un signor storico dell’arte
che io per primo ho avuto modo di conoscere durante una conferenza tenutasi
presso l’Archivio Centrale di Stato, dove lavoravo in qualità di stagista, e
che mi ha lasciato godere di alcune lezioni private ed improvvisate sul tema
della diversa concezione legata al restauro in Occidente ed Oriente: un’esperienza
emozionante e totalizzante, resa unica dal lessico aulico, complesso ma sempre
chiaro del professore, coadiuvato da un fascino magnetico derivante dalla sua
gesticolazione, dalla voce impostata e dallo sguardo fermo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ebbene, questa collana
firmata Daverio (sicché quindi, per l’appunto, sinonimo di garanzia), è
intitolata <b>I Capolavori dell’Arte</b>, ed in ogni suo numero andrà a raccontare un
artista genio del suo tempo, in un discorso spiralato che parte dal suo
masterpiece, continua con la sua biografia contestualizzata nella società e nel
periodo storico a cui questo apparteneva, e finisce in una visione generale del
periodo artistico che lo riguardava e del suo rapporto con i colleghi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguanFIYCjanuBpKqiP_JYzJ9oxtZe8j7hFSXE_rlcpaSDFE-Bez7GqjAU8YDPY70plJMOH63SiGJ4vM5ItjjQj7B7wOrBYDckiqzJ8aQLm-IBe8B237K_rMV6mPwfzQgalnzcJ7dg3UzY/s1600/tondo+doni+-+michelangelo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguanFIYCjanuBpKqiP_JYzJ9oxtZe8j7hFSXE_rlcpaSDFE-Bez7GqjAU8YDPY70plJMOH63SiGJ4vM5ItjjQj7B7wOrBYDckiqzJ8aQLm-IBe8B237K_rMV6mPwfzQgalnzcJ7dg3UzY/s1600/tondo+doni+-+michelangelo.jpg" height="320" width="315" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Buonarroti, Tondo Doni, 1503 – 1507, <br />tempera
su tavola, Galleria degli Uffizi, Firenze</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nello specifico, ogni
singola uscita inoltre, è arricchita da una sezione antologica, con scritti
degli artisti e contributi dei più importanti scrittori, pittori e storici
dell’arte (da Giulio Carlo Argan ed Ernst Gombrich a Roberto Longhi, Carlo Levi
e Bernard Berenson), che spiega e completa il racconto della vita dei maestri e
della loro produzione artistica. Eppure ciò nonostante, la caratteristica
importante dei volumi rimane quella che essi trattano il tema dell’arte in una
maniera chiara e scorrevole, attraverso testi redatti in un linguaggio semplice
e di facile consultazione.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ma come è strutturata ogni
opera? Per capirlo, mi rifarò alla prima uscita dell’opera, disponibile in edicola
dal 28 agosto e per le due settimane successive, (che io ho avuto modo di
consultare in anteprima in qualità di blogger), dedicata a <b>Botticelli</b> e al suo
capolavoro la <b><i>Nascita di Venere</i></b>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La monografia è
suddivisa in 4 sezioni: la prima, dopo un’introduzione di Philippe Daverio, contiene
un’analisi dettagliata sull’opera e la sua ispirazione; la seconda è dedicata
alla vita dell’artista e alle sue opere maggiori; la terza sezione è dedicata
ad un approfondimento sul suo tempo: da quello di Lorenzo il Magnifico alla Repubblica
di Savonarola fino ai suoi contemporanei; Infine l’ultima tratta alcuni scritti
di e su Botticelli, contenenti un’ampia
antologia critica, come anzidetto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfUo36hRdk1eP6yWBBx8JP93U7HXJJB14DIrKHw50elrFlBhVloYCY0y4N3av3lXx4YAVS9UmnMce8nT7CccakTwi_z1ubw5rwbnOPSvL1kSEiGJrqhEXb3yD2Ub0k8ZOiihwIbYUICIg/s1600/Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfUo36hRdk1eP6yWBBx8JP93U7HXJJB14DIrKHw50elrFlBhVloYCY0y4N3av3lXx4YAVS9UmnMce8nT7CccakTwi_z1ubw5rwbnOPSvL1kSEiGJrqhEXb3yD2Ub0k8ZOiihwIbYUICIg/s1600/Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_.jpg" height="400" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">S. Botticelli, La
Nascita di Venere, 1482 - 1485, tempera su tela, Galleria degli Uffizi,
Firenze. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg102xfHh0pBT76YVtNMdsVQN59zF4ND4DYmYIfRXK5xvHCooumZLlpfjzsm8ki4D_YwXiPECnbURQibNxWe5ck8q_RD3D84eLLcLkj3KdKSEi8f0MA9N5e9hzUqU6AVbXyCXbQpt9PrR4/s1600/Johannes_Vermeer_-_la+merlettaia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg102xfHh0pBT76YVtNMdsVQN59zF4ND4DYmYIfRXK5xvHCooumZLlpfjzsm8ki4D_YwXiPECnbURQibNxWe5ck8q_RD3D84eLLcLkj3KdKSEi8f0MA9N5e9hzUqU6AVbXyCXbQpt9PrR4/s1600/Johannes_Vermeer_-_la+merlettaia.jpg" height="320" width="271" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">J. Vermeer, La
merlettaia, 1669, </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black; color: white;">olio su tela, Museo del Louvre, Parigi </span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">A seguire la <i>Nascita
di Venere</i>, nell’ordine saranno quindi editi: <b>Caravaggio</b> con la sua <b><i>Canestra di
frutta</i></b>; <b>Renoir</b> con il <i><b>Ballo al Moulin de la Galette</b></i>; <b>Michelangelo</b> attraverso il
<b><i>Tondo Doni</i></b>; <b>Van Gogh</b> con la sua splendida opera dei<i><b> Girasoli</b></i>; <b>Vermeer </b>e <b><i>La
merlettaia</i></b>; <b>Klimt </b>con <i><b>Le tre età</b></i>; <b>Piero della Francesca</b> e<i><b> La Sacra
Conversazione</b></i>; e ancora <b>Leonardo, Gauguin, Monet, Tiziano, Canaletto,
Raffaello, Manet, Bosch, Degas, Giotto, Delacroix, Vélasquez, Schiele, Tiepolo,
Goya, Beato Angelico, Rembrandt, Duccio di Buoninsegna, Cezanne, Van Eyck,
Masaccio, Ingres, De La Tour, Dürer, Rubens, El Greco </b>e <b>Poussin</b>, per un totale
di 35 artisti, racchiusi in eleganti cataloghi illustrati a colori (foliazione
indicativa di 96 pagine), delle dimensioni di 19 x 23 cm, rilegati con brossura con alette.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;">Una collezione straordinaria che potrà non solo arricchire la nostra
personale biblioteca privata, ma anche aprirci mondi meravigliosi a cui magari
prima d’ora non avevamo mai guardato, nel progetto ambizioso di rendere un
argomento aulico come la storia dell’arte, alla portata di chiunque. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaxXfilpa5cCcM8ycpiUFRomLSwB4spfJC3AL2PuRwR3yQBOymWSv_H6PvhkcH6d42hdYWyh-B_wY3QTfhtq0QkHhzy0nCRP7zEbuOQ8_xWcinTgrmfrQ1GIIdULRzTA0cYAjHS4dQJDs/s1600/Renoir-+ballo+al+Mouline+de+la+galette.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaxXfilpa5cCcM8ycpiUFRomLSwB4spfJC3AL2PuRwR3yQBOymWSv_H6PvhkcH6d42hdYWyh-B_wY3QTfhtq0QkHhzy0nCRP7zEbuOQ8_xWcinTgrmfrQ1GIIdULRzTA0cYAjHS4dQJDs/s1600/Renoir-+ballo+al+Mouline+de+la+galette.jpg" height="476" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">P.A. Renoir, Ballo al Moulin de la Galette,
1876, olio su tela, Museo d’Orsay, Parigi</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-32666575372915881682014-08-09T08:19:00.000-07:002014-12-04T09:12:29.765-08:00DJURO JANEKOVIC. Fotografo Croato, Artista Europeo<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Facendo da chaperon con la mia amica Clizia, ad Alice, una ragazza di Cremona in vacanza in terra
di Bari, ho avuto modo io per primo di rivalutare il territorio in cui vivo,
rivelatosi a tutti gli effetti un vero e proprio scrigno d’arte bizantina e
medievale. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E se già alla <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2013/08/la-ricchezza-artistica-della-pinacoteca.html">Pinacoteca Provinciale Corrado Giaquinto</a> ed alla <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/01/come-esplorare-una-regione-in-mezzora.html">Gipsoteca Provinciale</a> nel Castello Svevo di Bari, ho
dedicato le mie attenzioni, in questa sede, prima di dedicarmi all'argomento trattato, non mi resta che accennare almeno
allo splendore artistico ed architettonico che caratterizza la città di
Bitonto, purtroppo più conosciuta per la sua criminalità che per gli aspetti
gastronomici e per i suoi beni, tra cui spiccano la <i>Galleria Nazionale della Puglia</i>,
il <i>Torrione Angioino</i> e la <i>Basilica di Santa Maria Assunta</i>, l’esempio più chiaro
dell’architettura romanica pugliese, al pari di San Nicola a Bari.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLRhaKClxGbdD3A-vZq8nXN31o9llmuMJpn5cJzm3vwE6bRkLcyNT6rL7FnqVzwqI_HgASvGXiR2xhyphenhyphenD_GOVWY6Dgao2KHGtsqSoIJmJDQf-mA2GiFnElHSH1dQvnwfY2cpKN_MHLu7zU/s1600/20140808_162834.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLRhaKClxGbdD3A-vZq8nXN31o9llmuMJpn5cJzm3vwE6bRkLcyNT6rL7FnqVzwqI_HgASvGXiR2xhyphenhyphenD_GOVWY6Dgao2KHGtsqSoIJmJDQf-mA2GiFnElHSH1dQvnwfY2cpKN_MHLu7zU/s1600/20140808_162834.jpg" height="166" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Panoramica del centro storico di Bitonto, con la Basilica di Santa Maria Assunta</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPXxdwwPdygUcb-EdN-uP5RwIoiBH80LifGffz6Q6c8jogS01k9918VBIANn1gLrFFEld_MxNcCw9_Vg5aorel8vCODc8oerIOjJklwp_tS2gP_nlZSC3RGpzL3uHS6UdNV5yo6N0diEE/s1600/D.+Janekovic,+Dalla+zona+balneare+sul+Sava,+1933,+fotografia..png" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPXxdwwPdygUcb-EdN-uP5RwIoiBH80LifGffz6Q6c8jogS01k9918VBIANn1gLrFFEld_MxNcCw9_Vg5aorel8vCODc8oerIOjJklwp_tS2gP_nlZSC3RGpzL3uHS6UdNV5yo6N0diEE/s1600/D.+Janekovic,+Dalla+zona+balneare+sul+Sava,+1933,+fotografia..png" height="239" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Dalla
zona balneare sul Sava, 1933, fotografia. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ad ogni modo, in quest’occasione,
ho avuto modo di ammirare nel <b>Castello Svevo </b>di <b>Bari</b>, oltre ad un paio di
installazioni temporanee di Arnoldo Pomodoro, una mostra dedicata ad un
fotografo poco conosciuto dalla gente, perché rivalutato soltanto negli ultimi
tempi nonostante la sua scomparsa avvenuta più di vent’anni fa: il suo nome è<b>
Djuro Janekovic</b>, classe 1912, nato e vissuto a Zagabria – in Croazia – sino al
1989 anno della sua morte. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">[La mostra <b><i>DJURO
JANEKOVIC. Fotografo Croato, Artista Europeo</i></b>, durerà sino al 15 settembre, (si
è aperta il 15 luglio), ed è ospitata all’interno delle sale del Castello Svevo
di Bari, (orari: tutti i giorni 8.30 – 19.30; costi: intero €5.00, ridotto
€3.00)]. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqTu9bxY2VVfkgbCnRbNUNKXgUHe5JcrOp14O-YgUvfInPqfOdZQLiCh4-OLkwyyskJ1Qi0qzna6qL3Ev-wos1Q8txozHHsNpAiUz9sg0FKLK43zrTyJjEfhntNyxExAq2R24cYN2qbLk/s1600/D.+Janekovic,+Scuola+di+ballo+di+Margarite+Froman,+1934,+fotografia..png" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqTu9bxY2VVfkgbCnRbNUNKXgUHe5JcrOp14O-YgUvfInPqfOdZQLiCh4-OLkwyyskJ1Qi0qzna6qL3Ev-wos1Q8txozHHsNpAiUz9sg0FKLK43zrTyJjEfhntNyxExAq2R24cYN2qbLk/s1600/D.+Janekovic,+Scuola+di+ballo+di+Margarite+Froman,+1934,+fotografia..png" height="400" width="277" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Scuola
di ballo </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">di Margarite Froman, 1934, fotografia.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Di lui non si sa
molto. Appassionato di fotografia, iniziò a raccontare la sua Croazia già da
ventenne, quando, fotoreporter munito della sua macchina fotografica, immortalò
nei suoi scatti tutta l’evoluzione socio-demografica della città verso un
traguardo sempre più moderno e rivoluzionario. Scatti rivelatisi a tutti gli
effetti importanti e “storici”, perché considerevoli documenti stampati su giornali
di stampo nazionale come <i>“Kulisa”</i>, una rivista dal taglio moderno ed
avanguardista, attento alle dinamiche dell’arte e della fotografia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Guardando ai suoi
meravigliosi scatti in bianco e nero, non si può ricondurre un pensiero
a due grandi fotografi a lui coevi: sicuramente sul piano
tecnico infatti Janekovic riprende l’idea costruttivista di <b>Aleksandr Rodcenko</b>,
nell’immortalare sagome e palazzi che si ergono dal basso verso l’alto in un
gioco di tensione lineare e volumetrica; mentre sul piano emozionale e
analitico, come non pensare a <b>Robert Doisneau</b>, che immortalò nei suoi scatti la
meravigliosa Parigi del secondo dopoguerra? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnnFBKxM4iQLjW-b6sng2_zbxAWtUuZOSI1xZXVO6P9INsAX7WaF8iH5o4R3lbrfAUA6o5IIRjPbzq1YT728Yf-lHJ6pmLDYPDH_WQynfOT_mfQ1dHABQHfXM_MkxsjqCzZFsExIWL7_0/s1600/D.+Janekovic,+Il+direttore+d%E2%80%99orchesta+Issay+Dobroven,+1934,+fotografia..png" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnnFBKxM4iQLjW-b6sng2_zbxAWtUuZOSI1xZXVO6P9INsAX7WaF8iH5o4R3lbrfAUA6o5IIRjPbzq1YT728Yf-lHJ6pmLDYPDH_WQynfOT_mfQ1dHABQHfXM_MkxsjqCzZFsExIWL7_0/s1600/D.+Janekovic,+Il+direttore+d%E2%80%99orchesta+Issay+Dobroven,+1934,+fotografia..png" height="150" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Il
direttore d’orchesta </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">Issay Dobroven, 1934, fotografia.</span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Infatti analizzando la
composizione di alcuni degli scatti presenti alla mostra, non è difficile notare
un crescendo di forza e potenza nelle linee tese che caratterizzano lo scenario
catturato da Janekovic; addirittura il taglio netto di alcune situazioni
immortalate, lasciano allo spettatore la libertà quasi di immaginare un
proseguo dell’ambiente oltre il perimetro della fotografia, altresì addirittura
di immaginare possibili avvenimenti accaduti oltre lo sconfinamento dello
stesso. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0hRR332aQPHeJwHbQrxdnYF1fnjuBP9jIrNr9erzZ80ERgBnsuWXizVTXfpJ9esb22Fd0kDAqOkI_8ouk-8TnewbtgqKg5N2igb920GBha4iSTs__oMy2Ii67vAcwqbyXcJ7Bwy6t1Jk/s1600/D.+Janekovic,+Automobili+e+autisti,+autisti+e+automobili,+1934,+fotografia..png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0hRR332aQPHeJwHbQrxdnYF1fnjuBP9jIrNr9erzZ80ERgBnsuWXizVTXfpJ9esb22Fd0kDAqOkI_8ouk-8TnewbtgqKg5N2igb920GBha4iSTs__oMy2Ii67vAcwqbyXcJ7Bwy6t1Jk/s1600/D.+Janekovic,+Automobili+e+autisti,+autisti+e+automobili,+1934,+fotografia..png" height="457" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">D. Janekovic,
Automobili e autisti, autisti e automobili, 1934, fotografia. </span></span><o:p></o:p></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinAc59kIEzqbwxR1RpD9siOs6r-mhxUU2CqBbL_hC9-VyziK8faV5c1_pmQ1kl916KZ425syVKLX31c1stJyPe0PcMiKNIZEYjNEoRRwgDUoCWcGArYDdnpiv03KMF9S3frAGa5wezoT0/s1600/D.+Janekovic,+Fra+le+luci+della+grande+citt%C3%A0,+1933,+fotografia..png" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinAc59kIEzqbwxR1RpD9siOs6r-mhxUU2CqBbL_hC9-VyziK8faV5c1_pmQ1kl916KZ425syVKLX31c1stJyPe0PcMiKNIZEYjNEoRRwgDUoCWcGArYDdnpiv03KMF9S3frAGa5wezoT0/s1600/D.+Janekovic,+Fra+le+luci+della+grande+citt%C3%A0,+1933,+fotografia..png" height="400" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Fra le luci della grande città,<br />1933, fotografia. </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E nel complesso, l’idea
di raccontare Zagabria negli anni di stasi tra le due guerre, è encomiabile.
Zagabria non è mai stata profondamente documentata sul piano fotografico come
altre grandi capitali quali Roma, Londra, Berlino o Parigi; la sua storia non
viene mai raccontata nei manuali istituzionali di storia. Eppure Janekovic ci
dimostra con i suoi scatti non solo la volontà di consegnare alla sua città il
giusto tributo, ma anche (e soprattutto) la trasformazione della stessa in una
realtà cosmopolita e multietnica: la città croata nei primi anni ’30 si apre
alla cultura, alla novità, all’avanguardia, ed il fotografo ce lo racconta.</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Ce lo racconta
attraverso fotografie che ritraggono insegne al neon, sprizzanti di una vita
notturna invidiabile, automobili per la strada, eventi memorabili nelle piazze;
così come lo fa, attraverso fotografie atte ad indagare il mondo invisibile
dell’anima: la preparazione di alcune ballerine prima di uno spettacolo, l’irruenza
di un direttore d’orchestra durante un concerto, la dolcezza del raccoglimento
di chi, nella notte, sotto la pioggia, aspetta il treno per tornare finalmente a
casa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWVgQp7EtkAv3Lm_z0n1rkEO7cTsaxI-eQXS1vx9Qg71pJxGL6TH9S1gRBlhdcH_6j_t7sTc5pH4dUbS0pFmveEej22GLQ-tcUEdRGLXad_RWjjnREbh0vqAOC5k-CF84eKUqQNnFw68c/s1600/D.+Janekovic,+Stazione+di+servizio,+1933,+fotografia..png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWVgQp7EtkAv3Lm_z0n1rkEO7cTsaxI-eQXS1vx9Qg71pJxGL6TH9S1gRBlhdcH_6j_t7sTc5pH4dUbS0pFmveEej22GLQ-tcUEdRGLXad_RWjjnREbh0vqAOC5k-CF84eKUqQNnFw68c/s1600/D.+Janekovic,+Stazione+di+servizio,+1933,+fotografia..png" height="400" width="287" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Stazione
di servizio, </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">1933, fotografia. </span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcjY-q0aEvb-Tu7NajghmQrLYByKhpt4l9BjQoUyF6E7IPfxPWjJjlCeFsLywRGWmG2q8sTT1AtXpM_89sBf5mTD3n3fu6z6jPBhBK36SzszRPdBpqSpItm-Qnjd2DtppTUe0jMGwDDag/s1600/D.+Janekovic,+Di+fronte+alla+borsa+di+Zagabria,+1934,+fotografia..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcjY-q0aEvb-Tu7NajghmQrLYByKhpt4l9BjQoUyF6E7IPfxPWjJjlCeFsLywRGWmG2q8sTT1AtXpM_89sBf5mTD3n3fu6z6jPBhBK36SzszRPdBpqSpItm-Qnjd2DtppTUe0jMGwDDag/s1600/D.+Janekovic,+Di+fronte+alla+borsa+di+Zagabria,+1934,+fotografia..jpg" height="400" width="263" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">D. Janekovic, Di fronte
alla borsa </span></span><span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">di Zagabria, </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;">
<span style="background-color: black; color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">1934, fotografia. </span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
PS: Mi scuso per la qualità delle immagini, ma non avendo trovato materiale su Internet, ho dovuto postare le fotografie scattate con la mia macchinetta. </div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/10332251375127732093noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7197865553294718275.post-78360443484877138972014-07-15T07:10:00.000-07:002016-03-14T08:14:55.456-07:00Ernst Ludwig Kirchner e il Die Brucke: l'idea di un ponte per un'umanità migliore<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS7u0bE5MYt6pHHQ0oSqKBdLRRqqXdfYOwVVs0y9dtG3wH7LNsikPkxprss_ntxdQnLuXn7jU-b1DI3QRoliib2UFN_wcB6OeHFMWT8Y4UeVAGlvt1grOPSIXrezsoG9ILV5_1Rjrj-lU/s1600/kirchner_Ludwig.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS7u0bE5MYt6pHHQ0oSqKBdLRRqqXdfYOwVVs0y9dtG3wH7LNsikPkxprss_ntxdQnLuXn7jU-b1DI3QRoliib2UFN_wcB6OeHFMWT8Y4UeVAGlvt1grOPSIXrezsoG9ILV5_1Rjrj-lU/s1600/kirchner_Ludwig.jpg" width="301" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white;">Ritratto di Ernst Ludwig Kirchner </span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tra le vittime della
mostra sull’Arte degenerata, manifestata dalla politica nazista negli anni ’30,
oltre al già raccontato <a href="http://svirgolettate.blogspot.it/2014/04/otto-dix-e-lorrore-della-guerra.html">Otto Dix</a>, configura un altro protagonista della
Rivoluzione stilistico pittorica tedesca contemporanea: <b>Ernst Ludwig Kirchner</b>,
un pittore che, nel corso della sua vita, provò, con successo postero, a
raccontare la società e la vita quotidiana tedesca del suo tempo, attraverso un
forte impatto cromatico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il pittore, nacque a
Aschaffenburg, in Baviera, nel 1880, vivendo la sua formazione accademica in un
periodo di forte interesse verso le novità ed avanguardie provenienti da tutt’Europa:
iscrittosi alla Facoltà di Architettura di Dresda nel 1901, sicuramente
incuriosito dalla forte emotività sprigionata dall’esplosione dei colori
dettate dalle larghe campiture della pittura di Gauguin e Matisse, ed allo
stesso tempo, dal compulsivo uso delle svirgolettate di Van Gogh, con alcuni
suoi colleghi studenti (<b>Fritz Beyl</b>, <b>Erich Heckel</b> e <b>Karl Schmidt Rottluff</b>), nel 1905 fondò una corrente artistica, atta ad inaugurare un nuovo Espressionismo
di stampo tedesco, il <b>Die Brucke</b> (trad.: Ponte).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCLIQV8WsGoxmCcLsFgqDk7TV0Em2k2PJwLUQoCf7PFbpw59FauurKEZ9t2HIL2wo37qy6paUuADEbaWA5e17uwhK7ObJHDeRmxyv3eS6iIspqULNv4MrCzfBysHk64rF6bE3lUaeLExc/s1600/gruppo+di+artisti+-+kirchner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCLIQV8WsGoxmCcLsFgqDk7TV0Em2k2PJwLUQoCf7PFbpw59FauurKEZ9t2HIL2wo37qy6paUuADEbaWA5e17uwhK7ObJHDeRmxyv3eS6iIspqULNv4MrCzfBysHk64rF6bE3lUaeLExc/s1600/gruppo+di+artisti+-+kirchner.jpg" width="230" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Gruppo di artisti, 1926,<br /> olio su
tela, Ludwig Museum, Colonia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una corrente avanguardistica
che, a differenza dell’Espressionismo fauvista francese di Matisse, Derain e De
Vlaminck, era connotato da un forte accento di denuncia politico sociale. D’altronde,
lo stesso nominativo della corrente, era un’esortazione a percorrere una sorta
di ponte simbolico la cui meta finale sarebbe stata un futuro migliore dell’attuale
(secondo i dettami nietzscheschi raccontati in “<i>Così parlò Zarathustra</i>”),
considerando per l’appunto, il periodo di ormai abbandonata integrità morale,
di alienazione degli operai sfruttati e trattati al pari di bestie da soma, di
smarrimento ed insoddisfazione storico – politiche.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E l’ambiente che si
respirava nel Die Brucke, era per alcuni versi simil-rivoluzionario, come si
può dedurre dalla malinconica tela di Kirchner <b><i>Gruppo di artisti </i></b>del 1926, raffigurante tre dei
quattro fondatori della corrente, più Otto Muller, pittore unitosi al contesto
nel 1910. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Bloccati in una stanza dalle pareti costrette dipinte di blu, i
quattro pittori sono intenti a discutere tra loro: Muller, seduto a gambe
accavallate, pare pensoso e perplesso mentre fuma la sua pipa, segue dietro, alla
sua sinistra, coperto dalla parete spiovente, lo stesso Kirchner munito di giornale,
ancora Heckel e Schmidt Rottluff, con le mani nella palta del pantalone; tutti
rigorosamente imborghesiti nei loro abiti e nelle loro cravatte, con barba e
capelli, rigorosamente precisi. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMSJNwyHeu_m67xawGimc2P8LxEuTkqQkOI5LSsO98Vy8xkR-EqL1Fugg40plQNt3nY1cQi1EMBYTTd6k8VmNbGibG_1wFUqVyu7TeP3eB1MySoYxA8MSl73Eheo1QkzgPdIGwdkn8Myw/s1600/danza+intorno+al+vitello+d%2527oro%252C+emil+nolde-1910.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMSJNwyHeu_m67xawGimc2P8LxEuTkqQkOI5LSsO98Vy8xkR-EqL1Fugg40plQNt3nY1cQi1EMBYTTd6k8VmNbGibG_1wFUqVyu7TeP3eB1MySoYxA8MSl73Eheo1QkzgPdIGwdkn8Myw/s1600/danza+intorno+al+vitello+d%2527oro%252C+emil+nolde-1910.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. Nolde, La danza intorno al vitello d’oro, 1910,
olio su tela,<br /> Staatsgalerie moderner kunst, Monaco di Baviera</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Oltre a Muller, nel
1906, entrarono a far parte del Die Brucke anche Max Pechstein ed <b>Emil Nolde</b>;
quest’ultimo in particolare, dette al gruppo già di per sé esponente di una
vigorosità cromatica eccezionale, un’ulteriore spinta emotiva. Si veda uno su
tutti, <b><i>La danza intorno al vitello d’oro</i></b>, del 1910, in cui un gruppo di donne
balla freneticamente inneggiando al vitello d’oro: il movimento, la furia, l’esortazione,
sono tradotte visivamente da un buon connubio stilistico cromatico; da un lato
infatti una forte spinta è data dalle svirgolettate trascinate dal basso all’alto
di colori pastosi e vigorosi, dall’altra l’utilizzo dei colori caldi, accende
il sangue nel corpo di chi osserva. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5KxmixK9B7RPfzlj7edr_rw9CknTVdc3JVvPdOJ-MQlfDBCjue8c0Bdc0H-p8-azoYDUh1rUCWtAo8h8nQnzpoDqUDO00VjPlJTQAyjGGoKi8_homiE3llmJA3gvqxxG6fpjgovQ_kN4/s1600/marcella+kirchner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5KxmixK9B7RPfzlj7edr_rw9CknTVdc3JVvPdOJ-MQlfDBCjue8c0Bdc0H-p8-azoYDUh1rUCWtAo8h8nQnzpoDqUDO00VjPlJTQAyjGGoKi8_homiE3llmJA3gvqxxG6fpjgovQ_kN4/s1600/marcella+kirchner.jpg" width="250" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Marcella, 1909, <br />olio su tela,
Moderna Museet, Stoccolma</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Il periodo del Die
Brucke, durato sino al 1913, perché sciolto dai suoi componenti in seguito al
problema binario del trasferimento di Kirchner a Berlino, e dello scontro di
opinioni dei suoi componenti, scandalizzati sia dalla pubblicazione delle
<i>Cronache del Die Bruck</i>e dello stesso Kirchner, sia ormai indirizzati verso uno
stile più individualistico che di gruppo, per il pittore coincise con la
denuncia della società che guardava con i suoi occhi nelle città più popolate
della Germania imperiale.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Forte impatto ebbe
innanzitutto la serie dei ritratti di <b><i>Marcella</i></b>, (talvolta ricordata anche come
Franzi), una prostituta minorenne consapevole della bellezza e della freschezza
dei suoi anni, molto ambita dai signori di Dresda. Nei diversi ritratti
appartenenti al biennio 1908 – 1910, Kirchner la raffigura sfrontata e spavalda
nel suo sguardo sensuale, truccata esageratamente, spesso vestita, ma anche nuda, coperta però nel pube e nel
seno ancora acerbo, dalle sue braccia. Interessante è notare l’atteggiamento
della ragazza, vogliosa di sedurre e sempre attenta al particolare vezzoso come
il fiocco tra i capelli.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK68CG4ufiix7tNBukIIl6jjpR_hTwaSX64uJhmkBKcqj3ijC7SXgtuqBNcZ9bTXkCqQxhc1LwaIWMAe-EuvSBzvxuLYPKXtvXfeoDuNuSaHK6CDjWLz9ZPao2XYPl6qD1S6DNi7l3ydc/s1600/kirchner+marcella+1910+minneapolis.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK68CG4ufiix7tNBukIIl6jjpR_hTwaSX64uJhmkBKcqj3ijC7SXgtuqBNcZ9bTXkCqQxhc1LwaIWMAe-EuvSBzvxuLYPKXtvXfeoDuNuSaHK6CDjWLz9ZPao2XYPl6qD1S6DNi7l3ydc/s1600/kirchner+marcella+1910+minneapolis.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Marcella, 1910, olio su tela,
<br />Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Nei ritratti più tardi
del biennio, si può persino evincere come la modella bambina venga raffigurata
nella sua crescita, non solo fisica ma anche psicologica: quella che era una bambina
forte della sua influenza sugli uomini e divertita da tanto potere e dal gioco
di posare per i pittori, diviene un’adolescente consapevole della vita
sfrontata che sta alimentando. Marcella peraltro ormai è conosciuta nell’ambiente
del Die Brucke, perché non è solo la modella di Kirchner: anche <b>Max Pechstein
</b>la ritrae nella stessa posa e nelle stesse vesti indossate da lei per posare
per il primo pittore. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Confrontando le due tele, è
evidente che la ragazza abbia posato contemporaneamente per Kirchner e
Pechstein, seppure i due abbiano reso le sue emozioni in maniera differente:
Pechstein, posizionato frontalmente nella stanza, la ritrae seducente, con una
mano tra le gambe incrociate, l’altra sul viso, attenta però a non coprire le
labbra carnose; persino l’abito appare erotico nella cortezza della gonna e
nelle forme del fondoschiena. Kirchner invece, posizionato alla sinistra di
Marcella, la ritrae sì nello stesso
modo, ma ciò che ne deriva subisce una modifica percettiva: quella che è la
modella sensuale di Pechstein, sembra essere più pudica agli occhi di Kirchner;
l’abito appare più lungo di quanto non si direbbe nel primo, gli occhi
socchiusi sembrano non raccontare erotismo ma stanchezza, la posa sensuale pare
quella sciatta e casuale di una donna stesa sul divano. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWAtSBbjHx8yGUz15spekTjRMRC_ajGnplZGWLP7UeqLL40Dgv1Rphu4ugV4iur3XaEbDjJF8xCBUPQ1ldC_gRTX59zMHvWBJ-LD9vCHXditkVeF1qJzhfaufRnn9FKvqN4Dv8M0_Lwms/s1600/pechstein+marcella+con+gatto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWAtSBbjHx8yGUz15spekTjRMRC_ajGnplZGWLP7UeqLL40Dgv1Rphu4ugV4iur3XaEbDjJF8xCBUPQ1ldC_gRTX59zMHvWBJ-LD9vCHXditkVeF1qJzhfaufRnn9FKvqN4Dv8M0_Lwms/s1600/pechstein+marcella+con+gatto.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">M. Pechstein, Ragazza sul divano, 1910, <br />olio su
tela, Ludwig Museum, Colonia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLUq7dZlhGuulNcE2Fe96BKN_ntp64RnWtOgUOZ8yRCy7i_M42iwPLDn81Sx33r5_1PT2vsiGcAXGpjUrMv5PHQty5n9i4qFiVLITLhVB7H-vjYkw1iRKduxwgfVepn_MhL1qbXpCMI_c/s1600/marcella+di+kirchner.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLUq7dZlhGuulNcE2Fe96BKN_ntp64RnWtOgUOZ8yRCy7i_M42iwPLDn81Sx33r5_1PT2vsiGcAXGpjUrMv5PHQty5n9i4qFiVLITLhVB7H-vjYkw1iRKduxwgfVepn_MhL1qbXpCMI_c/s1600/marcella+di+kirchner.JPG" width="240" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Marcella, 1910, olio su tela,<br /> Brucke
Museum, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Pechstein peraltro non
fu solo un semplice compagno del Die Brucke per Kirchner. Insieme nel 1911, convinti
delle loro idee circa l’arte moderna e trasferitisi entrambi a Berlino,
decisero di fondare un istituto accademico, l’<i>Istituto MUIM</i>, che per l’appunto
si prefiggeva di inculcare nei negli iscritti della nuova generazione, una
nuova metodica pittorica tipica di un’arte contemporanea in evoluzione. Ma il
progetto non ebbe i successi sperati, per cui un anno dopo, nel 1912, il MUIM
vedeva la sua chiusura. E a seguire, un anno dopo ancora, lo vide il Die
Brucke.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFC9EYOT4F-sSoqhRokzGSqasmQ9qol7hZFA1Q1j4IEd6lnPCMwANBXDCK41-cem2MyuFKHebuqZRwP2MQZMeOKuBNo-IpTjqGOMpvhQ12XzCWk61t1a4_xi-o0mL_zJJ3ogAg0h3mUfg/s1600/demoiselles-d-avignon+picasso.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFC9EYOT4F-sSoqhRokzGSqasmQ9qol7hZFA1Q1j4IEd6lnPCMwANBXDCK41-cem2MyuFKHebuqZRwP2MQZMeOKuBNo-IpTjqGOMpvhQ12XzCWk61t1a4_xi-o0mL_zJJ3ogAg0h3mUfg/s1600/demoiselles-d-avignon+picasso.jpg" width="304" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: white;"><span style="background-color: black;">P. Picasso, Les Deimoselles d'Avignon, 1907, </span><br /><span style="background-color: black;">olio su tela, MoMA, New York.</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">In quegli anni
Kirchner sviluppò però le sue idee più geniali circa la trasposizione visiva
della società del suo tempo. Ne sono esempio diversi dipinti esemplari, tra cui
molto interessante per il soggetto e la composizione è <b><i>Cinque donne sulla
strada </i></b>del 1913, al Ludwig Museum di Colonia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La tela raffigura cinque
prostitute, lo stesso soggetto iconografico de’ <b><i>Les deimoselles d’Avignon</i></b> che
<b>Pablo Picasso</b> dipinse sei anni prima, agghindate di tutto punto e pronte ad
accalappiarsi gli uomini proponendo le loro pose più sensuali. I colori acidi e
freddi della tela contrapposti a quelli scuri degli abiti, i profili greci
stilizzati delle meretrici, i fisici longilinei sino all’inverosimile e le
linee spezzate dei loro cappelli, lasciano nello spettatore un senso di angoscia
e degrado, tipico di quella realtà borghese lasciata alla deriva di se stessa
che anche Otto Dix raccontava in quegli anni.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxTYWoZ_28RdaW_UYQFHMwTaYn_xzF2zeSVS9LAEA7rCON5RjhQ3XUswlgcIHVFrUmDhyphenhyphen1rfbv5tKnEBWCwQLJ7qv9VcWmoR6_N87Az8EPlgZEPniM1VBho3EANFWkdSgvCvk9RYf3u70/s1600/kirchner-cinque+donne+sulla+strada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxTYWoZ_28RdaW_UYQFHMwTaYn_xzF2zeSVS9LAEA7rCON5RjhQ3XUswlgcIHVFrUmDhyphenhyphen1rfbv5tKnEBWCwQLJ7qv9VcWmoR6_N87Az8EPlgZEPniM1VBho3EANFWkdSgvCvk9RYf3u70/s1600/kirchner-cinque+donne+sulla+strada.jpg" width="470" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Cinque donne sulla strada, 1913,
olio su tela, Ludwig Museum, Colonia</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">
Emozioni avvalorate nelle due tele di <b><i>Scene di strada di Berlino</i></b> dello stesso
anno e <b><i>Postdamer Platz</i></b> del 1914. In entrambe le tele, Kirchner introduce la sua
visione pittorica della denuncia sociale, così come aveva fatto con le Cinque
donne sulla strada. Le donne della Scena di strada a Berlino, sono donne
succinte e vanitose, accompagnate dai loro mariti e fidanzati dai pastrani
scuri e le bombette a tinta; tutto è frenetico, la gente sullo sfondo va e
viene, si fonde in un'unica grande macchia – nitida - di colore scuro. Più
angosciante Postdamer Platz, connotata dalla stessa tipologia di donne dal
corpo troppo longilineo e dai copricapi dalle linee spezzate delle piume, ma
arricchita del verde olivastro delle loro derma. Ancora, la città nello sfondo
sembra contorcersi come risucchiata da un buco nero creatosi nello
spartitraffico circolare dove sostano le due donne; il cielo è scuro e verde
come la strada, gli edifici sono tetri: tutto contribuisce a rendere la piazza
macabra. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvKTrxHASLahrHgJ2d6lydBgelnnRNPXjXRaC9CgLJNYVH2vUtE7VjVwuuRAQ6hS96r2Iq27WTfg47fByfj4Xt0AD2V3G85Ckpn2KTurMWjHhgnILeQi0AneMImYtlUWYVqwcgeweZbPw/s1600/Kirchner_Berlin_Street_Scene_1913.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvKTrxHASLahrHgJ2d6lydBgelnnRNPXjXRaC9CgLJNYVH2vUtE7VjVwuuRAQ6hS96r2Iq27WTfg47fByfj4Xt0AD2V3G85Ckpn2KTurMWjHhgnILeQi0AneMImYtlUWYVqwcgeweZbPw/s1600/Kirchner_Berlin_Street_Scene_1913.jpg" width="295" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Scena di strada a Berlino, <br />1913,
olio su tela, Neue Galerie, New York</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV1XtzTa63XRm75nMK8Gaj5nI1Hm8XeSnG4d2-FyIVBYz7g-vgqltUW1v137eBXGuFsURp78bV19U2Yy2sAW4LoV41w7U1gINin11eb1luvCT85fn-3UYsLhhaVq6Cjy1iBFjw5zT6Apo/s1600/Ernst_Ludwig_Kirchner_German_PotsdamerPlatz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV1XtzTa63XRm75nMK8Gaj5nI1Hm8XeSnG4d2-FyIVBYz7g-vgqltUW1v137eBXGuFsURp78bV19U2Yy2sAW4LoV41w7U1gINin11eb1luvCT85fn-3UYsLhhaVq6Cjy1iBFjw5zT6Apo/s1600/Ernst_Ludwig_Kirchner_German_PotsdamerPlatz.jpg" width="296" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Postdamer Platz, 1914, <br />olio su
tela, Neue Nationalgalerie, Berlino</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con lo scoppio della I
guerra mondiale, così come fece incoscientemente Otto Dix (i due pittori nel
loro vissuto hanno molte cose in comune), anche Ernst Ludwig Kirchner si
arruolò volontariamente nell’esercito. Ma dalla vita di guerra ne uscì
psicologicamente distrutto: l’orrore a cui aveva assistito nella prima guerra
di trincea ad oltranza, la visione della morte e della mutilazione, lo
provarono sino allo sfinimento, tanto che nel 1915, ad un anno dall’inizio del
conflitto, subì un forte esaurimento nervoso e fu congedato al fine di curarsi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGJgMmgNUCtjIlOf5fONN9M4pUOIsvLTtei-jeeNKcKrss8_5O0ccTitVLUFaSaZIvC3ZUPztK7z2BieiguJlPMfF2Hi9_yLYhJLVYve0djyV4QvqmBV5A6Sp6D5iV1HOaPXpNbLn2UXo/s1600/kirchner+Autoritratto+con+soldato.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGJgMmgNUCtjIlOf5fONN9M4pUOIsvLTtei-jeeNKcKrss8_5O0ccTitVLUFaSaZIvC3ZUPztK7z2BieiguJlPMfF2Hi9_yLYhJLVYve0djyV4QvqmBV5A6Sp6D5iV1HOaPXpNbLn2UXo/s1600/kirchner+Autoritratto+con+soldato.jpg" width="279" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">.<span style="background-color: black;"><span style="color: white;"> L. Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915, <br />Allen
Memorial Art Museum, Oberlin</span></span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Anche dai suoi
autoritratti del periodo bellico si può notare come egli avesse subito il
trauma della guerra: si veda l’<b><i>Autoritratto come soldato</i></b>, del 1915 in cui il
pittore si dipinge nella sua uniforme di soldato, accompagnato da una donna nuda, probabilmente una prostituta non necessariamente legata a lui da sentimenti affettivi.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Lo sguardo del
pittore, nella tela, sembra assente, alienato probabilmente dalla
consapevolezza che sul fronte la morte giunge inaspettata: a dimostrarlo il
moncone ancora sanguinante, simbolo della paura provata verso la guerra e delle conseguenze che questa, quindi, può procurare: una componente riscontrata appunto
anche nelle tele di Dix degli stessi anni. </span><br />
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">E poi l’Autoritratto da ammalato,
del 1918, che mostra un Kirchner scosso, angosciato, consapevole di cos’è la
paura. Dalla finestra il paesaggio si tinge di colori sgargianti, la camera sembra
rimpicciolirsi a vista d’occhio e in primo piano non resta che lui, il pittore
dalla pelle livida e verdognola, preoccupato sul futuro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjD032v447bdj-EVU_LdXN3kZFA0TlHWdlWMBmKIRDBeRnWVCOChrf5rfs9SYGP4OhUMEQbXlVcD94zMo8-ZBeK5jN87WxzLUodXZNLNjgbB5LG9iG0FTKZh_zooDoFSJsnqSfdHAfdbvA/s1600/kirchner-autoritratto-1918.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjD032v447bdj-EVU_LdXN3kZFA0TlHWdlWMBmKIRDBeRnWVCOChrf5rfs9SYGP4OhUMEQbXlVcD94zMo8-ZBeK5jN87WxzLUodXZNLNjgbB5LG9iG0FTKZh_zooDoFSJsnqSfdHAfdbvA/s1600/kirchner-autoritratto-1918.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: "times new roman" , serif; line-height: 14px;">E. L. Kirchner, Autoritratto da ammalato, 1918, <br />olio su tela, Das Stadel Museum, Francoforte</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Con la fine della
guerra giunse un florido periodo di successi per l’artista, che però,
nonostante le diverse mostre monotematiche di cui fu protagonista e l’edizione
di un suo catalogo personale, risentì sempre dei forti problemi emotivi e
psicologici legati alla sua esperienza di guerra, come si evince da un più
pacato seppur instabile <b><i>Autoritratto</i></b> dipinto nel 1931. Trasferitosi dal 1918 in
poi a Davos, in Svizzera, nella cittadina visse il resto della sua sino al
1938, l’anno seguente alla sua disfatta professionale, derivata dalla messa al
bando di centinaia di sue opere per mano dei nazisti, nella denuncia sull’arte
degenerata. Lui, che con il Die Bruck aveva tanto combattuto per un’umanità
migliore, ritrovandosi invece nella mani della peggiore fattispecie. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj306cLsdxRHgYZcHYSXNokk56ejNiEbwRGF292HwtQLqOxKxIKKwrU0Y5s79Xhha2_eEVavZm4uCFomU3wKifoX4R0ZxPoq-EwShyphenhyphenqRZlcjHlPsDokRKQhB1OBhfCm_ue_dDyJ4obxbyg/s1600/kirchner-autoritratto-1931.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj306cLsdxRHgYZcHYSXNokk56ejNiEbwRGF292HwtQLqOxKxIKKwrU0Y5s79Xhha2_eEVavZm4uCFomU3wKifoX4R0ZxPoq-EwShyphenhyphenqRZlcjHlPsDokRKQhB1OBhfCm_ue_dDyJ4obxbyg/s1600/kirchner-autoritratto-1931.jpg" width="462" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="background-color: black; font-family: "times new roman" , serif; font-size: 10pt; line-height: 115%;"><span style="color: white;">E. L. Kirchner, Autoritratto, 1931, olio su
tela, Bunder Kunstmuseum, Coira</span></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span>
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</ul>
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